No en pocas ocasiones nos deleitamos observando como surgen y crecen los nuevos brotes, como si de una seta mágica se tratará, nos encanta esperar, imaginar cuan lejos podrían llegar y antes de que se abran completamente y suelten sus esporas, los recolectamos, los mostramos y así esperamos que esas esporas, su genialidad, pueda llegar aún más lejos, inseminando otras mentes con nuevas ideas, contactos, quizás trabajos, quizás éxito, quizás nada, quizás todo... Es nuestra forma de contribuir a un mejor mañana. Por lo tanto, ha llegado el momento de mostrar en nuestra página la obra de Edward Carvalho-Monaghan, al cual seguíamos desde principios de este año.



Aunque es casi un recien llegado a la escena gráfica, Monaghan ya tenido ocasión de trabajar para Adobe, Gather.ly, Secret 7, Brunswick Review, Printed Pages y Form magazine. Su obra está obviamente polinizada con referencias a la psicodelia y el pop, The Yellow Submarine emerge en nuestras mentes, pero Edward se siente más cercano a la obra de Alejandro Jodorowsky, y seguramente sus referentes no solo proceden de finales de los sesentas, también de toda esa nueva ola de neo-psicodelia que hemos visto surgir en los últimos años, no solo en arte (ver Belio 032), también en música con The Flaming Lips, Animal Collective, Mercury Rev, Tame Impala, etc.

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Al observar la obra de Tom Ormond una especie de corriente eléctrica recorre nuestros nervios, no es una sensación física, sino algo cercano a una experiencia mística, similar al momento en que reconoces que acabas de encontrar una pieza del puzzle que llevas dentro. Y todas esas obsesiones con formas geométricas, experiencias extrasensoriales, el origen de la inspiración creativa e incluso sobre otras formas de vida con inteligencia superior, parecen tener sentido. Y es que la obra de Ormond podría ser reflejo de todo esto.



Para algunos, los cuadros de Tom son una especie de cruce entre la pintura de paisaje y la ciencia ficción. Y en cierto modo así es, pero siempre depende del prisma con el que se mire. Nuestros preferidos son sus más recientes cuadros que simulan una especie de estudio, quizás el del propio Ormond, y extrañas estructuras luminosas que parecen descender (o ascender) entre obras allí representadas. Sin duda, una alegoría de la creación en estado puro, una especie de sueño dentro de otro sueño donde el creador se ha hecho uno con su obra.

Nacido en Derbyshire en 1974, Tom reside y trabaja actualmente en Londres, donde ha presentado sus más recientes obras dentro de la exposición colectiva The Future Can Wait, anualmente organizada por Saatchi para presentar lo que llaman New Sensations y de la que ha formado parte también en 2012 y 2013. Pero... ¿Tú también estás viendo lo mismo que nosotros?

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Afirmar que los japoneses son maestros en muchas disciplinas artísticas es una obviedad, especialmente cuando se trata de de combinar armonía, minimalismo y sutilidad. La obra de Toshitaka Aoyagi es un perfecto ejemplo de experimentación con luz, sombra, color, textura y dimensiones varias. Experimentos contenidos, equilibrados, dominados a su voluntad para crear una experiencia estética reflexiva, casi meditativa...



La quietud y armonía estética transmitida a través de series como Scratch, Colors, Aqua, Translucent o Bokeh, entre muchas otras, se basa en la simplicidad, no solo a la hora de escoger un título, también a la hora de jugar con un concepto y llevarlo a uno y mil resultados interesantes. Su técnica se basa en explorar las cualidades de distintos tipos de superficies y sus capacidades para contener, reflejar o transformar la luz y con ella la experiencia perceptiva.

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¿De qué sirve enfrentarse cada día con un papel en blanco, con una pared gris o un fichero vacío? ¿Qué importancia tiene obstinarse por sacar afuera lo que llevamos dentro? y sobre todo ¿Cuando es el próximo Big-Bang? Cada uno lleva dentro un universo indescriptible, y en el caso de los artistas, ese universo personal busca expandirse, a ser posible sin límites. Y aquí tenemos a Deih, ilustrador y artista urbano de Valencia con potencial de Big-Bang de colores.



Pero sobre todo, lo que de verdad mueve a Deih son las ganas de explorar ese lado oscuro, el que está dentro y el que está más allá en el espacio exterior, que en el fondo son lo mismo. De la misma forma que explora un papel, explora un muro de grandes dimensiones, solo o con su escuadrón XLF, en el anonimato de la noche, en una galería o en un festival. Lo suyo es un viaje continuo entre la ciencia ficción y el cómic, marcado por la dirección apuntada por otras estrellas como Jean Giraud / Moebius, Jack Kirby o Katsuhiro Otomo. Pero Deih tiene su propio mapa, su propia ruta y si los demás queremos ser testigos, habrá que seguirle de cerca, pues su universo ha empezado a expandirse y podría estallar en cualquier momento...

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El concepto "Marca España" en lugar de un buen marketing se ha convertido en sinónimo de todo lo peor, gracias a unos políticos que nada hacen en pro de su país, sino todo lo contrario. Pero dejando a un lado la política, existe una España que a pesar de los tiempos mantiene una identidad, lo que se ha venido a llamar España profunda es precisamente esa marca auténtica: un país árido, surrealista, esperpéntico, cálido, poético y lleno de detalles preciosos e historias por contar. Así mismo son las fotografías de Polgaroid.



Pato Hernán, a.k.a. Polgaroid, es un fotógrafo de Zaragoza obsesionado con la fotografía analógica, es decir, por el uso de película, polaroids y especialmente el medio formato. Su obra nos revela la gran capacidad de observación de Pato y cierto sentido nostálgico a la hora de capturar la realidad que le rodea, especialmente presente en sus series N-II (homenaje a la carretera nacional que une Madrid con el paso fronterizo de Els Límits) y Monegros. Sus fotografías nos permiten viajar por carreteras desiertas y parar en lugares por los que parece que no ha pasado el tiempo, abriendo así puertas a nuestros recuerdos del pasado. En realidad nada se ha perdido, esos recuerdos, esa España sigue estando ahí, como raíces bien agarradas a la tierra.

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El hiper-colorido mundo visual que normalmente desplegamos en nuestros contenidos es solo posible gracias a un equilibrio con nuestra también gran fascinación por artistas que hacen del minimalismo y la simplicidad un universo de posibilidades infinitas. Y nunca mejor dicho, este es el caso de las obras de HC Gilje, un vídeo artista de Noruega que "explora como tecnología audiovisual puede ser usada para transformar, crear, expandir, amplificar e interpretar espacios físicos."



A través de sus experimentos con instalaciones de LEDs, Gilje se ha dedicado a explorar todo tipo de espacios, desde galerías y salas de museos hasta los más recónditos espacios industriales. Creando así un juego de luces y sombras a través del cual el espectador puede redescubrir la belleza de un espacio vacío. Dichos experimentos también los ha llevado a paisajes de noche, personalmente nuestros favoritos, como un bosque o los bajos de un muelle. A continuación puedes ver su más reciente participación en TodaysArt 2014 como parte de la exposición The Fluidity Aspect, donde presentó una nueva versión de su obra Trace:



HC se ha especializado en todo tipo de instalaciones visuales, actuaciones en directo, escenografía así como proyecciones mono y multi-canales. Ha trabajado con artistas como Maja Ratkje, Justin Bennet, Kelly Davis, Jazzkammer y Yannis Kyriakides, aparte de haber participado en festivales como Club Transmediale en Berlin, Sonic Acts festival en Amsterdam, Mutek en Montreal o Sónar en Barcelona. Y por si fuera poco también es el creador de VPT, un software gratuito para controlar proyecciones de vídeo en vivo y adaptarlas a distintas superficies.

Podéis ver más vídeos con sus obras más destacadas en nuestra sección de vídeo.

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El pasado siempre tendrá un toque romántico, pues a pesar de todo lo malo en la historia del ser humano, hay una gran mayoría que prefiere mirar el lado bueno del pasado, que no es poco, y el arte en todas sus formas es una de estás cosas buenas que merece ser rememoradas, revisitadas y recreadas. Por esto mismo, obras gráficas como las del alemán Roman Klonek resultan tan atractivas a pesar de no inventar la pólvora...



De hecho, Roman no está buscando una revolución visual, aunque su estilo tenga mucho de la propaganda revolucionaria de la época comunista. Klonek ha decidido mirar directamente al pasado, especialmente a la hora de trabajar, utilizando el grabado en madera tanto para su obra personal como para su trabajo comercial como ilustrador. Su estilo, basado en colores y formas básicas, recuerda a dibujos de otra época y otro lugar, recuerda al folklore, los cuentos, las criaturas y los personajes de su tierra natal, Polonia y demás países de Europa del Este. La madera que nutre su talento proviene de raíces con una fuerte cultura visual, una estética que a pesar de ser pasado, nunca dejará de ser presente.

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El caos es el orden natural. ¡Sí! La democracia es una dictadura voluntariamente sostenida por los individuos que viven sometidos a ella. ¡Sí! Lo que dicen los medios de comunicación es la verdad infalible que debes creer. ¡Sí! El dinero es tu Dios. ¡Sí! Los políticos son los guardianes de vuestro bienestar y por ello les debéis vuestras vidas. ¡Sí! Lo creas o no vives atrapado en este mundo, una realidad pervertida y manipulada por las elites sociales desde tiempos inmemoriales. Es como estar viviendo en 1984 para siempre. ¡Sí! Si quieres libertad tendrás que someterte. ¡Sí! Toda revolución es una ilusión. ¡Sí!



RallitoX lo sabe. Y sabe que resistirse es inútil, por eso decidió hace tiempo unirse al caos. Si no puedes contra ellos, únete a ellos. Sus graffitis, pinturas, ilustraciones y videos combaten el fuego con fuego. RallitoX nació en Cataluña, vivió por diez años en Madrid y como muchos artistas españoles emigró hace tiempo lejos de este esperpéntico corral. Desde Berlín sigue dando guerra sin tregua y confundiendo al personal.

En estos días Rallito ha vuelto por Madrid para dar un par de azotes en la conciencia de aquellos que aún andan despistados. Su exposición Confundiendo España llega en el momento y lugar perfecto: hasta el 18 de octubre, en Swinton Gallery (Calle Miguel Servet 21, Madrid). Pocas galerías en España, menos aún en Madrid, se arriesgarían a exponer arte de semejante calibre político. Quienes ya conozcan la obra de RallitoX podrán apreciar que sigue siendo fiel a su estilo irreverente, ácido y absurdo, al mismo tiempo que ha introducido nuevos matices de color que dan mayor riqueza a sus obras. Como dijo Barcenas: "Invertir en RallitoX es la mejor forma de blanquear dinero."

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Cualquier persona con un escáner y un poco de curiosidad creativa ha probado a escanear objetos, personas o animales en movimiento ¿Verdad? Desde el fotógrafo que lo usa a modo de cámara digital de gran formato al diseñador gráfico con cierta inclinación por lo artístico. El resultado es siempre algo misterioso y cautivador, cercano a la estética glitch que tan de moda se ha puesto en los últimos años. En este sentido las obras de Bryce Willem no suponen revolución técnica o innovación estética alguna, pero tienen algo que las hacen delicadamente poéticas.



La serie que más no ha llamado la atención dentro de la obra de Willem es Binarium, donde naturaleza y acción humana genera bellas deformidades, las cuales su autor conceptualiza a modo de ejemplo de evolución digital de las especies. Para nosotros la belleza de esta serie reside en la combinación de algo ya perfecto, cualquier forma de la naturaleza, combinado con la fuerza de la acción digital controlada a voluntad. Sin embargo sus más recientes series, Currence I y II, apuestan por un aspecto más minimalista todavía y por un concepto más abstracto (ver las dos últimas imágenes de este reportaje). Lo suyo es un trabajo en progreso, un experimento continuo que a la larga esperemos lleve esta técnica a nuevos resultados estéticos.

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Lejos han quedado aquellos años en los que el ciberpunk y hablar de la modificación del cuerpo a través de la tecnología era lo más "in" dentro del arte. Sin embargo estás últimas décadas nos han dejado una relación entre cuerpo y tecnología mucho más simbiótica y amigable, el tema sigue presente en artistas como Lucy McRae cuya obra se sitúa a medio camino entre ciencia, arte, diseño y tecnología.



Su más reciente proyecto se trata de un experimento para, literalmente, "preparar el cuerpo humano para viajar en el espacio", para el cual ha colaborado con un diseñador de muebles, un científico especializado en materiales y un biólogo espacial de la NASA. El resultado es una especie de cámara capaz de simular la sensación de gravedad cero, la cual fue presentada la semana pasada en Designjunction como parte del London Design Festival 2014.



El trabajo de McRae se centra principalmente en el cuerpo humano como concepto, explorando sus limites físicos y estéticos. Moviéndose en los bordes entre magia, emoción e intuición, su proyectos se basan en historias especulativas para evocar y canalizar futuros cambios y progresos en los campos del arte, la biotecnología, la belleza, la salud y la ciencia. Es decir, ciencia ficción en forma de arte, una formula que le ha llevado a trabajar con clientes como Aésop, Centre Pompidou, Channel4, Levi's, Robyn, Swarovski, Vogue, etc.

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Las obras de Rob Sato están llenas de historias, como no podría ser de otra forma. Bajo esa apariencia de ilustración de cuento se esconden anécdotas de su infancia y reflexiones sobre su vida actual convertidas en fantásticas batallas entre personajes, banderas, animales, robots y demás seres imaginarios. Todo este universo toma forma a través de agua y color, siendo la acuarela la técnica preferida de Rob a la hora de enfrentarse a un papel.



A través del uso de símbolos, mapas, personajes pseudo-mitológicos y arquitecturas imposibles, la obra de Sato adquiere un carácter neo-clásico, en combinación con robots y aviones en estado de descomposición, sugiriendo así una línea de tiempo alternativa por la que se mueve su obra.

A partir del 20 de Septiembre se puede visitar Curses, la nueva exposición individual de Rob Sato en la galería Martha Otero de Los Angeles. Sin duda, una obra como la suya, acuarelas llenas de detalles, merece ser vista en primera persona.

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A veces resulta increíble tropezarse con el trabajo de artistas como Jonathan Zawada y darse cuenta de que aún no ha recibido toda nuestra atención en forma de reportaje, especialmente por esa perfecta representación de la línea que va del diseño al arte y viceversa. Cuando ves que sellos y marcas como Warp Records, Sixpack, New York Times, It’s Nice That, etc. han confiado en su trabajo de forma reiterada... ilustrando por ejemplo portadas para Mark Pritchard, Rustie, The Presets, D.A. & the Supa Dups, Ministry of Sound, The Valentinos, etc. Es por algo. Pero dejando a un lado nombres de referencia y trabajos comerciales, lo que realmente nos llama la atención es su obra más personal.



La obra de Zawada es una mezcla de pop, psicodelia y surrealismo, construida a partir de una atenta observación de la realidad, una re-creación principalmente 3D y un acabado perfecto en todo tipo de formatos, desde instalaciones a impresiones en tela, ediciones digitales, piezas de vídeo, diseño de objetos, etc. Desde el año 2008 su carrera como artista ha sido frenética, con exposiciones colectivas e individuales en todo el mundo, destacando especialmente los últimos años con una o dos muestras individuales por año en galerías como Sarah Cottier Gallery en Sydney, The Popular Workshop en San Francisco, Colette en Paris o Vallery en Barcelona. En resumen: con un trabajo tan ecléctico como personal, tan alienado como comercial, tan diseñado como artístico... no hay duda, este es el gran momento de Jonathan.

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La recta final del año se presenta interesante en nuestra galería preferida de Valencia, Espai Tactel inaugura este mismo viernes día 12 de Septiembre la exposición Castlehead de Nelo Vinuesa, una apuesta por la mezcla de medios entre lo orgánico y lo digital que también tiene lugar en el contenido de la obra de este joven artista valenciano.



Si hay dos referentes claros que recorren la obra completa de Nelo es la estética pixel propia de la corriente retro en video-juegos y la experimentación plástica y cromática de la pintura abstracta de las últimas décadas. El caso de Vinuesa no es el del oportunista que se apunta a una corriente estética, sino el de un artista que lleva largos años dedicados a explorar la posibilidades de su abecedario iconográfico. Lo cual le ha llevado a evolucionar su obra a través de la pintura y la ilustración hacia la animación en el formato vídeo. Pero quizás sea aún en su formato más crudo, la pintura, donde se muestra una evolución visual más interesante, desligándose poco a poco de la figuración pero sin abandonar el plano simbólico-digital.



La exposición Castlehead se puede visitar hasta el día 7 de Noviembre de 2014 en Espai Tactel.

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La inactividad de Belio en las últimas semanas sea quizás considerada una ausencia mediática demasiado larga... Y es que Belio es un ente humanoide y se toma sus vacaciones para disfrutar de la vida y recopilar inspiración y energía creativa. El motor que hace funcionar este medio no es el dinero, ni la publicidad, sino un espíritu libre que va conectado con ese disfrutar la vida, el presente y por fin volver a vosotros con todas las ganas del mundo.

El reportaje de hoy es especial por este mismo motivo, pues sus protagonistas encarnan de esta misma forma un modo de vida que trasciende en su obra, en todo tipo de formatos y posibilidades. Así son Kozyndan, Kozy y Dan Kitchens, "Marido y mujer, a veces ilustradores, a veces artistas, a veces idiotas a tiempo completo. Adictos a viajar y a la comida, el buceo, el sexo, la música, la naturaleza y nuestros amigos. Yendo allí a donde la vida nos lleva, y documentando los puntos álgidos (dejando de lado los tediosos puntos bajos)." ¿Queda claro?



Toda esa documentación se refiere a la infinidad de geniales fotografías que comparten en su flickr: www.flickr.com/kozyndan. Allí se mezclan fotos de su vida, ilustraciones, murales, diseños gráficos, pinturas, esculturas, toys, fotos subacuáticas, etc. El conjunto transmite una vibración positiva de amor por la vida, la naturaleza, el ser humano. Es una obra pop colorida, luminosa y alegre, y probablemente este es el ingrediente secreto de su éxito a todos los niveles: El disfrutar creando, amando y viviendo. Por esto mismo se merecen toda nuestra atención, para difundir entre vosotros las ganas de hacer / crear aquello que más amáis.

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Ha llegado el momento de congelar el tiempo y el espacio, escapar, al menos por unas semanas. No solo nos referimos a tomar unas merecidas vacaciones, sino también al arte de pararse a observar un momento ingrávido y capturarlo, y para ello nada mejor que la fotografía. Nuestro protagonista de hoy es un experto en ese arte, Enric Adrian Gener no solo es fotógrafo, su especialidad es la fotografía submarina en todas sus variedades, para lo cual combina unas buenas capacidades acuáticas, un gran conocimiento técnico y especialmente un buen ojo.



Obviamente fotógrafos centrados en el surf, el submarinismo, la fauna acuática, etc. hay muchos, la diferencia entre el menorquín Enric y tantos otros se debe a un especial sentido estético y cierta obsesión con algunas composiciones. Personalmente nos quedamos con aquellas imágenes en las que el ser humano se encuentra flotando ante la inmensidad del gran azul, a medio camino entre el fondo y la superficie. Nos gusta la idea de congelar esa imagen, ese momento, en nuestra / vuestra mente y dejarla ahí... ¡hasta la vuelta!

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En nuestro ánimo por haceros viajar, hoy os vamos a recomendar otra exposición que se va a inaugurar este mes, solo que esta vez es un poco más lejos: Mapas de Jon Jacobsen que se presenta en la galería Sientoxciento de Santiago de Chile del 21 de Agosto al 4 de Septiembre. Pero no os preocupéis si no os pilla de camino, pues cuando decimos "haceros viajar" también nos referimos al ver la obra de Jon.



A primera vista las creaciones de Jacobsen encajan dentro de la popular tendencia fantástica dentro del mundo de la fotografía, es decir, la manipulación digital de fotos para crear imágenes surrealistas, propias de un sueño. Un campo que tiene muchos aficionados amateurs y que en ocasiones encuentra salidas dentro del mundo de la publicidad. Pero Jon va un paso más allá, aparte de una calidad formal y estética, sus ideas y técnicas se sitúan por encima de esa media, creando así una fuerte personalidad que le ha llevado a trabajar con editoriales de moda, publicar en innumerables publicaciones y exponer dentro y fuera de su país natal, Chile.



El autorretrato es una de sus principales obsesiones, y desde los 15 años ha trabajado en este aspecto manipulando digitalmente su aspecto para dar salida a un mundo interior claramente conectado con la psicodélica y la exploración de otras dimensiones del ser. Estamos deseando ver a donde lleva este viaje suyo, con o sin mapas, será a un destino increíble, sin duda.

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"Un espacio se ha abierto entre nosotros, y estoy decidido a entrar ¿Te encontraré entre los arboles? Podría desviarme de estos caminos de nuevo, a través de la naturaleza salvaje, donde tal vez nos encontremos. ¿Encontraré mi camino de vuelta, o continuaré a través...?" Así empieza la introducción que lleva a Are We Strangers Now? La primera exposición de la ilustradora londinense Alex Simpson en la galería Oz de Amsterdam. Para la cual ha producido nuevas obras, pinturas, ediciones impresas, esculturas e incluso piezas de arte sonoro.



Sí, todo parece un poco extraño o mágico, pero es que Alex disfruta moviéndose entre extremos opuestos, lo que ella define como "espacio liminal", donde "intenta revertir el tiempo, hacer que los ríos corran hacia atrás, las montañas retrocedan, los niños jueguen a ser Dios." Al observar la obra de Simpson se ve más claramente: Sus imágenes parecen al mismo tiempo infantiles pero nada inocentes, divertidas pero a base de humor negro, alegres pero sin embargo terriblemente oscuras, bellas en su exaltación de la degradación y la deformación. En este sentido son obras muy humanas.

A continuación os presentamos algunas de las obras de Alex, pero sus más recientes creaciones podrán ser descubiertas solo a partir del 8 de Agosto en Oz-Amsterdam.

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Imagina que estas en Reino Unido, más concretamente en la estación de tren de Middlesbrough... Lo que allí vas a experimentar no es para nada paranormal, sí hay un vacío, un vacío significativo en los pósters que ocupan la estación, pero esa misma es la obra de John Taylor, un proyecto gráfico que deconstruye pósters clásicos del cine bajo el título Film The Blank.



Esta obsesión por simplificar, reducir a su más básica estructura, y vaciar, no solo de letras, también de sus figuras humanas, es un intento por empujar la mente del espectador a descubrir la potente conexión sentimental existente entre el mundo visual y los recuerdos. Obviamente los más cinéfilos tendrán una mayor probabilidad de identificar el origen de estas composiciones abstractas. Pero dejando a un lado este aspecto, este proyecto también resulta interesante por su intrínseco estudio del color y la composición en diseño gráfico.

Aunque este es un proyecto que Taylor comenzó en el año 2008 como un juego visual, fue en el año 2010 cuando adquirió mayor popularidad y ha continuado presente de una u otra forma a través de ediciones impresas, libros, postales o como en esta ocasión, como parte del proyecto The Tunnel Gallery. La muestra se puede visitar en la estación de Middlesbrough hasta el día 25 de Agosto.

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Hay muchos tipos de fotografía, como en cualquier disciplina, y en Belio nos solemos decantar por aquellos creadores con un sentido más artístico y menos comercial, pero el caso de Stephanie Gonot es una pequeña excepción a esta norma. Sus fotografías se encuentran cercanas a la foto de catálogo, sobre productos, alimentos, moda, etc. Pero a base de un cuidado estudio del color y la composición, Stephanie consigue un sello de identidad tan propio como artístico.



Aparte del color, otros dos factores que hacen destacar la obra de Gonot son su agudo sentido para identificar y aplicar tendencias estéticas, y además cierta fascinación por la cultura Trash y Pop, buscando un equilibrio estético entre ambas. Esto es consecuencia de su trabajo además como comisaria para Good Pictures y el blog de fotografía de Good Magazine, o su propia selección bajo el proyecto Please Excuse The Mess. Y también muy probablemente todo este mundo colorido, brillante y luminoso sea reflejo de esa California ideal y soleada donde reside Stephanie.

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El término Post-Digital aplicado en arte y música no está libre de ciertas críticas y suspicaces medias sonrisas. Si el formato final de una obra es digital o de una época pre-digital, ¿Qué formato tiene una obra Post-Digital? Obviamente, el pensamiento y las teorías siempre van por delante de las acciones, a veces demasiado por delante de la realidad. Por lo tanto el arte y la música se conceptualiza, su evolución conceptual va pasos por delante de su evolución técnica. Pero ¿Qué pasaría si tras esta época tecnológica pasáramos a un gran apagón? En este caso obras como la de Lauren Pelc-Mcarthur serían la perfecta definición de dicho tipo de arte.



La obra de Lauren se puede dividir entre pintura y creación digital, imagen estática y vídeo. Lejos de ser disciplinas distantes, Pelc-McArthur permite y potencia la hibridación entre ambas, desde el uso de texturas creadas manualmente dentro de sus obras digitales, a la aplicación de elementos generados con herramientas 3D como base e inspiración para luego pintar sobre lienzo. Pero sobre todo un uso experimental y valiente de la tecnología con un carácter expresivo y gestual. Lo cual implica el uso de errores digitales, glitches, como si fueran un bote de pintura en las manos de Pollock... El resultado es visualmente salvaje, pero técnicamente concreto, cuidado y perfeccionista: Una simulación orgánica de los caprichos estético-anárquicos de lo virtual.

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