Si disfrutaste de los ochentas cuando eras niño, y en los noventas creciste, hiciste el gamberro y empezaste a tomar tus propias decisiones, es muy probable que de una forma u otra en tu cerebro haya alojados recuerdos visuales y sonoros que se disparan como nombres y términos como: skate, punk-rock, Miami-Vice, Santa Cruz, The Residents, La Pandilla Basurilla, etc. Aparte del rollo fanzine y los comics, el Do-It-Yourself, la psicodelia, el acid y así hasta... Toda una amalgama de referentes pop, la cultura con que han nutrido nuestros cerebros. Si coges todo eso y lo pasas por una trituradora, el resultado es un batido-freak propio de alguien como Freak City.



Aunque el estilo de Freak City tiene un toque muy del underground americano, se trata de un buen francés nacido en 1984 en Bordeaux, que auto-define su trabajo como "un mundo de estética retro-futurista, atmósfera rock y mutaciones raras". Sus formatos más habituales van de el dibujo en tinta sobre papel y las serigrafías a la producción de merchandising, pequeñas publicaciones e incluso murales. Ha publicado en revista como Vice, 1626 Magazine, Kustom Mag, Shnock, Sugar Magazine, Junkpage, etc. Y ha colaborado con marcas como Converse, Phenum, Coontak y los grupos música Splash Wave, Sparkrow, Interior Queer, Gorilla Gripping, Lasting Values o Gasmask Terror entre otros. ¡Menuda generación basurilla!

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2014-04-10 : WINDRIDES, hallazgos

Internet, ese océano virtual infinito e inabarcable con la vista. Normalmente nos dejamos guiar por buscadores como si fueran brújulas fiables, pero la verdad es en ocasiones merece ir a la deriva, salirse de las rutas y dejarse llevar de un link en otro, adentrarse en la niebla y descubrir tesoros para nuestros sentidos. Así es como nos hemos topado con el trabajo de Windrides y nos ha cautivado, como un claro entre las nubes de una gran tormenta.



Windrides es fotografía, blanco y negro (principalmente), minimalismo, formato cuadrado y ya. Estos cuatro componentes definen su obra y estilo. Es obvio que algunas de sus obras llevan un fuerte trabajo de edición digital, pero siempre en pro de conseguir ese toque poético casi melancólico de quietud y tranquilidad, como si fuera un momento congelado en el tiempo. De la misma forma que el color es una espectacular excepción, la figura humana es también un extraño elemento que aparece de forma excepcional y solo para añadir si cabe un aspecto más surrealista. El resto de la historia, sobre la obra y su autor, tendrás que imaginarlo tú contemplando estas magníficas escenas.

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Dejando a un lado el rollo retro en consolas y videojuegos, los salones de arcade, la música en plan chiptunes y 8bit, y el pixel art... (que no es poco) no somos precisamente unos jugadores empedernidos. ¡Pero! En ocasiones como esta, con juegos como Monument Valley, esta actitud contenida podría cambiar. Y es que Monument Valley no es un simple juego, pero una experiencia estética cuidada hasta el más mínimo detalle.




Desarrollado por el estudio Ustwo, una agencia nada convencional de "soñadores y emprendedores" con sedes en Londres, Nueva York y Malmö, de momento está solo disponible para iPhone, iPad o iPod. Pero muy pronto lanzarán la versión para Android. En este enlace puedes ver un trailer de lo que te espera: Una aventura que combina el arte de M.C. Escher, el estilo gráfico japonés, el 3D minimalista y los puzzles de arquitectura imposible. ¡Y además con protagonista femenina!



Sobre estas líneas podéis ver un vídeo donde se explica el proceso de trabajo y las motivaciones detrás de este proyecto. Desde nuestro punto de vista lo interesante de la propuesta no es solo su cuidado aspecto estético, sino también el hacer de un juego con una idea sencilla algo significativo. Es decir, como la vida misma.

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El trabajo del estudio madrileño NastPlas es de esos que no pasa desapercibido, principalmente porque mantienen una línea clara, un estilo personal que se nutre de las pasiones que Fran R. Learte, alias drFranken, y Natalia Molinos, alias Na, ponen en común: el 3D empleado de una forma experimental, las texturas orgánicas, la fotografía en blanco y negro (generalmente), el mundo de la moda, los juegos tipográficos, cierta simbología y temas pseudo-mágicos, aparte de una atmósfera oscura con algunos toques mórbidos.



El estilo que NastPlas llevan como bandera se basa en crear y construir su propia realidad, no solo en cuanto al uso de técnicas digitales, con sus típicas remezclas a base capas de fotografías, elementos 3D y recursos gráficos. También en la forma que se presentan en público: su portfolio esta lleno de trabajos experimentales, donde bien poco importa si son fruto de una inquietud personal no comercial o del encargo de un cliente raro y caprichoso. De estos últimos, cuentan en su haber con trabajos para clientes tan respetables como Karl Wolf, Allianz, Coca-Cola, McCann Worldgroup Spain, Urbankaos, IDN, AntiAnti, Lexus, Airtran Arways, etc. Por lo tanto la formula funciona, solo tienes que dejar que su alquimia visual penetre por tus pupilas.

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Tras el éxito de la primera misión Ancient Alien: I’m Not From This Planet, cuyas limitadas 50 plazas fueron reservadas en apenas diez días, y debido a la gran demanda de nuevas plazas para abandonar el planeta Tierra y adentrarse en el espacio exterior, hemos conseguido flotar una nueva nave con más plazas.


Diseño por Javier IA aka Gnosick.

El nombre clave de esta segunda misión es AB INITIO AD INFINITUM y para unirte a la tripulación deberás reservar tu plaza enviando un email a javier@beliomagazine.com. El precio de inscripción son 6 euros + gastos de envío. A cambio te enviaremos el parche acreditativo que te identificará como miembro de los Astronautas Mayas.

Estés donde estés, contamos contigo. Hacemos envíos nacionales, internacionales e intergalácticos. ¡No te quedes en tierra! Nuestras naves están listas para partir y viajaremos a través de agujeros negros hasta otras dimensiones.

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A la hora de revisar la obra del artista que os presentamos hoy, la primera idea es centrarnos en sus fotografías, pues su obra sobre lienzo está basada en sus propias fotos, o dicho de otra forma sus pinturas se encuadran dentro de un estilo foto-realista. Pero si te detienes a observar, podrás apreciar que en realidad sus fotografías tienen un componente abstracto y colorido muy propio de la pintura. ¿Cuál de las dos disciplinas define mejor la obra de Marilyn Minter?




La obra de Minter es un híbrido, donde la técnica no define la obra sino al contrario. El contenido encuentra su disciplina, ya sea pintura, fotografía o vídeo, en función del grado de abstracción deseado. Aunque dicha abstracción siempre tiene un claro referente en la realidad. La visión de Marilyn es más bien una perspectiva hipersaturada, sensual y glamurosa con primeros planos de un mundo femenino, detalles propios de un sueño del cual no queremos despertar.



Sobre estás líneas puedes ver el vídeo Green Pink Caviar, un interesante complemento visual para entender el resto de la obra de Minter. Dicho vídeo fue mostrado en las grandes pantallas del Sunset Boulevard en Los Angeles y como parte del Creative Time MTV en Times Square en Nueva York, estuvo expuesto a la entrada del MoMA durante un año, y sirvió como intro para los conciertos de la gira Sticky & Sweet de Madonna. Pero aparte del éxito de este vídeo, la obra de Marilyn ha sido expuesta en algunas de las mejores galería y museos de todo el mundo, incluyendo el San Francisco Museum of Modern Art, el Center for Contemporary Art en Cincinnati, La Conservera Centro de Arte Contemporáneo en Murcia, el Deichtorhallen en Hamburgo y recientemente el museo Guggenheim de Bilbao. A sus casi 66 años de edad, Minter sigue creando con las mismas ganas de cuando empezó, pero con algunas lecciones aprendidas (como explica en este vídeo), mostrando en su obra un espíritu joven e inquieto.

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Si eres uno de esos oídos inquietos que están siempre en busca de música electrónica experimental seguro que los nombres de Actress, Old Apparatus, L-vis 1990, Lukid, Mr Beatnick y Young Galaxy, entre otros, te serán familiares. Si además lo combinas con unos ojos fascinados por los experimentos visuales y una mente ávida por estar a la última, el nombre de Nic Hamilton debería empezar a sonar en tu cabeza.




Nic no solo ha dado forma a los vídeos de los artistas de música citados antes, sino que además fue seleccionado por la prestigiosa publicación Dazed and Confused para su especial New Video Visionaries en noviembre de 2013, y recientemente le dedicaron una semana en Dazed Digital, donde entre otras piezas, se mostró por primera vez Underwood, rodado en los paisajes profundos de Tasmania y quizás su mejor vídeo hasta la fecha:



Si has visto el vídeo podrás apreciar un especial interés y pasión por el paisaje, los elementos arquitectónicos y la creación de entornos en 3D. Estos tres elementos se repiten continuamente en la obra del australiano Hamilton, especialmente en sus más recientes creaciones, como la performance multidisciplinar A Shared Cultural Memory que tuvo lugar en St. John’s Church en Hackney, en colaboración con Actress y el artista Eddie Peake, el pasado año como parte de la genial programación de St John’s Sessions. Puedes ver este y otros de sus trabajos en una recopilación que hemos hecho en nuestra sección de video. El universo visual de Nic tiene connotaciones oscuras y distópicas, pero al mismo tiempo bellas y poéticas, donde el ser humano aún no ha llegado o quizás ya desapareció.

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La serie de obras que os presentamos en este reportaje, los Glo-Pods de Gisela Colón son una incursión minimalista, futurista y sensual en la escena de la abstracción contemporánea. A medio camino entre la escultura y la pintura, la redondeadas y brillantes formas invitan al espectador a una experiencia contemplativa que varía en función de la luz y la perspectiva, por no hablar del gran atractivo táctil de los Pods.




El trabajo de Gisela ha sido asociado con las escena del Minimalismo Californiano, concretamente con los movimientos Light & Space y Finish/Fetish más conocidos como Perceptualism. Sus esculturas investigan las propiedades de la luz en formas solidas y los colores luminiscentes a través del uso de materiales plásticos. En el siguiente vídeo podéis ver el proceso de trabajo detrás de las obras de Colón:



Nació en 1966 en Vancouver, Canadá, de madre alemana y padre puertorriqueño. Se crió en San Juan, Puerto Rico y asistió a la Universidad de Puerto Rico, donde se graduó magna cum laude en 1987 con una licenciatura en Economía. Colón se trasladó a Los Ángeles para seguir estudios de postgrado. En 2002 fue capaz de dedicarse a su obra a tiempo completo, con una evolución rápida desde sus primeras pinturas abstractas. El creciente interés de Gisela por la luz, el espacio y los temas de percepción visual la llevó a su serie actual de trabajo. Ha expuesto de forma nacional e internacional y sus más recientes exposiciones, este mismo año, incluyen el Museo de Arte e Historia (MOAH) en California, Los Angeles Art Show con ACE Gallery y la futura exposición colectiva Trans-Angeles en el Kunstmuseum Wilhelm-Morgner-Haus en Alemania, aparte su próxima exposición individual Pods & Squares en la Galerie Lausberg, en Dusseldorf en junio de 2014.

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El negro del asfalto, el blanco de la luna llena en plena noche y el rojo de la sangre que bulle bombeada por un motor que late con fuerza, estos son los colores que aparecen en la mente de Bobber Cult cuando está a lomos de su moto cortando el viento a toda velocidad. Pero también son los colores que definen su obra gráfica más personal, aquella que hace por puro placer, o para amigos que le dejan plena libertad para que él les lleve la imagen, a donde quiera, como si es al mismísimo infierno.



La obra de Bobber Cult (conocido en su casa como Roberto S. Sabrido) es una encarnación del mejor lowbrow motero hecho en España, no se rige en función de la exigencias de un cliente comercial, Roberto ya tiene bastante de eso en su trabajo como director de arte a sueldo. Las únicas exigencias las pone su pasión y obsesión por las calaveras, las motos, el skate de los 80s, el tatuaje tradicional, las imágenes de carácter sacro y los eslóganes chulos que se llevan con orgullo en la chupa.

Ayer mismo se clausuró Suerte o Muerte, su primera exposición individual como Bobber Cult en Lasala (Zaragoza), donde se recopilaba gran parte del trabajo hecho en su primer año de existencia. No cabe duda de que Roberto va a seguir acelerando... quemando gasolina y demonios sobre papel, para suerte de todos nosotros.

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A medio camino entre diseñador industrial y creador de personajes (character design), las obras del argelino Mani Zamani son complejos ejercicios de concepción, diseño y construcción. Desde el boceto a mano y la creación en 3D de modelos, hasta su final producción, Mani es el único responsable de dar a luz seres de líneas estilizadas, con influencias de la cultura pop japonesa, el steampunk, la Bauhaus y el trabajo en madera típico de Escandinavia.



Sus creaciones no se encierran en una sola técnica, trabaja tanto a mano como en digital, utilizando madera, foam, distintos tipos de plásticos y materiales reciclados, así como impresoras 3D. Su obra le ha llevado a ser uno de los diez galardonados en el Lexus Design Award 2012, ser finalista dentro del concurso que Lego lanzó en 2012 en busca de concept designers y recientemente ha expuesto como parte del colectivo Met in Sweden para la Tokyo Designer’s Week en Japón. No te extrañe si en un futuro lejano Zamani da con la formula para transformar una de sus creaciones en un ser de carne y hueso.

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Normalmente en Europa se piensa en Tailandia como un destino paradisíaco donde ir de vacaciones, bonito-barato, lleno de playas, fiestas y gente con una sonrisa siempre en la cara. Y no es mentira, pero se pasa por alto una sociedad altamente tecnificada, cultivada y entusiasta de las últimas tendencias en moda, arte y diseño. Quizás el turismo sea uno de los más importantes motores de su economía, pero saliendo del tópico, se encuentra una escena de artistas que merecen atención más allá de la escena local. Por ejemplo, Rukkit Kuanhawate y su crew DOB (Death of Blance) encargados de dar color a las calles de Bangkok.



Aparte de su obra como artista urbano, Rukkit se graduó en educación artística en la Chulalongkorn University y tras ello empezó a trabajar como diseñador gráfico y director de arte para una revista. También forma parte de B.O.R.E.D un colectivo de jóvenes diseñadores gráficos tailandeses, muy activos en su labor por generar una nueva estética gráfica made in Thailand, claramente influenciada por la tipografía, el diseño visual para música, la ilustración y el street art.

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"Nuestros cuadros son fotogramas de una película imaginaria donde dejamos que el espectador cree su propia historia." Declaran Rubenimichi sobre su nueva exposición Sobrenatural y sobre su obra en general. Y a juzgar por las obras, no es difícil adivinar que el director soñado para dicha película sería David Lynch, pero el Lynch de Twin Peaks, todo lo que en ese universo podrías encontrar: naturaleza, oscuridad, misterio, magia y cierto fetichismo estético, se encuentra en el universo de este colectivo artístico.



Entre las variadas referencias que citan a la hora de enmarcar su obra no faltan el low-brow, el surrealismo pop, la pintura flamenca de los siglos XV y XVI o los prerrafaelitas. Es decir, no dejan lugar a dudas y su obra representa exactamente esto, cumpliendo profesionalmente con lo que la etiqueta exige. Por lo tanto, si eres de los que conoce ese lado oscuro dentro de ti y lo disfrutas, disfrutarás de esta nueva exposición que tiene lugar en Espai Tactel del 7 de Marzo al 17 de Abril en Valencia.

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Aquí está la segunda parte de nuestro programa especial de vídeo para The Mask Project, otros cuarenta minutos aproximadamente con obras de Jasper Goodall, Flamboyant Paradise, Robert Shaw, Mikael Stornfelt, Neal Coghlan, Society, Ahmet Said Kaplan, The Great Nordic Sword Fights, Work, Roland Budai y Evan Mann.



Este programa completo, primera y segunda parte, ofrece una visión contemporánea sobre el uso y relevancia que la cultura de máscaras tiene en la actual sociedad de consumo y las vanguardias artísticas. Donde el contenido estético y las muy variadas técnicas de creación en ocasiones están por encima del sentido original y rol de una máscara. El retrato que este programa de vídeo ofrece sobre las máscaras en la actualidad muestra que lejos de ocultar una identidad, es más un fiel reflejo del espíritu de nuestros días.


















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Tal y como os comentábamos la semana pasada, Belio Magazine co-dirigió y comisarió el evento The Mask Project en Platoon Kunsthalle Berlín, lo cual incluyó una selección de piezas de vídeo arte, animación, clips de música y demás experimentos visuales conectados con la cultura de máscaras. El programa contaba con dos partes de cuarenta minutos cada una. Para todos aquellos que no pudieron asistir al evento, hemos decido publicar ambos programas de vídeo en nuestra web (hoy y mañana).



Esta primera parte incluye vídeos de Flamboyant Paradise, Drobczyk + Kopaniszyn, Martin Allais, Neal Coghlan, Gfirmg, Kimatica, The Great Nordic Sword Fights y Lenin Ortega:


















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Desde Belio Magazine tenemos el placer de anunciar y presentar: The Mask Project, un festival que conecta la ciudades de Berlín, Paris y Dédougou entorno a la utilización de máscaras dentro de la cultura contemporánea.



En este mismo momento está teniendo lugar Festima, un festival que reúne anualmente en Dédougou a distintas sociedades africanas donde se presentan rituales y danzas. En su doceava edición cuenta con 45 sociedades donde aún sigue viva la cultura de máscaras. Este año, el colectivo de creativos The Mask Collective ha decidido establecer conexiones entre el festival y otras culturas europeas donde las máscaras tienen todavía su protagonismo, a través del teatro, la música, la danza y el performance, el vídeo arte, la ilustración o el arte urbano. Durante los días 1 y 2 de Marzo las capitales culturales París y Berlín darán muestra de la herencia artística y el concepto vigente del uso de máscaras a través de la obra y proyectos de distintos artistas internacionales.



Pablo IA de Belio Magazine ha comisariado el evento que tendrá lugar el próximo sábado día 1 de Marzo en Platoon Kunsthalle en Berlin, donde participan los artistas Anklepants, Geso, Rygen y Moussa Coulibaly entre muchos otros. También contará con dos programas especiales de vídeo por Network Awesome y Belio Magazine, conferencias y workshops. Podéis ver el programa completo de actividades en el siguiente link, y el evento que hemos creado en facebook.

The Mask Project es una iniciativa del artista francés Arnaud Iprex, que cuenta con el apoyo de Platoon Kunsthalle, Belio Magazine, ASAMA, la embajada de Burkina Faso, City of Orléans, City of St Cloud, Institut Français, Les Créateurs de Masques, La Voix du Masque y Network Awesome.

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Evan Mann


Jasper Goodall


Robert Shaw


Lenin Ortega


Drobczyk+Kopaniszyn


Arnaud Iprex


Arnaud Iprex + Geso + Silvia Pasquetto


The Mask Project Workshop

Es interesante pensar en el poder que la creación otorga al artista, si consideramos la naturaleza como la más suprema de las artes, aquellos artistas que trabajan con elementos naturales se convierten en productores de una nueva naturaleza, aunque en el caso de Kate MccGwire y su obsesión con las plumas, se trata de una naturaleza muerta.



La obra de MccGwire ahonda en una mezcla de sentimientos y conceptos contrapuestos que coexisten en plena armonía. Sus esculturas parecen amables y acogedoras, principalmente debido al uso de plumas que recorren sugerentes formas curvas, invitando al espectador a establecer un contacto físico que va más allá de la mera contemplación. Pero al mismo tiempo la sola idea de una forma inusual y artificial vestida de naturaleza implica una especie de mutación y perversión de esta misma naturaleza, especialmente cuando se muestra en vitrinas como si se tratará de la sección de monstruosidades de un museo de ciencias. El resultado constituye una aproximación a esa inquietud humana por controlar la naturaleza, por dominarla y dejar nuestra huella, aunque en este caso Kate lo hace de una forma singularmente bella.

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Photos courtesy of Kate MccGwire and All Visual Arts. © 2014 Kate MccGwire. All rights reserved.

Esto que estás viendo ahora mismo en tu pantalla es un mundo digital, virtual, intangible... Bueno, siempre puedes tocar la pantalla, pero su contenido en forma de pequeños pixeles es otra dimensión compuesta de luz, electricidad y códigos. Esto mismo puede ser una página de texto, un juego e incluso una obra de arte. La alteración de estos colores luz, el RGB y su composición, así como de los pixeles, ha generado algunas de las ramas estéticas más interesantes de los últimos años, como el pixel-art y el glitch-art.



Sobre estás líneas puedes ver un detalle de una de las composiciones de Adam Ferriss, es solo un detalle pues las dimensiones reales de la obra son 1280 x 1600 pixeles. Son obras digitales para ser contempladas en toda su magnitud (escala 100%, te recomendamos ver las obras en su propia web). Principalmente composiciones abstractas y coloridas fruto de experimentos con código que recuerdan a paisajes geométricos. Aparte de este tipo de imágenes estáticas, Ferriss también trabaja con esta misma técnica y estética en formato vídeo y en gifs animados.



Nacido en Richmond en 1988, Adam se graduó en The Maryland Institute College of Art en Baltimore y actualmente reside en Los Angeles, donde trabaja como director de arte para Live for the Funk. Su serie de obras más popular es 500 years away la cual fue blogeada por todo lo ancho y alto de la comunidad virtual, aparte de ser el motivo central de las portadas para el proyecto Heterotic del director de Planet Mu. Aunque nuestras favoritas son aquellas menos figurativas y más ácidas como (m)Phase.

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¿Qué es eso que te sale del pecho? ¿No lo ves? Estabas tan emocionado, tan feliz, parecía que irradiabas luz, por un momento no existía este mundo gris lleno de preocupaciones, estrés y normas impuestas. Tampoco existía el tiempo, ni el espacio, habías desaparecido dentro de tu universo creativo, todo era perfecto... Ahora de vuelta en este mundo tu misión es transmitir ese sentimiento, conectar con el que quiere ver, con el que quiere escuchar. Otro mundo es posible, y no nos referimos a una conversión a alguna religión o causa social, sencillamente a través de la creación pura, de obras como las de Alejandro Sordi.



Ilustrador y artista, el argentino Sordi reúne en su obra influencias del arte urbano, el diseño de vinyl toys, el arte lowbrow y el character design, todo ello combinado con una historia personal, una gran inquietud por lo espiritual. Sus imágenes están cargadas de simbolismo, principalmente representan momentos de iluminación de su protagonista (un chico moreno que se repite a lo largo de su obra) y sus encuentros con otro tipo de seres y criaturas fantásticas. Quizás no sean fantasías, quizás tu mismo has tropezado con estos seres, ¿los has visto?

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Encontrar belleza en las cosas más sencillas de este mundo es todo un arte, requiere de un alto grado de observación, una mente abierta, una gran capacidad para sorprenderse y cierta inocencia. De hecho, el mundo que nos rodea nos ofrece infinitas oportunidades para la contemplación de este arte: La naturaleza. ¡Y además es gratis! Como son los amaneceres y atardeceres, el efecto que la luz y la atmósfera en combinación con el paisaje producen, combinaciones de colores difícilmente reproducibles en otro formato. Aunque artistas como Eric Cahan consiguen aproximarse:



El proyecto Sky Series de Cahan es casi una obsesión. "Mi misión es capturar la luz, es el tema principal de estas series: su constante misterio, la forma en que cambia y colorea todo a su alrededor en la naturaleza", declara Eric. El proyecto incluye vídeos, fotografías y esculturas que representan distintos momentos y lugares conectados con la experiencia personal del artista.



De hecho, cada fotografía y escultura llevan por nombre la hora y lugar de su concepción, de forma que su obra encarna una especie de diario visual. Si visitas su web, cada una de sus obras contiene un enlace a su geo-localización. "Durante mis viajes, descubro lo que quiero documentar. Mis obras llevan estos títulos para recomendarme la experiencia, tanto visual como espiritual. Mi obra trata de capturar ese momento en la naturaleza, preguntando y empujando al espectador a estar completamente presente, involucrado y elevado por la experiencia. Quiero inducir al espectador dentro de mis obras, no dejarle aparte de ese momento en el tiempo."

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