¿Obsesionado con las formas y patrones geométricos? Entonces te va encantar saber que el diseñador ucraniano Konstantin Kofta también ha caído en esa pequeña-gran fascinación. Precisamente su colección para este invierno titulada Platonic Solids está inspirada en esos cinco sólidos platónicos que son base de todo en el mundo físico. Y la historia continúa en su siguiente colección, la de primavera-verano 2015, con Inertia también inspirada en la geometría pero en tonos más luminosos y en ocasiones plateados.



El trabajo de Kofta se centra en complementos, especialmente bolsos, carteras y zapatos, y en el uso de cuero para la elaboración de piezas inspiradas no solo en geometría, también el cuerpo humano y la naturaleza han sido epicentro para colecciones como Roots, Hug y Born, así como las texturas y objetos industriales inspiraron su serie Exhausted. El propio Konstantin quiere marcar la diferencia, no diseña para ser moda, sencillamente crea a partir de contradicciones conceptuales, objetos con una gran vocación de convertirse en piezas de arte para llevar.

Ver más


























Si sigues regularmente la actualizaciones de nuestro webzine, habrás notado que cuando se trata de fotografía tenemos cierta fascinación por una serie de temas como el paisaje industrial, la belleza dentro del error y/o lo casual, el retrato con carácter experimental y por supuesto, la representación de la naturaleza conectada con el ser humano. La personal obra de Weronika Izdebska, más conocida en la redes como Ovors, pertenece sin duda a este último tema que hemos mencionado.



Sobre estás líneas puedes ver uno de sus últimos trabajos en formato vídeo, se trata de un vídeo clip para el grupo de música Inqbator. Como podrás apreciar el aspecto más interesante y solido de este trabajo radica en su aspecto fotográfico, con ese aire misterioso, gélido, oscuro... No es de extrañar, pues el terreno en el que mejor se mueve Weronika es en la fotografía.



A continuación podéis ver más fotografías extraídas de distintas series, entre ellas nuestras favoritas son Jasmine, Woods, you're mine y Mjuk, con los impresionantes paisajes de Islandia como telón de fondo y protagonistas al mismo tiempo. Pero merece la pena ver al completo todas sus series directamente en su web. Allí nos cuenta que su obra "se centra en seres humanos. Emociones y sentimientos efímeros, espacios interiores, silencio". Quizás sea este el motivo por el que nos gusta tanto, porque no recuerda al efecto que la naturaleza tiene sobre nosotros.

Ver más
























La creación de un buen logotipo va asociado a un nivel de madurez y capacidad de síntesis especial. No sé trata sólo de tener ciertas dotes con el manejo del vector o ser un diseñador con estilo. Crear una marca, una señal de identidad que resuma con estilo y personalidad un concepto, idea o mensaje es una de esas artes que aunque están vinculadas con el aspecto comercial del diseño gráfico, merecen una valoración más artística. El trabajo reciente del diseñador italiano Alberto Vacca, más conocido como Vacaliebres tiene precisamente ese toque, cada logo suyo es una obra de arte reducida a la mínima expresión.



Vacaliebres comenzó su carrera mucho más interesado en la ilustración artística, pero en estos últimos cuatro años su trabajo y estilo se ha ido sintetizando, especializándose en la creación de imagen corporativa, aunque sin perder su pasión por las texturas y ciertos aspectos fantásticos. Entre sus creaciones más destacadas se encuentran trabajos comerciales para Rioeddy, Pettirosso Handcraft, Scissor & Co. Barber Shop y One Eyed Jacks Coffee Pub, local inspirado en la serie Twin Peaks. Aunque también nos han llamado la atención sus trabajos ficticios, aquellos inspirados en series como True Detective o Breaking Bad.

Ver más




























Hay algo fascinantemente hipnótico en el ruido blanco que emite un televisor sin sintonizar señal alguna, o en los aleatorios glitches producidos por una cámara digital defectuosa, o sencillamente en el intermitente latir de una luz cuyas conexiones eléctricas fallan en algún empalme... Ese fluir estético sin sentido ni orden es el caldo de cultivo para que almas sensibles, poetas, pequeños maestros zen urbanos y artistas visuales de todo tipo de pelaje encuentren inspiración. La alteración de este caos, ya sea a través de la recreación intencionada o de la aplicación de normas o patrones de conducta, son en parte la base de las obras del artista Barcelones Joan Saló.



Aparte de este caos organizado que se debate entre la perfección y el error, las obras de Saló juegan con otros dos factores interesantes, por un lado el color, alma de sus abstracciones, y por otro su técnica: bolígrafo sobre lienzo. El desarrollo de sus experimentos abstractos son una especie de test de paciencia y autocontrol. Actualmente es parte la exposición que recoge a los finalistas del Premio Lissone 2014, hasta finales de este mes en el Museo de Arte Contemporáneo de Lissone (Italia), aparte de haber expuesto en el último año, tanto individual como colectivamente, en galerías y centros de arte de España y Alemania.

Ver más


























El primer pensamiento que atraviesa nuestra mente al ver la siguiente obra es: Azul Yves Klein. ¿Cómo un tipo de color ha podido quedar tan asociado a un artista? Pero no, la obra de nuestro protagonista de hoy no se limita exclusivamente a ese color. El segundo pensamiento es: Pintura, pero las apariencias engañan de nuevo, no se trata de pintura aunque podría serlo, sino de obra digital, vector intentando acercarse al realismo más puro. Estas son las nuevas obras de Jules Julien.



No es la primera vez que Jules se obsesiona con un color, antes fueron el rojo y el blanco, quizás está rindiendo su particular homenaje a la famosa trilogía cinematográfica de Krzysztof Kieślowski, pero no podemos asegurarlo, su juego es precisamente ese: el misterio. Y como bien sabemos el misterio, la falta de una explicación, crea interés. Sencillamente así son sus imágenes: minimalistas y mayormente simétricas. Si quieres indagar más, quizás sea una buena idea que vayas a ver la presentación de esta Blues Series: A Romantic Cluedo que inaugura la galería valenciana Espai Tactel el 14 de Noviembre.

Ver más
























Lo malo de cuando algo se convierte en una moda es que llega un punto en el que la sobreabundancia de replicas e imitaciones hace más difícil encontrar y valorar aquellos que merecen atención. Con en el collage en la escena gráfica está pasando, llevamos ya un par de años de auge donde parece que al final todo vale. Pero no, y esto queda claro sin dejar lugar a dudas cuando descubres obras como las de Mac Premo, lo suyo es collage de otro nivel, dejando atrás el papel de fondo y abordando la tres dimensiones en forma de esculturas, objetos, cosas...



De hecho el mismo se define como "stuffmaker", así de sencillo y directo. Nacido en Washington en 1973, su vida se ha centrado en crear lo que fuera, unas veces con mejor o con peor suerte, así es la vida de un artista. Pero ahí está, con sus siete (¡sí, 7!) premios Emmy, entre los que se incluye mejor anuncio, mejor fotografía y mejor escenario, entre otros reconocimientos. Su labor se divide entre el mundo comercial, la ilustración y su obra personal como artista, el lado que más nos interesa.



Como puedes ver en este vídeo, sus obras en madera parten del concepto de collage para convertirse en bellas maquinas absurdas y objetos decorativos. Es innegable la huella de la gráfica publicitaria dentro de su obra, especialmente aquella que vivió en su infancia y juventud, lo cual añade un aspecto vintage y pop, también presente en casi toda la generación del Beautiful Losers. Sus cosas tienen alma humana, la suya, forjada a base de paciencia, trabajo, amor y pasión.

Ver más


























Si te preguntas cuales son las tendencias actuales en materia gráfica te las podemos resumir en cuatro palabras: collage, glitch, tropical y policromía. O también podemos ponerte un ejemplo, la obra de Nick Thomm. Director, artista y diseñador gráfico de Australia, Nick es también el fundador de The Drop Studio y SRC783 Magazine.



Hoy se inaugura su exposición individual Tropic Glows en Castle Fitzjohns Gallery en Nueva York, donde presentará sus nuevas creaciones: impresiones sobre metraquilato transparente, banderas con estampados caleidoscópicos y colores ácidos, nuevos loops de vídeo en 3D y todo tipo de formatos y combinaciones para encarna la visión más fashion del Pop Art.



Tras haber expuesto en Melbourne, Londres y Hong Kong, ha llegado la hora de su primera exposición en la Gran Manzana, ciudad donde reside actualmente, y el próximo año le esperan exposiciones en Sydney y Tokyo. El secreto del éxito de Thomm se basa en una sobrecarga de colores y elementos icónicos de la sociedad de consumo combinados a su manera, que tan bien puede funcionar como portada de un disco, full-print en una camiseta de moda, póster en la calle o en una galería. Su propuesta no plantea mayores preguntas, sino una sencilla cuestión de gusto, estilo y consumo, más atractiva que nunca.

Ver más
























Entre todas las voces y gritos que claman atención, que intentan comunicar su propia versión de la realidad, en Belio a veces funciona el clásico e.mail, como en el caso de Ricardo González García, quien nos hizo llegar la información de su nueva exposición, Background. Sin necesidad de explicación alguna, su obra es esa aguja en el pajar que cada mucho tiempo nos encontramos y que conecta con aquello que nos gusta transmitir sobre la realidad y sus múltiples capas.



Partiendo del dibujo, pasando por la pintura, la instalación y finalmente el vídeo, Ricardo ha construido un concepto que no solo enmarca el conjunto de su obra y sus obsesiones, también nos desvela su visión de este mundo y del arte, un mundo de ilusión, de paisajes, decorados, arquitecturas efímeras y artificios que se sostienen en la creencia o engaño colectivo. Su obra es una invitación a mirar detrás del telón, pero también una recreación y reinvención de dichas estructuras, no solo de la sociedad, también de su universo personal.

Licenciado en la Universidad de Bellas Artes de Salamanca, Ricardo González (Santander, 1976) ha sabido digerir el deconstructivismo gráfico de los años noventas y hacer suyo un lenguaje de capas que lleva al terreno del arte de forma estética y conceptual. Esta es sin duda su exposición más ambiciosa, para la cual ha contado con el apoyo del Gobierno de Cantabria y Caja Cantabria, y se puede visitar hasta el día 28 de Noviembre en el centro de arte CASYC.

Ver más


























Ya estamos otra vez en esa fecha del año en la que se celebra la vida y la muerte como un ciclo, dependiendo de dónde vives y qué cultura te ha tocado vivir, o has decidido abrazar, dicha celebración puede tener un carácter más o menos festivo, tétrico, divertido o triste. El Día de Todos Los Santos, el Día de Muertos, Halloween o como quieras llamarlo. Con los años hemos aprendido que amar la oscuridad es lo mismo que amar la luz, por esto mismo nos gusta mantener viva esa fascinación por los oscuro, lo misterioso... Como resulta la obra del pintor griego Vasilis Avramidis, quién recientemente ha formado parte de la exposición The Future Can Wait organizada por Saatchi como representación de lo que ellos llaman New Sensations.



No hay mayor miedo que aquello que nos es desconocido, las sombras que ocultan la verdadera naturaleza de las cosas. Vasilis se ha especializado en dominar el binomio luz / sombra y juega con él, también con el binomio naturaleza / arquitectura, para así ofrecernos imágenes surrealistas donde se desdibujan los límites entre seres humanos, arboles, casas, raíces, alegorías, escaleras... Sus paisajes invitan a explorar linterna en mano aquello que se oculta en nuestro subconsciente, y para ello no hay opción, ni truco, ni trato.

Ver más
























La realidad con todas sus vueltas, cambios de sentido, curvas, cuesta-arribas y cuesta-abajos se parece más bien a una montaña rusa. Su experiencia puede resultar terrorífica, si dejamos que el miedo nos embargue, pero también se puede convertir en algo divertido, todo depende la perspectiva, como siempre. Por ejemplo, si dejáramos que fuera Paul Hiller quien nos la mostrara a través de su objetivo seguramente nos quedaría una sensación placentera, dulce y hasta nostálgica.



Esas sensaciones que nos producen las fotografías de Paul son precisamente generadas a través de una medida sobrexposición de la realidad y un cuidado uso del color. Entre sus temas preferidos a la hora de fotografiar se encuentra el paisaje urbano, pero sobretodo los parques de atracciones. Lugares generalmente ruidosos que en sus fotos parecen paraísos de la felicidad y la tranquilidad. Esta es sin duda su serie más celebrada, para la cual ha recorrido parques en lugares tan distantes y fascinantes como Coney Island, Yokohama, Tokyo, Bejing, Bottrop y Kalkar. Hiller terminó recientemente sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Munich, pero ya es considerado una de las promesas dentro de la fotografía alemana, será no solo por la calidad, sino también por la calidez emotiva de su trabajo.

Ver más
























No en pocas ocasiones nos deleitamos observando como surgen y crecen los nuevos brotes, como si de una seta mágica se tratará, nos encanta esperar, imaginar cuan lejos podrían llegar y antes de que se abran completamente y suelten sus esporas, los recolectamos, los mostramos y así esperamos que esas esporas, su genialidad, pueda llegar aún más lejos, inseminando otras mentes con nuevas ideas, contactos, quizás trabajos, quizás éxito, quizás nada, quizás todo... Es nuestra forma de contribuir a un mejor mañana. Por lo tanto, ha llegado el momento de mostrar en nuestra página la obra de Edward Carvalho-Monaghan, al cual seguíamos desde principios de este año.



Aunque es casi un recien llegado a la escena gráfica, Monaghan ya tenido ocasión de trabajar para Adobe, Gather.ly, Secret 7, Brunswick Review, Printed Pages y Form magazine. Su obra está obviamente polinizada con referencias a la psicodelia y el pop, The Yellow Submarine emerge en nuestras mentes, pero Edward se siente más cercano a la obra de Alejandro Jodorowsky, y seguramente sus referentes no solo proceden de finales de los sesentas, también de toda esa nueva ola de neo-psicodelia que hemos visto surgir en los últimos años, no solo en arte (ver Belio 032), también en música con The Flaming Lips, Animal Collective, Mercury Rev, Tame Impala, etc.

Ver más
























Al observar la obra de Tom Ormond una especie de corriente eléctrica recorre nuestros nervios, no es una sensación física, sino algo cercano a una experiencia mística, similar al momento en que reconoces que acabas de encontrar una pieza del puzzle que llevas dentro. Y todas esas obsesiones con formas geométricas, experiencias extrasensoriales, el origen de la inspiración creativa e incluso sobre otras formas de vida con inteligencia superior, parecen tener sentido. Y es que la obra de Ormond podría ser reflejo de todo esto.



Para algunos, los cuadros de Tom son una especie de cruce entre la pintura de paisaje y la ciencia ficción. Y en cierto modo así es, pero siempre depende del prisma con el que se mire. Nuestros preferidos son sus más recientes cuadros que simulan una especie de estudio, quizás el del propio Ormond, y extrañas estructuras luminosas que parecen descender (o ascender) entre obras allí representadas. Sin duda, una alegoría de la creación en estado puro, una especie de sueño dentro de otro sueño donde el creador se ha hecho uno con su obra.

Nacido en Derbyshire en 1974, Tom reside y trabaja actualmente en Londres, donde ha presentado sus más recientes obras dentro de la exposición colectiva The Future Can Wait, anualmente organizada por Saatchi para presentar lo que llaman New Sensations y de la que ha formado parte también en 2012 y 2013. Pero... ¿Tú también estás viendo lo mismo que nosotros?

Ver más


























Afirmar que los japoneses son maestros en muchas disciplinas artísticas es una obviedad, especialmente cuando se trata de de combinar armonía, minimalismo y sutilidad. La obra de Toshitaka Aoyagi es un perfecto ejemplo de experimentación con luz, sombra, color, textura y dimensiones varias. Experimentos contenidos, equilibrados, dominados a su voluntad para crear una experiencia estética reflexiva, casi meditativa...



La quietud y armonía estética transmitida a través de series como Scratch, Colors, Aqua, Translucent o Bokeh, entre muchas otras, se basa en la simplicidad, no solo a la hora de escoger un título, también a la hora de jugar con un concepto y llevarlo a uno y mil resultados interesantes. Su técnica se basa en explorar las cualidades de distintos tipos de superficies y sus capacidades para contener, reflejar o transformar la luz y con ella la experiencia perceptiva.

Ver más
























¿De qué sirve enfrentarse cada día con un papel en blanco, con una pared gris o un fichero vacío? ¿Qué importancia tiene obstinarse por sacar afuera lo que llevamos dentro? y sobre todo ¿Cuando es el próximo Big-Bang? Cada uno lleva dentro un universo indescriptible, y en el caso de los artistas, ese universo personal busca expandirse, a ser posible sin límites. Y aquí tenemos a Deih, ilustrador y artista urbano de Valencia con potencial de Big-Bang de colores.



Pero sobre todo, lo que de verdad mueve a Deih son las ganas de explorar ese lado oscuro, el que está dentro y el que está más allá en el espacio exterior, que en el fondo son lo mismo. De la misma forma que explora un papel, explora un muro de grandes dimensiones, solo o con su escuadrón XLF, en el anonimato de la noche, en una galería o en un festival. Lo suyo es un viaje continuo entre la ciencia ficción y el cómic, marcado por la dirección apuntada por otras estrellas como Jean Giraud / Moebius, Jack Kirby o Katsuhiro Otomo. Pero Deih tiene su propio mapa, su propia ruta y si los demás queremos ser testigos, habrá que seguirle de cerca, pues su universo ha empezado a expandirse y podría estallar en cualquier momento...

Ver más


























El concepto "Marca España" en lugar de un buen marketing se ha convertido en sinónimo de todo lo peor, gracias a unos políticos que nada hacen en pro de su país, sino todo lo contrario. Pero dejando a un lado la política, existe una España que a pesar de los tiempos mantiene una identidad, lo que se ha venido a llamar España profunda es precisamente esa marca auténtica: un país árido, surrealista, esperpéntico, cálido, poético y lleno de detalles preciosos e historias por contar. Así mismo son las fotografías de Polgaroid.



Pato Hernán, a.k.a. Polgaroid, es un fotógrafo de Zaragoza obsesionado con la fotografía analógica, es decir, por el uso de película, polaroids y especialmente el medio formato. Su obra nos revela la gran capacidad de observación de Pato y cierto sentido nostálgico a la hora de capturar la realidad que le rodea, especialmente presente en sus series N-II (homenaje a la carretera nacional que une Madrid con el paso fronterizo de Els Límits) y Monegros. Sus fotografías nos permiten viajar por carreteras desiertas y parar en lugares por los que parece que no ha pasado el tiempo, abriendo así puertas a nuestros recuerdos del pasado. En realidad nada se ha perdido, esos recuerdos, esa España sigue estando ahí, como raíces bien agarradas a la tierra.

Ver más
























El hiper-colorido mundo visual que normalmente desplegamos en nuestros contenidos es solo posible gracias a un equilibrio con nuestra también gran fascinación por artistas que hacen del minimalismo y la simplicidad un universo de posibilidades infinitas. Y nunca mejor dicho, este es el caso de las obras de HC Gilje, un vídeo artista de Noruega que "explora como tecnología audiovisual puede ser usada para transformar, crear, expandir, amplificar e interpretar espacios físicos."



A través de sus experimentos con instalaciones de LEDs, Gilje se ha dedicado a explorar todo tipo de espacios, desde galerías y salas de museos hasta los más recónditos espacios industriales. Creando así un juego de luces y sombras a través del cual el espectador puede redescubrir la belleza de un espacio vacío. Dichos experimentos también los ha llevado a paisajes de noche, personalmente nuestros favoritos, como un bosque o los bajos de un muelle. A continuación puedes ver su más reciente participación en TodaysArt 2014 como parte de la exposición The Fluidity Aspect, donde presentó una nueva versión de su obra Trace:



HC se ha especializado en todo tipo de instalaciones visuales, actuaciones en directo, escenografía así como proyecciones mono y multi-canales. Ha trabajado con artistas como Maja Ratkje, Justin Bennet, Kelly Davis, Jazzkammer y Yannis Kyriakides, aparte de haber participado en festivales como Club Transmediale en Berlin, Sonic Acts festival en Amsterdam, Mutek en Montreal o Sónar en Barcelona. Y por si fuera poco también es el creador de VPT, un software gratuito para controlar proyecciones de vídeo en vivo y adaptarlas a distintas superficies.

Podéis ver más vídeos con sus obras más destacadas en nuestra sección de vídeo.

Ver más
























El pasado siempre tendrá un toque romántico, pues a pesar de todo lo malo en la historia del ser humano, hay una gran mayoría que prefiere mirar el lado bueno del pasado, que no es poco, y el arte en todas sus formas es una de estás cosas buenas que merece ser rememoradas, revisitadas y recreadas. Por esto mismo, obras gráficas como las del alemán Roman Klonek resultan tan atractivas a pesar de no inventar la pólvora...



De hecho, Roman no está buscando una revolución visual, aunque su estilo tenga mucho de la propaganda revolucionaria de la época comunista. Klonek ha decidido mirar directamente al pasado, especialmente a la hora de trabajar, utilizando el grabado en madera tanto para su obra personal como para su trabajo comercial como ilustrador. Su estilo, basado en colores y formas básicas, recuerda a dibujos de otra época y otro lugar, recuerda al folklore, los cuentos, las criaturas y los personajes de su tierra natal, Polonia y demás países de Europa del Este. La madera que nutre su talento proviene de raíces con una fuerte cultura visual, una estética que a pesar de ser pasado, nunca dejará de ser presente.

Ver más
























El caos es el orden natural. ¡Sí! La democracia es una dictadura voluntariamente sostenida por los individuos que viven sometidos a ella. ¡Sí! Lo que dicen los medios de comunicación es la verdad infalible que debes creer. ¡Sí! El dinero es tu Dios. ¡Sí! Los políticos son los guardianes de vuestro bienestar y por ello les debéis vuestras vidas. ¡Sí! Lo creas o no vives atrapado en este mundo, una realidad pervertida y manipulada por las elites sociales desde tiempos inmemoriales. Es como estar viviendo en 1984 para siempre. ¡Sí! Si quieres libertad tendrás que someterte. ¡Sí! Toda revolución es una ilusión. ¡Sí!



RallitoX lo sabe. Y sabe que resistirse es inútil, por eso decidió hace tiempo unirse al caos. Si no puedes contra ellos, únete a ellos. Sus graffitis, pinturas, ilustraciones y videos combaten el fuego con fuego. RallitoX nació en Cataluña, vivió por diez años en Madrid y como muchos artistas españoles emigró hace tiempo lejos de este esperpéntico corral. Desde Berlín sigue dando guerra sin tregua y confundiendo al personal.

En estos días Rallito ha vuelto por Madrid para dar un par de azotes en la conciencia de aquellos que aún andan despistados. Su exposición Confundiendo España llega en el momento y lugar perfecto: hasta el 18 de octubre, en Swinton Gallery (Calle Miguel Servet 21, Madrid). Pocas galerías en España, menos aún en Madrid, se arriesgarían a exponer arte de semejante calibre político. Quienes ya conozcan la obra de RallitoX podrán apreciar que sigue siendo fiel a su estilo irreverente, ácido y absurdo, al mismo tiempo que ha introducido nuevos matices de color que dan mayor riqueza a sus obras. Como dijo Barcenas: "Invertir en RallitoX es la mejor forma de blanquear dinero."

Ver más






















Cualquier persona con un escáner y un poco de curiosidad creativa ha probado a escanear objetos, personas o animales en movimiento ¿Verdad? Desde el fotógrafo que lo usa a modo de cámara digital de gran formato al diseñador gráfico con cierta inclinación por lo artístico. El resultado es siempre algo misterioso y cautivador, cercano a la estética glitch que tan de moda se ha puesto en los últimos años. En este sentido las obras de Bryce Willem no suponen revolución técnica o innovación estética alguna, pero tienen algo que las hacen delicadamente poéticas.



La serie que más no ha llamado la atención dentro de la obra de Willem es Binarium, donde naturaleza y acción humana genera bellas deformidades, las cuales su autor conceptualiza a modo de ejemplo de evolución digital de las especies. Para nosotros la belleza de esta serie reside en la combinación de algo ya perfecto, cualquier forma de la naturaleza, combinado con la fuerza de la acción digital controlada a voluntad. Sin embargo sus más recientes series, Currence I y II, apuestan por un aspecto más minimalista todavía y por un concepto más abstracto (ver las dos últimas imágenes de este reportaje). Lo suyo es un trabajo en progreso, un experimento continuo que a la larga esperemos lleve esta técnica a nuevos resultados estéticos.

Ver más






















Lejos han quedado aquellos años en los que el ciberpunk y hablar de la modificación del cuerpo a través de la tecnología era lo más "in" dentro del arte. Sin embargo estás últimas décadas nos han dejado una relación entre cuerpo y tecnología mucho más simbiótica y amigable, el tema sigue presente en artistas como Lucy McRae cuya obra se sitúa a medio camino entre ciencia, arte, diseño y tecnología.



Su más reciente proyecto se trata de un experimento para, literalmente, "preparar el cuerpo humano para viajar en el espacio", para el cual ha colaborado con un diseñador de muebles, un científico especializado en materiales y un biólogo espacial de la NASA. El resultado es una especie de cámara capaz de simular la sensación de gravedad cero, la cual fue presentada la semana pasada en Designjunction como parte del London Design Festival 2014.



El trabajo de McRae se centra principalmente en el cuerpo humano como concepto, explorando sus limites físicos y estéticos. Moviéndose en los bordes entre magia, emoción e intuición, su proyectos se basan en historias especulativas para evocar y canalizar futuros cambios y progresos en los campos del arte, la biotecnología, la belleza, la salud y la ciencia. Es decir, ciencia ficción en forma de arte, una formula que le ha llevado a trabajar con clientes como Aésop, Centre Pompidou, Channel4, Levi's, Robyn, Swarovski, Vogue, etc.

Ver más
























< anterior
1 | 2 | 3 | 4 | 5 | 6 | 7 | 8 | 9 siguiente >