El caos es el orden natural. ¡Sí! La democracia es una dictadura voluntariamente sostenida por los individuos que viven sometidos a ella. ¡Sí! Lo que dicen los medios de comunicación es la verdad infalible que debes creer. ¡Sí! El dinero es tu Dios. ¡Sí! Los políticos son los guardianes de vuestro bienestar y por ello les debéis vuestras vidas. ¡Sí! Lo creas o no vives atrapado en este mundo, una realidad pervertida y manipulada por las elites sociales desde tiempos inmemoriales. Es como estar viviendo en 1984 para siempre. ¡Sí! Si quieres libertad tendrás que someterte. ¡Sí! Toda revolución es una ilusión. ¡Sí!



RallitoX lo sabe. Y sabe que resistirse es inútil, por eso decidió hace tiempo unirse al caos. Si no puedes contra ellos, únete a ellos. Sus graffitis, pinturas, ilustraciones y videos combaten el fuego con fuego. RallitoX nació en Cataluña, vivió por diez años en Madrid y como muchos artistas españoles emigró hace tiempo lejos de este esperpéntico corral. Desde Berlín sigue dando guerra sin tregua y confundiendo al personal.

En estos días Rallito ha vuelto por Madrid para dar un par de azotes en la conciencia de aquellos que aún andan despistados. Su exposición Confundiendo España llega en el momento y lugar perfecto: hasta el 18 de octubre, en Swinton Gallery (Calle Miguel Servet 21, Madrid). Pocas galerías en España, menos aún en Madrid, se arriesgarían a exponer arte de semejante calibre político. Quienes ya conozcan la obra de RallitoX podrán apreciar que sigue siendo fiel a su estilo irreverente, ácido y absurdo, al mismo tiempo que ha introducido nuevos matices de color que dan mayor riqueza a sus obras. Como dijó Barcenas: "Invertir en RallitoX es la mejor forma de blanquear dinero."

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Cualquier persona con un escáner y un poco de curiosidad creativa ha probado a escanear objetos, personas o animales en movimiento ¿Verdad? Desde el fotógrafo que lo usa a modo de cámara digital de gran formato al diseñador gráfico con cierta inclinación por lo artístico. El resultado es siempre algo misterioso y cautivador, cercano a la estética glitch que tan de moda se ha puesto en los últimos años. En este sentido las obras de Bryce Willem no suponen revolución técnica o innovación estética alguna, pero tienen algo que las hacen delicadamente poéticas.



La serie que más no ha llamado la atención dentro de la obra de Willem es Binarium, donde naturaleza y acción humana genera bellas deformidades, las cuales su autor conceptualiza a modo de ejemplo de evolución digital de las especies. Para nosotros la belleza de esta serie reside en la combinación de algo ya perfecto, cualquier forma de la naturaleza, combinado con la fuerza de la acción digital controlada a voluntad. Sin embargo sus más recientes series, Currence I y II, apuestan por un aspecto más minimalista todavía y por un concepto más abstracto (ver las dos últimas imágenes de este reportaje). Lo suyo es un trabajo en progreso, un experimento continuo que a la larga esperemos lleve esta técnica a nuevos resultados estéticos.

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Lejos han quedado aquellos años en los que el ciberpunk y hablar de la modificación del cuerpo a través de la tecnología era lo más "in" dentro del arte. Sin embargo estás últimas décadas nos han dejado una relación entre cuerpo y tecnología mucho más simbiótica y amigable, el tema sigue presente en artistas como Lucy McRae cuya obra se sitúa a medio camino entre ciencia, arte, diseño y tecnología.



Su más reciente proyecto se trata de un experimento para, literalmente, "preparar el cuerpo humano para viajar en el espacio", para el cual ha colaborado con un diseñador de muebles, un científico especializado en materiales y un biólogo espacial de la NASA. El resultado es una especie de cámara capaz de simular la sensación de gravedad cero, la cual fue presentada la semana pasada en Designjunction como parte del London Design Festival 2014.



El trabajo de McRae se centra principalmente en el cuerpo humano como concepto, explorando sus limites físicos y estéticos. Moviéndose en los bordes entre magia, emoción e intuición, su proyectos se basan en historias especulativas para evocar y canalizar futuros cambios y progresos en los campos del arte, la biotecnología, la belleza, la salud y la ciencia. Es decir, ciencia ficción en forma de arte, una formula que le ha llevado a trabajar con clientes como Aésop, Centre Pompidou, Channel4, Levi's, Robyn, Swarovski, Vogue, etc.

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Las obras de Rob Sato están llenas de historias, como no podría ser de otra forma. Bajo esa apariencia de ilustración de cuento se esconden anécdotas de su infancia y reflexiones sobre su vida actual convertidas en fantásticas batallas entre personajes, banderas, animales, robots y demás seres imaginarios. Todo este universo toma forma a través de agua y color, siendo la acuarela la técnica preferida de Rob a la hora de enfrentarse a un papel.



A través del uso de símbolos, mapas, personajes pseudo-mitológicos y arquitecturas imposibles, la obra de Sato adquiere un carácter neo-clásico, en combinación con robots y aviones en estado de descomposición, sugiriendo así una línea de tiempo alternativa por la que se mueve su obra.

A partir del 20 de Septiembre se puede visitar Curses, la nueva exposición individual de Rob Sato en la galería Martha Otero de Los Angeles. Sin duda, una obra como la suya, acuarelas llenas de detalles, merece ser vista en primera persona.

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A veces resulta increíble tropezarse con el trabajo de artistas como Jonathan Zawada y darse cuenta de que aún no ha recibido toda nuestra atención en forma de reportaje, especialmente por esa perfecta representación de la línea que va del diseño al arte y viceversa. Cuando ves que sellos y marcas como Warp Records, Sixpack, New York Times, It’s Nice That, etc. han confiado en su trabajo de forma reiterada... ilustrando por ejemplo portadas para Mark Pritchard, Rustie, The Presets, D.A. & the Supa Dups, Ministry of Sound, The Valentinos, etc. Es por algo. Pero dejando a un lado nombres de referencia y trabajos comerciales, lo que realmente nos llama la atención es su obra más personal.



La obra de Zawada es una mezcla de pop, psicodelia y surrealismo, construida a partir de una atenta observación de la realidad, una re-creación principalmente 3D y un acabado perfecto en todo tipo de formatos, desde instalaciones a impresiones en tela, ediciones digitales, piezas de vídeo, diseño de objetos, etc. Desde el año 2008 su carrera como artista ha sido frenética, con exposiciones colectivas e individuales en todo el mundo, destacando especialmente los últimos años con una o dos muestras individuales por año en galerías como Sarah Cottier Gallery en Sydney, The Popular Workshop en San Francisco, Colette en Paris o Vallery en Barcelona. En resumen: con un trabajo tan ecléctico como personal, tan alienado como comercial, tan diseñado como artístico... no hay duda, este es el gran momento de Jonathan.

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La recta final del año se presenta interesante en nuestra galería preferida de Valencia, Espai Tactel inaugura este mismo viernes día 12 de Septiembre la exposición Castlehead de Nelo Vinuesa, una apuesta por la mezcla de medios entre lo orgánico y lo digital que también tiene lugar en el contenido de la obra de este joven artista valenciano.



Si hay dos referentes claros que recorren la obra completa de Nelo es la estética pixel propia de la corriente retro en video-juegos y la experimentación plástica y cromática de la pintura abstracta de las últimas décadas. El caso de Vinuesa no es el del oportunista que se apunta a una corriente estética, sino el de un artista que lleva largos años dedicados a explorar la posibilidades de su abecedario iconográfico. Lo cual le ha llevado a evolucionar su obra a través de la pintura y la ilustración hacia la animación en el formato vídeo. Pero quizás sea aún en su formato más crudo, la pintura, donde se muestra una evolución visual más interesante, desligándose poco a poco de la figuración pero sin abandonar el plano simbólico-digital.



La exposición Castlehead se puede visitar hasta el día 7 de Noviembre de 2014 en Espai Tactel.

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La inactividad de Belio en las últimas semanas sea quizás considerada una ausencia mediática demasiado larga... Y es que Belio es un ente humanoide y se toma sus vacaciones para disfrutar de la vida y recopilar inspiración y energía creativa. El motor que hace funcionar este medio no es el dinero, ni la publicidad, sino un espíritu libre que va conectado con ese disfrutar la vida, el presente y por fin volver a vosotros con todas las ganas del mundo.

El reportaje de hoy es especial por este mismo motivo, pues sus protagonistas encarnan de esta misma forma un modo de vida que trasciende en su obra, en todo tipo de formatos y posibilidades. Así son Kozyndan, Kozy y Dan Kitchens, "Marido y mujer, a veces ilustradores, a veces artistas, a veces idiotas a tiempo completo. Adictos a viajar y a la comida, el buceo, el sexo, la música, la naturaleza y nuestros amigos. Yendo allí a donde la vida nos lleva, y documentando los puntos álgidos (dejando de lado los tediosos puntos bajos)." ¿Queda claro?



Toda esa documentación se refiere a la infinidad de geniales fotografías que comparten en su flickr: www.flickr.com/kozyndan. Allí se mezclan fotos de su vida, ilustraciones, murales, diseños gráficos, pinturas, esculturas, toys, fotos subacuáticas, etc. El conjunto transmite una vibración positiva de amor por la vida, la naturaleza, el ser humano. Es una obra pop colorida, luminosa y alegre, y probablemente este es el ingrediente secreto de su éxito a todos los niveles: El disfrutar creando, amando y viviendo. Por esto mismo se merecen toda nuestra atención, para difundir entre vosotros las ganas de hacer / crear aquello que más amáis.

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Ha llegado el momento de congelar el tiempo y el espacio, escapar, al menos por unas semanas. No solo nos referimos a tomar unas merecidas vacaciones, sino también al arte de pararse a observar un momento ingrávido y capturarlo, y para ello nada mejor que la fotografía. Nuestro protagonista de hoy es un experto en ese arte, Enric Adrian Gener no solo es fotógrafo, su especialidad es la fotografía submarina en todas sus variedades, para lo cual combina unas buenas capacidades acuáticas, un gran conocimiento técnico y especialmente un buen ojo.



Obviamente fotógrafos centrados en el surf, el submarinismo, la fauna acuática, etc. hay muchos, la diferencia entre el menorquín Enric y tantos otros se debe a un especial sentido estético y cierta obsesión con algunas composiciones. Personalmente nos quedamos con aquellas imágenes en las que el ser humano se encuentra flotando ante la inmensidad del gran azul, a medio camino entre el fondo y la superficie. Nos gusta la idea de congelar esa imagen, ese momento, en nuestra / vuestra mente y dejarla ahí... ¡hasta la vuelta!

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En nuestro ánimo por haceros viajar, hoy os vamos a recomendar otra exposición que se va a inaugurar este mes, solo que esta vez es un poco más lejos: Mapas de Jon Jacobsen que se presenta en la galería Sientoxciento de Santiago de Chile del 21 de Agosto al 4 de Septiembre. Pero no os preocupéis si no os pilla de camino, pues cuando decimos "haceros viajar" también nos referimos al ver la obra de Jon.



A primera vista las creaciones de Jacobsen encajan dentro de la popular tendencia fantástica dentro del mundo de la fotografía, es decir, la manipulación digital de fotos para crear imágenes surrealistas, propias de un sueño. Un campo que tiene muchos aficionados amateurs y que en ocasiones encuentra salidas dentro del mundo de la publicidad. Pero Jon va un paso más allá, aparte de una calidad formal y estética, sus ideas y técnicas se sitúan por encima de esa media, creando así una fuerte personalidad que le ha llevado a trabajar con editoriales de moda, publicar en innumerables publicaciones y exponer dentro y fuera de su país natal, Chile.



El autorretrato es una de sus principales obsesiones, y desde los 15 años ha trabajado en este aspecto manipulando digitalmente su aspecto para dar salida a un mundo interior claramente conectado con la psicodélica y la exploración de otras dimensiones del ser. Estamos deseando ver a donde lleva este viaje suyo, con o sin mapas, será a un destino increíble, sin duda.

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"Un espacio se ha abierto entre nosotros, y estoy decidido a entrar ¿Te encontraré entre los arboles? Podría desviarme de estos caminos de nuevo, a través de la naturaleza salvaje, donde tal vez nos encontremos. ¿Encontraré mi camino de vuelta, o continuaré a través...?" Así empieza la introducción que lleva a Are We Strangers Now? La primera exposición de la ilustradora londinense Alex Simpson en la galería Oz de Amsterdam. Para la cual ha producido nuevas obras, pinturas, ediciones impresas, esculturas e incluso piezas de arte sonoro.



Sí, todo parece un poco extraño o mágico, pero es que Alex disfruta moviéndose entre extremos opuestos, lo que ella define como "espacio liminal", donde "intenta revertir el tiempo, hacer que los ríos corran hacia atrás, las montañas retrocedan, los niños jueguen a ser Dios." Al observar la obra de Simpson se ve más claramente: Sus imágenes parecen al mismo tiempo infantiles pero nada inocentes, divertidas pero a base de humor negro, alegres pero sin embargo terriblemente oscuras, bellas en su exaltación de la degradación y la deformación. En este sentido son obras muy humanas.

A continuación os presentamos algunas de las obras de Alex, pero sus más recientes creaciones podrán ser descubiertas solo a partir del 8 de Agosto en Oz-Amsterdam.

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Imagina que estas en Reino Unido, más concretamente en la estación de tren de Middlesbrough... Lo que allí vas a experimentar no es para nada paranormal, sí hay un vacío, un vacío significativo en los pósters que ocupan la estación, pero esa misma es la obra de John Taylor, un proyecto gráfico que deconstruye pósters clásicos del cine bajo el título Film The Blank.



Esta obsesión por simplificar, reducir a su más básica estructura, y vaciar, no solo de letras, también de sus figuras humanas, es un intento por empujar la mente del espectador a descubrir la potente conexión sentimental existente entre el mundo visual y los recuerdos. Obviamente los más cinéfilos tendrán una mayor probabilidad de identificar el origen de estas composiciones abstractas. Pero dejando a un lado este aspecto, este proyecto también resulta interesante por su intrínseco estudio del color y la composición en diseño gráfico.

Aunque este es un proyecto que Taylor comenzó en el año 2008 como un juego visual, fue en el año 2010 cuando adquirió mayor popularidad y ha continuado presente de una u otra forma a través de ediciones impresas, libros, postales o como en esta ocasión, como parte del proyecto The Tunnel Gallery. La muestra se puede visitar en la estación de Middlesbrough hasta el día 25 de Agosto.

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Hay muchos tipos de fotografía, como en cualquier disciplina, y en Belio nos solemos decantar por aquellos creadores con un sentido más artístico y menos comercial, pero el caso de Stephanie Gonot es una pequeña excepción a esta norma. Sus fotografías se encuentran cercanas a la foto de catálogo, sobre productos, alimentos, moda, etc. Pero a base de un cuidado estudio del color y la composición, Stephanie consigue un sello de identidad tan propio como artístico.



Aparte del color, otros dos factores que hacen destacar la obra de Gonot son su agudo sentido para identificar y aplicar tendencias estéticas, y además cierta fascinación por la cultura Trash y Pop, buscando un equilibrio estético entre ambas. Esto es consecuencia de su trabajo además como comisaria para Good Pictures y el blog de fotografía de Good Magazine, o su propia selección bajo el proyecto Please Excuse The Mess. Y también muy probablemente todo este mundo colorido, brillante y luminoso sea reflejo de esa California ideal y soleada donde reside Stephanie.

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El término Post-Digital aplicado en arte y música no está libre de ciertas críticas y suspicaces medias sonrisas. Si el formato final de una obra es digital o de una época pre-digital, ¿Qué formato tiene una obra Post-Digital? Obviamente, el pensamiento y las teorías siempre van por delante de las acciones, a veces demasiado por delante de la realidad. Por lo tanto el arte y la música se conceptualiza, su evolución conceptual va pasos por delante de su evolución técnica. Pero ¿Qué pasaría si tras esta época tecnológica pasáramos a un gran apagón? En este caso obras como la de Lauren Pelc-Mcarthur serían la perfecta definición de dicho tipo de arte.



La obra de Lauren se puede dividir entre pintura y creación digital, imagen estática y vídeo. Lejos de ser disciplinas distantes, Pelc-McArthur permite y potencia la hibridación entre ambas, desde el uso de texturas creadas manualmente dentro de sus obras digitales, a la aplicación de elementos generados con herramientas 3D como base e inspiración para luego pintar sobre lienzo. Pero sobre todo un uso experimental y valiente de la tecnología con un carácter expresivo y gestual. Lo cual implica el uso de errores digitales, glitches, como si fueran un bote de pintura en las manos de Pollock... El resultado es visualmente salvaje, pero técnicamente concreto, cuidado y perfeccionista: Una simulación orgánica de los caprichos estético-anárquicos de lo virtual.

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Si fuera por el estilo o la calidad técnica de las fotografías que te vamos a mostrar a continuación, seguramente no nos hubiéramos fijado en la obra de Alex. Pero el sustrato que alimenta estas series de fotografías es precisamente lo que convierte la obra de The Observer en algo interesante. Alex práctica una pasión, observar a personas a las cuales no tiene el placer de conocer formalmente, extraños por lo cuales siente fascinación, admiración y un deseo irresistible por capturar su belleza cotidiana.



Generalmente esta actitud, espiar a tus vecinos, es mal vista y puede ser considerado "acoso". Pero Alex, de la cual no sabemos nada más, se siente a gusto con esa etiqueta: stalker photographer. No busca fama, tan solo disfruta capturando estos momentos íntimos, a pesar del peligro implícito en la ilegalidad de su pasión. ¿Y cómo ha llegado su obra y trasfondo hasta nosotros? He aquí la segunda parte de la historia: MP Cunningham es un realizador de vídeo que al conocer a Alex a través de unos amigos en común, quedó fascinado y decidió contar su historia a través del siguiente vídeo:



Para ello MP tuvo que ganarse la confianza de The Observer, para obtener su "confesión". De la combinación de su honestidad frente a la cámara y el refinado estilo cinematográfico de Cunningham, se crea un retrato bello, inquietante e inocente que cuestiona los límites de las normas sociales y morales establecidas, pero que además redimensiona y recontextualiza una obra hasta el momento intima, privada, casi secreta. El vídeo documental de MP es a Alex lo que The Observer es a los anónimos protagonistas de su obsesión.

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Cuando por fin se termina la época de reivindicar un medio como bandera (véase: street art / arte urbano) y poco a poco la moda se va disolviendo, es cuando hay que prestar atención a aquellas mentes inquietas capaces de sorprender o dejar marca propia por encima del eterno "todo está ya hecho". Lo de pintar en la calle por pintar no tiene gracia si no es con un buen motivo, pero sobre todo sino es con una obra solida de fondo. Es decir, conocer tu pasado, tomar referentes de aquello que hay más allá de una escena y ser capaz de expresar tu alma en cualquier formato.



Esto mismo es lo que vemos en la obra del tardío Shida. Que aunque empezó a pintar entre el 2004 - 2006, supo capturar la esencia del boom del street art, especialmente con referentes cercanos al futurism graffiti de She One, Futura 2000, Mr Jago y Will Barras, y mezclarlo con clásicos del expresionismo abstracto como Pollock y Rothko. Aparte de ciertas influencias propias de la pintura paisajista, el cómic y la ilustración.



Cuando eres de un lugar de por si tan lejano como Australia, es normal que tu obra tarde en llegar a las escenas de Europa y America, lo cual ha movido a Shida a viajar por todo planeta, recogiendo influencias y dejando su huella a gran escala. Aunque más que huellas ha dejado criaturas, entre humanoides y alienigenas, acompañadas de animales fantásticos, propios de un paraíso remoto, quizás de otra dimensión.

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El hexágono se manifiesta naturalmente tanto en las formas vivas como en las no vivas. Los alvéolos pulmonares tienen forma de red hexagonal y la estructura molecular de la celulosa de la madera tiene esta misma forma. Los cristales de cuarzo son de simetría hexagonal y poseen la característica de ser piezoeléctricos, es decir, tienen un comportamiento electromecánico, traduciendo la presión en electricidad y esta en pulsos mecánicos.

Otra de la peculiaridades de un hexágono es que trazando una línea recta conectando los vértices y el centro se puede ver como un cubo... Y precisamente este efecto casi-mágico que va de lo bidimensional a lo tridimensional es una de sus grandes atracciones para artistas visuales que gustan de jugar con lo surreal en su aspecto más abstracto. Este es el caso de Hexeosis.



Con el fin de "representar el infinito de forma visual", este diseñador y animador de California creo su alterego y un tumblr donde da rienda suelta a pequeñas animaciones gif creadas en Cinema4D y AfterEffects. A medio camino entre la geometría sagrada y la neo-psicodelia de los últimos años, la obras de Hexeosis son capaces de hipnotizar al espectador... ¿O no?

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Siendo las fechas que son, en pleno verano, nos gusta ilustrar nuestros sueños a través de reportajes sobre artistas que representan ese concepto de viaje. Pero no lo hacemos solo para complacer nuestra inquietud, también lo hacemos para inspirar a nuestros lectores, quizás buscando un nuevo horizonte. No hace falta imaginar y crear un nuevo mundo, en el que vivimos ya es espectacular, tal y como nos muestran las fotografías de Randy P. Martin. Pero sus fotos no son meras capturas de paisajes, hay más, mucho más...



Como buen norteamericano, Randy tiene a sus pies bastos y ricos territorios que explorar y ha hecho de ello un fin en si mismo. Su obra nos muestra el paisaje en conexión con sus protagonistas, la figura humana está presente en el 99% de sus fotografías. Pero por lo general está conexión no solo establece un escala de proporciones, sino que añade un aspecto sentimental, romántico, que va unido al concepto de libertad y aventura, así como la idea de superación al alcanzar la cima de una montaña, el borde de un acantilado o una remota cascada lejos del bullicio de las ciudades. Las fotografías de Martin invitan a viajar y si es posible a continuar el mismo viaje hasta el final de nuestros días.

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Citar a la firma Prada y al grupo de música Linkin Park como clientes te puede hacer pensar que a continuación te vamos a presentar un ilustrador comercial con un estilo pop y colorido... Y quizás así sea, aunque solo en parte, pues lo que llama la atención de la obra de James Jean es el perfecto equilibrio entre una visión bella, armónica y estilizada y un contenido retorcido, psicodélico e incluso macabro en ciertas ocasiones. Pero eso no es todo, Jean tan pronto hace una ilustración, como un cómic, un cuadro o un mural en la calle, por no decir una escultura, como diseña colección de joyería o una invitación de boda.



El trabajo de este joven artista taiwanés reúne influencias de distintas culturas, especialmente de la parte oriental, con un estilo que recuerda en parte al tatuaje tradicional japonés, pero con altas dosis de surrealismo y psicodelia-pop. Su carrera artística está actualmente centrada en el mercado de arte norteamericano, moviéndose en galerías tanto de Nueva York como de California, las dos grandes escenas del arte contemporáneo en los EE.UU., como Jack Tilton Gallery, Martha Otero Gallery o Jonathan Levine Gallery, entre otras. Su obra ha evolucionado a través de los años, dejando atrás una época colorida más cercana al mundo del cómic y la ilustración comercial, para adentrarse en un estética más sobria y madura, reduciendo su gama de color, pero ganando en detalles.

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Vivimos tiempos en los que la información lo es todo, da igual su origen y veracidad, siempre que se consiga su finalidad y efecto. El concepto fake se ha establecido como una realidad posible, con su perjuicios y beneficios, ahora más que nunca hay que cuestionar ¿Qué es la realidad? pero también plantearse si realmente esa cuestión sigue teniendo vigencia. La misma cuestión se puede plantear al observar la obra de Zachary Norman ¿Son reales o pura ficción? La respuesta no importa, pues el arte se nutre de materia intangible.



Especialmente las más recientes obras de este joven artista, su serie Exotic Matter. "En física, este término se aplica a aquella materia cuya existencia es hipotética o de la cual se conoce poco. En esta obra, he generado mi propia materia hipotética; cuyo exotismo depende completamente de su representación visual. El fenómeno y la materia representadas en estas imágenes no ha existido nunca. Pueden ser observadas pero no se pueden tocar." Afirma Zachary sobre su obra.

Este concepto de realidad / irrealidad, ya se encuentra presente en sus obras anteriores. A través del uso de la fotografía y los medios digitales, cuestionando así las normas que se aplican comúnmente a la fotografía como medio de representación. Ya sean experimentos reales o una realidad creada artificialmente, el observador obtiene una experiencia estética final igualmente valida, donde realidad y ficción se solapan, no hay conflicto entre una y otra, sino comunión.

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En muchas ocasiones no hace falta imaginar futuros distópicos, ni fantasías en clave de ciencia ficción donde unos exploradores viajan en el tiempo para descubrir algo del pasado. Esta misma es o puede ser nuestra realidad, al menos así ha sido para dos jóvenes artistas de Guadalajara en México. Ivan Puig y Andrés Padilla Domene se han convertido en exploradores, o como ellos mismos se han auto-denominado: Ferronautas en una misión particular a bordo de su proyecto SEFT-1.



Sonda de Exploración Ferroviaria Tripulada o SEFT-1 es "un proyecto de arte transdisciplinario, de interacción y difusión pública, que propone la exploración de vías de ferrocarril en desuso como punto de partida para la reflexión y la investigación." Tal y como ellos mismos lo definen. Se embarcaron en esta aventura documental, diseñando un vehículo que les permitiera viajar a través de todo tipo de terrenos, con el fin de descubrir ruinas modernas, su contexto, sus historias y las personas que han encontrado en esta aventura que les ha llevado a lugares recónditos del territorio mexicano entre los años 2010 y 2012, y cuya aventura continúo en Ecuador.



Sobre estas líneas podéis ver un pequeño documental sobre la experiencia. Y a continuación podéis ver planos de la sonda y fotos del proceso, pero es altamente recomendable visitar su web www.seft1.net, pues recoge a modo de blog, escritos, fotografías, vídeos e ideas. O si te encuentras en Londres puedes visitar la exposición que sobre este proyecto se encuentra en la Furtherfield Gallery hasta el 27 de Julio.

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