Normalmente no solemos dedicar un reportaje completo a un solo vídeo, solo lo hacemos en excepcionales ocasiones y esta es una de ellas. Nos hemos reservado uno de nuestros vídeos favoritos de las últimas semanas para cerrar por Agosto, y así tomar un descanso, viajar en distintos niveles y volver con vosotros con ese renovado espíritu que nos impulsa día a día a compartir nuestra inspiración. ¿Y por qué este vídeo?



Aquellos que nos conocen desde hace tiempo saben de nuestra inquietud por integrar arte, mística, filosofía y psicodelia dentro de nuestra experiencia de la realidad. Kensho resume parte de nuestras ideas, pensamientos y creencias, verbalizadas magistralmente por Allan Watts, por supuesto, y visualizadas en forma de viaje interestelar con no menos talento por Aaron Paradox.



Aparte de un hasta pronto, al compartir este vídeo con vosotros queremos transmitir un mensaje, invitando así a nuestros lectores a cuestionar lo que entienden por realidad, pero sobre todo a permitirte soñar la vida que deseas y luchar por ella, hacer, crear, seguir soñando, despertar, proyectar, vivir, amar, inspirar y creer en que todo es posible, que todo cuenta, cada pequeño paso, cada pequeña pincelada, cada click, cada pixel, cada idea, cada nota de sonido... es una parte imprescindible de un gran y genial puzzle, tu vida, y al mismo tiempo de la vida de todos los demás, el universo. SIGUE EXPANDIENDOTE.

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Las máscaras son un genero en si mismo dentro del arte, no solo crearlas, también llevarlas y quitarselas. Vivimos en una sociedad enmascarada a todos los niveles, el aparentar o mostrar un solo lado de nosotros mismos está estrechamente ligado con la esencia de las redes sociales en internet, y a su vez dichas redes sociales son una extensión de la realidad ¿Quienes somos realmente y cómo seríamos si tuviéramos completa libertad, sin prejuicio alguno? El vestir una máscara es parte de esa liberación, el anonimato que otorga una máscara se convierte en una poderosa herramienta para ser un poco más nosotros mismos. ¿Cómo sería tu máscara? Para todo arte y oficio hay un profesional adecuado, si necesitas encontrar tu identidad oculta, Smirk Masks sea quizás tu mejor opción.



Bajo el nombre de Smirk, se oculta el rostro del alemán Mirco Erbe, miembro del grupo de mimos y performers Metroccolis, también parte involucrada en Freaxed, un evento berlines que combina competiciones de bici, mascarada y barbacoa todo en uno. Aparte de sus creaciones más personales, Mirco ha creado máscaras para distintos proyectos, grupos de música como Man Machine, ASP y Lance Butters, la película aún en proyecto Fonotune, aparte de trabajos comerciales para Fred y Pro7. Su alucinante y profesional acabado en fibra de vidrio, cuero o metal está al servicio de todo tipo de customizaciones y proyectos personales, tú solo tienes que estar dispuesto a que Smirk modele tu auténtica cara.

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Allá por el 2011, nos contactó un colectivo de artistas que bajo el nombre de Nube nos presentaban Reskate, un proyecto que mezclaba el reciclaje de tablas de skate y artistas gráficos. Han pasado los años y el concepto ha evolucionado a más y mejor, ahora Reskate Arts & Crafts es el estudio de María López y Javier de Riba, centrado en diseño y arte gráfico con carácter orgánico. Sus obras por lo general se sitúan en el cruce entre arte pop, arte urbano e instalación.



Si bien Reskate tiene un carácter más comercial, como el mural que veis sobre estas líneas, las obras de Javier de Riba son claramente más personales, apostando por la conceptualización del arte urbano, lo que nosotros denominaríamos auténtico post-graffiti. Javier parte de elementos urbanos (puertas, suelos en desuso y maderas recicladas) para crear obras donde la textura, el acabado y la reinterpretación de una superficie establecen una reflexión sobre el medio en si mismo.

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A veces parece que uno esté destinado a tropezar con la misma piedra una y otra vez, en este caso con las fotos de 3cm, las cuales hemos publicado en más de una ocasión en nuestra galería online. No es hasta que tomas algo de distancia que se reconoce una obra no solo extensa y solida, sino también valiente y en cierta forma única. Su obra bien podría ser englobada dentro de la fotografía fantástica que tanto abunda en comunidades como Flickr, pero el camino de 3cm nos lleva más allá, en una exploración del retrato, del cuerpo femenino y sus posibilidades expresivas.



La primera impresión que causan las fotos de 3cm es que se tratan de autorretratos, pero nada más lejos de la realidad, ya que 3cm es el pseudónimo de Yung Cheng Lin, un fotógrafo chino obsesionado con la foto inacabada y con la protagonista central de sus series de fotos (ya sea una o varias mujeres que encajan en el mismo estereotipo). Pero su obsesión no termina ahí, si hay algo que sugiere un estilo 3cm genuino es la reiteración de una serie de recursos y protagonistas habituales de sus composiciones: una mosca, un plátano, una mujer anónima de melena oscura y lisa, artículos de papelería como pins y adhesivos, hilos y cintas de color rojo, etc, etc. La combinaciones son infinitas pero siempre apuntan a escenas que van de lo extraño a lo casual pasando por lo sensual y rozando el fetichismo más sutil.

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2015-07-16 : DZO, el mensaje oculto

Si nos preguntas, no creemos en ninguna religión y a la vez en todas, al menos en sus orígenes. Creemos en una especie de espiritualidad, de orden natural de las cosas, un código que va más allá de lo que conocemos y entendemos hasta hoy como seres humanos sobre este plano existencial, la llamada realidad. Creemos en un más allá... en todas direcciones. Y sobre todo creemos en la capacidad creadora de la mente y la voluntad, por lo tanto el arte representa esa especie de alquimia que revela lo invisible y lo imposible. Así sucede con la obra de DZO y su amalgama de referentes donde se combinan símbolos paganos e iconos místicos dando lugar a imágenes surreales.



DZO es el alias que el francés Oliver usa para dar rienda suelta a sus ocultas inquietudes, aparte de ser un diseñador gráfico de éxito afincado en el sur de Francia. Su obra tienen un innegable aspecto oscuro, como todo aquello donde el conocimiento aún no nos ha iluminado, pero al mismo tiempo combina lo tribal, así como lo ancestral y las culturas del mundo de forma natural y armónica. El resultado son ilustraciones que arrojan cierta luz sobre el misterio de nuestra propia esencia.

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En más de una ocasión hemos comentado nuestro entusiasmo por el vídeo arte como disciplinas artística. Ya que es un medio que combina imagen, movimiento / acción y sonido, ofreciendo así otras posibilidades narrativas, que otras técnicas más estáticas no pueden representar. Sin embargo, el gran problema del vídeo como arte es su formato a la hora distribuirlo como objeto dentro del mercado del arte. La objetivación del vídeo, es decir, la transformación del vídeo en un objeto artístico, como una escultura o instalación, es sin duda una de las corrientes más interesantes en términos creativos y que al mismo tiempo añaden un valor relativo a la unicidad que tanto pesa en el coleccionismo de arte.



Sobre estás líneas podéis ver una de las obras recientes Jakub Nepraš, un especialista en llevar el vídeo a los límites de su formato. Sus obras podrían definirse como collages que mezclan lo orgánico y lo digital, integrando uno dentro del otro y viceversa, no solo desde el aspecto material, también en lo conceptual, donde Jakub reflexiona sobre la sociedad, el ser humano, la comunicación y su conexión con la naturaleza.

Descubrimos por primera la obra de Nepraš en la fería ARCO de 2010, pero sus primeros experimentos combinando escultura y vídeo-collage se remontan al año 2007, mucho antes de la eclosión de video-mapping. Nacido en Praga en 1981, entre sus últimas exposiciones destacan: El pabellón Checo en la EXPO 2015 en Milan y la exposición individual y presentación del libro Processes / Layers en Choisi, Lugano, el pasado mes de Mayo. Te recomendamos especialmente visitar su web: jakubnepras.com para poder ver sus obras en acción.

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En los últimos años hemos mirado mucho al norte a la hora de buscar imágenes que nos resultaran frescas, especialmente en diseño gráfico y concretamente en Rusia. No son pocos los artistas visuales rusos que han pasado por nuestras páginas de una u otra forma: Sicksystems, Ilya Slak, Keda Kid y Orka Collective entre otros. La mezcla de tipografía, graffiti, ilustración y arte de inspiración soviética, es decir, historia y modernidad bien digerida da como resultado combinados gráficos explosivos, como es también el caso de Alexey Persh.



Con base en Yekaterinburg, Alexey ha creado su propio estudio, Âtmosphere, con una identidad gráfica en línea con las últimas tendencias visuales. Una reivindicación de la cultura retro-ochentera y su característica estética tecno-futurista propia de los primeros ordenadores domésticos. Pixeles grandes, degradados multicolores, patrones geométricos, texturas de inspiración animal y vegetal, todo ello combinado con tipografías deconstruidas hasta su mínima estructura. El resultado son imágenes que sincronizan a la perfección con ritmos electro, bass music y ligeros toques de house, tal y como suenan sus mixes, que bajo el mismo nombre selecciona y publica en mixcloud. Un pack completo para refrescar todos los sentidos.

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Los opuestos como tema es siempre fascinante, el concepto de polaridad inherente al pensamiento humano y el análisis de todo lo que nos rodea reducido a su mínima expresión: blanco y negro, ceros y unos, luz y sombra... y al mismo tiempo como una infinita paradoja, nada es absoluto, blanco o negro. El ser humano busca siempre un escape a esa dualidad, bien a través de la ciencia o del arte, y en ocasiones una mezcla de ambas, como sucede con la obra de Brigitte Kowanz con el fin de profundizar en el pensamiento filosófico abstracto.



La extensa carrera artística de Kowanz y su exploración de la posibilidades expresivas de la luz le ha llevado desarrollar una obra minimalista y enigmática, donde el uso de código Morse, luces de neón, leds y espejos crean portales que desafían la percepción y el pensamiento humano. Sin duda, sus obras invitan a la meditación consciente, aunque para ello es recomendable verlas / experimentarlas en la realidad.

Precisamente, bajo el título de Reality Check expone actualmente sus más recientes creaciones, hasta el día 25 de Julio en la Galerie Krobath de Viena.

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Nuestra inquietud por buscar, ver y encontrar inspiración no tiene límites, sea en el campo que sea. Es como un sentimiento de hambre insaciable, lo cual produce digestiones lentas, es decir, que por nuestros sentidos pasan más obras y artistas de lo que podemos dar cuenta y compartir. En algunos casos particulares, compartir el trabajo de una persona a la cual llevamos tiempo siguiendo y admirando es como cuando llega la hora del postre. Así pasa con las ilustraciones de Jon Juarez, son como la guinda de un pastel.



La historia de Jon comienza en 1983 en un pueblo Navarro a 90 Km. de San Sebastian. Lo suyo es la ilustración pura y dura, la cual le ha llevado a ilustrar portadas de libros, discos de música, posters de conciertos, dibujar cómics, etc. El aspecto que más nos fascina de la obra de Juarez es ese estilo entre naive y fantástico que coquetea con el surrealismo sutil de artistas como Jean Giraud, aunque él se confiesa más abiertamente fan de Gipi, Charles Huettner y Olivier Schrauwen. Su inspiración proviene de libros, películas y cómics, obviamente, mucha ciencia ficción, que es probablemente la mejor explicación para su imaginario de ensueño y sus historias sin final.

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Entre los muchos temas que nos gusta abordar en nuestra galería online hay un hueco especial dedicado a la naturaleza y el paisaje. No se trata de simple paisajismo, sino de escenas que evocan historias, cuentos, mitos, que dejan hueco a la imaginación. Esa línea entre paisaje y fantasía resulta interesante como forma de expresión artística, pues de alguna forma retrata al ser humano en su profundidad y complejidad. Una visión que también comparte la fotógrafa inglesa Ellie Davies, quién lleva más de siete años dedicada a explorar los bosques a su alrededor y sus posibilidades expresivas.



Davies trabaja en el bosque como si se tratara de su propio estudio, creando instalaciones temporales no-invasivas, para así plantear al espectador paisajes que le hagan reflexionar sobre su relación con el entorno natural. Su más reciente serie de fotos se titula Stars, en ella mezcla sus fotografias con material del telescopio Hubble y la NASA con el fin de dar continuidad a su inquietud por retratar lo desconocido. Quizás también una invitación sutil a reconectar con los cielos estrellados en las noches de verano...

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El término surrealismo sufre como tantas otras palabras de una connotación sobrecargada por un principal referente, en este caso Dalí y su iconográfica obra. Pero dejando a un lado los tópicos, el mundo de los sueños ha sido, es y será uno de esos temas omnipresentes en el arte, especialmente en la pintura. El artista que hoy os presentamos, Simón Arrebola, está en sintonía con otros de nuestros favoritos de la pintura contemporánea como Jonas Burgert, Tilo Baumgärtel o Ryan Browning.



Justo el mes pasado Simón clausuró su más reciente exposición individual Itinerancias Espirituales en La New Gallery de Madrid, donde presentó toda una serie de obras nuevas que juegan, como en sus obras previas, con elementos figurativos y resultados abstractos, es decir, escenarios donde la lógica no encaja. Paisajes, arquitecturas, personajes, estructuras y recursos pictóricos que se combinan creando escenas que recuerdan a una buena actualización de El Jardín de las Delicias de Hieronymus Bosch (El Bosco).

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La vida en el planeta Tierra es extraña, paradójica y alucinante. Las más increíbles formas de vida se esconden en las profundidades, en la oscuridad de nuestros océanos o de profundas grutas. Pero quizás sean increíbles porque no estamos acostumbrados a verlas, sino a imaginarlas, como si fueran un reflejo del lado oscuro de nuestra mente donde los artistas bucean en busca de inspiración. Pues aquí tienes uno de esos tesoros encontrados en los límites entre naturaleza, arte, geometría sagrada y arte digital interactivo: Antrum.



Se trata de una instalación audiovisual inmersiva que llama a la interacción del público, invitando al espectador a establecer contacto físico con las criaturas lumínicas de Tatiana Plakhova, llevadas a la realidad por Mathrioshka (Eduard Haiman y Vadim Smakhtin), sonorizadas por Sergey Kasich, y con la colaboración de Elena Zhdanova y Gleb Storozhik. Sin duda un trabajo de equipo para un gran resultado que estuvo expuesto las semanas pasadas en el centro de arte MARS en Moscú.



Con esta obra se cumplen muchos sueños, entre ellos el nuestro de ver completamente animadas las geniales obra de Tatiana Plakhova. Su obra ha estado vagando por los confines de nuestra red de inspiración / contenidos desde hace años. Pero sus intrincadas imágenes vectoriales nos inspiraban una obra animada, más allá de simples vídeos con ligeros movimientos. Antrum es el resultado de un trabajo excepcional desarrollado durante largos años. A continuación puedes ver algunas de esas obras:

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Hay una huella indeleble en aquellos artistas que crecieron jugando en los años ochenta. Por un lado la cultura Pop estaba en su máximo esplendor debido a los años de bonanza y crecimiento económico, y por otro lado fueron testigos de la eclosión del graffiti, unido al rap, y que más tarde pasó a denominarse de forma general cultura Hip Hop. La obra de Frédéric Platéus tiene todo tipo de referentes de estos años, desde juguetes como el cubo de Rubik, hasta robots de dibujos animados, cómics, graffitis, viajes espaciales, carreras de coches, etc.



No queda duda, Platéus nació en 1976, empezó su carrera artística bombardeando la calle con su firma, perfeccionó su técnica y desarrollo un estilo 3D, y poco a poco su nombre de guerra se fue desdibujando, se convirtió en escultura, dejó de ser arte de la calle para convertirse en arte de galería. Su trabajo actual es una mezcla de disciplinas que incluyen no solo escultura, también vídeo, instalaciones y obras hechas a base de gráficos, una sabia evolución. Actualmente reside y trabaja en Liege, desde donde sigue proyectando un futuro brillante.

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Una de las metas de todo diseñador o artista gráfico es hacer una portada para el álbum de un artista de música que admiras. La meca sería estar dentro de ese reducido circulo de artistas que se reparten la mayoría de los trabajos de sellos de prestigio como Warp Records, Ghostly International, Interscope, Domino Records, etc. Este es el caso de Robert Beatty, cuyo más reciente trabajo vas a empezar a ver por todos lados, tan pronto como Tame Impala publiquen su nuevo álbum Currents y la colección de singles que lo acompañarán.



¿Cómo se llega a esta meca? Observando la trayectoria y el trabajo de Beatty, así como el de otros artistas similares. Se puede ver una serie de factores claves: Pasión por la cultura visual del pasado, un trabajo continuo y fiel a uno mismo, sin importar que estilos o tendencias se llevan, pero sobre todo paciencia y buen hacer. Robert lleva trabajando en sus obras de inspiración psicodélica largos años, cuando vimos por primera vez su trabajo aún no había colaborado con artistas que llegarían luego como Oneohtrix Point Never, Lord Raja, Dracula Lewis o Real State. El resultado es producto de una mente inquieta que aparte de todas esas portadas, también ha realizado vídeos, además de producir música bajo los alias Three Legged Race, Hair Police y Resonant Hole.

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Cuando se habla de originalidad normalmente se dice que original no hay nada. Aunque algún origen tuvo que haber, alguien tuvo que ser el primero en coger un lápiz, un pincel o un spray ¿Quién fue el primero? En el fondo esta cuestión es lo de menos, ya que todos somos consecuencia del trabajo de otros y al mismo tiempo semilla para futuras generaciones. Así comienza esta historia con Mateo Fumero, un ilustrador, pintor, artista urbano, muralista y diseñador de Barcelona.



Para el propio Mateo "pensar sobre el Orígen es inventar o descubrir, o tal vez tratar de recordar algo que de alguna manera sabemos, teniendo en cuenta que el interrogante tiene mucha más trascendencia que la respuesta y que por suerte, la respuesta es provisional."

Aparte de ser un antiguo lector de Belio cuando estudiaba gráfica publicitaria, en su obra se notan huellas de artistas como San, Erone y Amose entre otros. Huellas en un camino totalmente personal que le han llevado hasta Origo, su más reciente exposición individual en Artte (Barcelona) hasta el 22 de Junio. Y para cuya inauguración contó con la música en directo de Lucía y Horacio Fumero, piano y contrabajo, hermana y padre del artista. Su camino, el de Mateo es el mismo que el nuestro, seguir sembrando sueños ilustrados para los que vendrán después.

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Nuestro interés artístico siempre está conectado a nuestro estado emocional, y a su vez está conectado con las distintas estaciones del año. Es humano, pero sobre todo buscamos inspirar tus días. Y los días que tenemos por delante auguran sol, es decir luz y mucho color. Dos ingredientes básicos en la obra de la fotógrafa Klea McKenna, junto a la fuerte conexión entre la naturaleza y sus imágenes.



Hemos dicho fotógrafa, pero en realidad sus obras son la versión más analógica y artesanal en fotografía. Rara vez usa una cámara, en su lugar utiliza materiales fotosensibles que combina con elementos naturales del paisaje que le rodea. De esta forma Klea crea un íntimo retrato de los sitios por los que pasa, algo parecido a un mapa emocional en papeles fotográficos de gran formato. Su obra respira luz, su fotosíntesis genera obras de arte.

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Ahora que estamos en pleno apogeo post-apocalíptico con la nueva película de Mad Max, es un buen momento para fijar nuestra atención en uno de los muchos artistas actuales que se nutren y al mismo tiempo siembran esa escena fantástica. La obra del canadiense Pascal Blanché se sitúa estéticamente en la encrucijada entre la distopia y la pura ciencia ficción de maestros como Richard Corben, Moebius, John Harris, Chris Foss, Mezières o el más actual Dan McPharlin.



Aparte de una extensa cultura visual sobre la materia, Blanché añade una gran destreza con herramientas 3D y de retoque digital como 3dsmax, Zbrush, KeyShot y Photoshop. Su especialidad es construir mundos y personajes, a lo cual ha dedicado ya veinte largos años de su vida. Profesionalmente, lleva desde 2002 trabajando en la industria del videojuego, actualmente como director de arte para Ubisoft en Montreal. Lo cual no le resta ganas para dedicar las noches a sus creaciones más personales, las que te mostramos aquí.

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La última edición de The Future Can Wait organizada por Saatchi nos dejó más de un referente en las últimas tendencias del arte contemporáneo. Artistas como Tom Ormond y Vasilis Avramidis de los que ya hablamos hace meses, y que comparten con nuestro protagonista de hoy disciplina, la pintura, y cierta inquietud por temas símbólicos. En el caso de Dale Adcock, sus obras tienen un indiscutible espíritu totémico y ritual.



Aparte de la gran colectiva de Saatchi, Dale fue seleccionado el año pasado como uno de los 100 Painters Of Tomorrow, un libro publicado por Thames and Hudson, así como uno de los 100 London Artist, editado por Elizabeth Beecher Publishing. Y como se suele decir comúnmente: cuando río suena, agua lleva. El secreto de Adcock es una mezcla alquímica de elementos de distintas culturas, referentes como el arte tribal africano, las máscaras, la geometría sagrada, así como figuras de carácter escultórico que tan pronto recuerdan a antiguas civilizaciones egipcias, como a tribus indígenas de America del norte. La universalidad de su iconografía es lo que hace único un discurso artístico como el suyo.

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No sabemos como será el futuro, pero desde siempre nos ha gustado imaginarlo. De hecho, se ha imaginado tantas veces y de formas tan distintas que es lo que ha generado el retro-futurismo, esas visiones ya pasadas del futuro ¿Dónde quedaron? Aquellos posibles escenarios alternativos tenían sus propias obras de arte y las obras de Benjamin Phelan parecen sacadas de una desviación que no hemos llegado a explorar en nuestra autopista hacia el día de mañana.



Las esculturas de Phelan, generalmente creadas en porexpan e iluminadas con LEDs, tienen ese aspecto 3D abstracto, virtual e iridiscente, tan de moda en el arte digital de ahora, solo que en este caso se trata de esculturas e instalaciones 100% reales. Benjamin se graduó en la escuela de diseño de Rhode Island, y aparte de las numerosas exposiciones en las que ha participado en los últimos años, también fue el autor de la portada del álbum Odd Blood de Yeasayer, así como del diseño del escenario de su última gira, en colaboración con el artista visual Casey Raes.

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En Rusia el arte gráfico vivió una de sus más doradas épocas a través de la propaganda soviética, gracias a la doble vía de inspiración e influencia que se estableció entre la vanguardia del arte y la publicidad del momento. El Constructivismo y el Futurismo ruso dejaron una huella imborrable que han heredado sucesivas generaciones de artistas hasta la actualidad. Tal y como se puede apreciar en la obra del joven Ilya Slak.



Más conocido por su faceta como escritor de graffiti, Slak domina de la misma forma un muro, como un papel o una pantalla. En su trabajo se funde el diseño gráfico, la tipografía, la ilustración y el graffiti. Particularmente nos ha llamado la atención por sus más recientes bocetos digitales en blanco y negro, donde demuestra una gran capacidad de síntesis y elegancia a la hora de deconstruir y re-codificar la realidad. Lo mismo sucede con sus piezas de graffiti, donde deja entrever una vieja escuela de fondo en la que se apoya para proyectar un futuro aún más interesante, maduro, inteligente y sobre todo innovador.

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