La última edición de The Future Can Wait organizada por Saatchi nos dejó más de un referente en las últimas tendencias del arte contemporáneo. Artistas como Tom Ormond y Vasilis Avramidis de los que ya hablamos hace meses, y que comparten con nuestro protagonista de hoy disciplina, la pintura, y cierta inquietud por temas símbólicos. En el caso de Dale Adcock, sus obras tienen un indiscutible espíritu totémico y ritual.



Aparte de la gran colectiva de Saatchi, Dale fue seleccionado el año pasado como uno de los 100 Painters Of Tomorrow, un libro publicado por Thames and Hudson, así como uno de los 100 London Artist, editado por Elizabeth Beecher Publishing. Y como se suele decir comúnmente: cuando río suena, agua lleva. El secreto de Adcock es una mezcla alquímica de elementos de distintas culturas, referentes como el arte tribal africano, las máscaras, la geometría sagrada, así como figuras de carácter escultórico que tan pronto recuerdan a antiguas civilizaciones egipcias, como a tribus indígenas de America del norte. La universalidad de su iconografía es lo que hace único un discurso artístico como el suyo.

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No sabemos como será el futuro, pero desde siempre nos ha gustado imaginarlo. De hecho, se ha imaginado tantas veces y de formas tan distintas que es lo que ha generado el retro-futurismo, esas visiones ya pasadas del futuro ¿Dónde quedaron? Aquellos posibles escenarios alternativos tenían sus propias obras de arte y las obras de Benjamin Phelan parecen sacadas de una desviación que no hemos llegado a explorar en nuestra autopista hacia el día de mañana.



Las esculturas de Phelan, generalmente creadas en porexpan e iluminadas con LEDs, tienen ese aspecto 3D abstracto, virtual e iridiscente, tan de moda en el arte digital de ahora, solo que en este caso se trata de esculturas e instalaciones 100% reales. Benjamin se graduó en la escuela de diseño de Rhode Island, y aparte de las numerosas exposiciones en las que ha participado en los últimos años, también fue el autor de la portada del álbum Odd Blood de Yeasayer, así como del diseño del escenario de su última gira, en colaboración con el artista visual Casey Raes.

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En Rusia el arte gráfico vivió una de sus más doradas épocas a través de la propaganda soviética, gracias a la doble vía de inspiración e influencia que se estableció entre la vanguardia del arte y la publicidad del momento. El Constructivismo y el Futurismo ruso dejaron una huella imborrable que han heredado sucesivas generaciones de artistas hasta la actualidad. Tal y como se puede apreciar en la obra del joven Ilya Slak.



Más conocido por su faceta como escritor de graffiti, Slak domina de la misma forma un muro, como un papel o una pantalla. En su trabajo se funde el diseño gráfico, la tipografía, la ilustración y el graffiti. Particularmente nos ha llamado la atención por sus más recientes bocetos digitales en blanco y negro, donde demuestra una gran capacidad de síntesis y elegancia a la hora de deconstruir y re-codificar la realidad. Lo mismo sucede con sus piezas de graffiti, donde deja entrever una vieja escuela de fondo en la que se apoya para proyectar un futuro aún más interesante, maduro, inteligente y sobre todo innovador.

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Los video-juegos, así como el cine y la música son áreas grises de Belio, a pesar de ser una gran influencia y referencia dentro de la cultura que disfrutamos y difundimos, normalmente no son disciplinas protagonistas nuestro eje central (el arte visual). Salvo en contadas y destacadas ocasiones, como hace años, cuando con muchos meses de anticipación a su estreno, le dedicamos un reportaje a Enter The Void por su gran afinidad estética y conceptual con Belio, así como por la gran expectación que despertó en nosotros. Lo mismo nos pasa ahora mismo con Thumper.



Como podéis ver en su trailer de presentación, Thumper guarda cierta similitud con el mundo que presentaba Enter The Void, aunque la historia y el formato es bastante distinto. En esta ocasión se trata de un vídeo-juego desarrollado por Drool o lo que es lo mismo: Brian Gibson de Lightning Bolt y Marc Flury programador de varios proyectos en Harmonix.



El protagonista de Thumper es escarabajo espacial en su viaje a toda velocidad y ritmo contra el malvado Crakhed. La estética dominante del juego no solo tiene referentes psicodélicos, también bebe en gran parte de la estética retro de los video-juegos, así como de las portadas del rock de los ochentas. De momento no hay anunciada fecha de lanzamiento, ni plataforma, al menos no hasta que sus creadores terminen de completar el viaje al que nos quieren someter... Y al cual estaremos esperando impacientemente.

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La innovación en cualquier área no siempre viene del futuro, de la tecnología, en muchas ocasiones el presente y una mirada curiosa sobre lo que ya conocemos, el pasado, puede llevarnos mucho más lejos de lo que esperamos. La mente humana es capaz de crear una y mil capas, mundos dentro de otros mundos, donde poder cuestionarnos qué es la realidad y dónde estamos realmente. El arte siempre ha tenido este poder y las obras de Philipp Fürhofer no solo tienen esa capacidad, también consiguen sorprendernos con una nueva, única y personal versión de lo viejo conocido.



La obra de Fürhofer es la demostración física de un artista completo, donde la pintura, la escultura, la instalación, el vídeo arte y el light-art se funden en perfecta armonía. Su obra escapa a toda definición clásica a través de pinceladas de expresionismo abstracto, combinado con elementos figurativos que compiten en realismo con objetos propiamente dichos, que a su vez forman parte de un surrealista juego de capas, reflexiones de espejos infinitos y diferentes escenarios que aparecen y desaparecen en función de la luz. ¿Te has perdido? Precisamente, su obra es el lugar donde queremos perdernos.

Y para ello, para perdernos, nada mejor que ver sus obras en esta capa de la realidad. Si estás en Berlin del 1 de Mayo al 27 de Junio puedes disfrutar de las nuevas obras que se presentan en Galerie Judin bajo el muy adecuado título de In Light of the Hidden.

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© Philipp Fürhofer
Photos: Henning Moser
Courtesy: the artist and Galerie Judin, Berlin

Vivimos tiempos extraños en los que las tecnologías y el esfuerzo humano perfeccionan cada vez más ese mundo virtual y paralelo. El CGI (Computer-Generated Imagery) ya no es terreno exclusivo de la industria del cine y los video-juegos, sino que hay toda una generación de artistas digitales que exploran los límites de la ilustración y la escultura a través de herramientas 3D. Lo cual apoya la cada vez más creciente tendencia del 3D-print. Una moda o sencillamente una nueva disciplina que tarde o temprano terminará por penetrar en el mercado del arte.



La obra del joven artista tailandés Kontorn Boonyanate bien merece ser disfrutada en las tres dimensiones reales. Sus experimentos con el cuerpo humano y su brillante acabado virtual llaman al tacto por encima de otros sentidos, creando piezas que resultan bellas y sensuales, al mismo tiempo que monstruosas, debido a la informe unión de cuerpos humanos. Aparte de estas geniales piezas que os mostramos a continuación, la obra de Kontorn tiene por lo general una clara influencia de la ilustración fantástica.

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La primera vez que nos cruzamos con Víctor Solana fue en el subsuelo, en el submundo de la razón. Allí habitan nuestros miedos y deseos junto a personajes oscuros. Por allí, entre sombras, fuego y ruinas, anduvo Goya; de ahí saco sus pinturas negras. Y de aquella miseria, esta herencia decadente que llega hasta nuestros días. Fábricas abandonadas que en lugar de estar habitadas por ratas dan refugio a personajes cargados de soledad y desesperación que pueden llevarlos incluso a la locura.



Nacido en Zaragoza en 1985, Víctor repasa la historia del arte y la representación del cuerpo humano en cada pincelada. A través de sus pinturas se puede apreciar su formación académica, desde la técnica tenebrista y el juego de luces y sombras de Velázquez, hasta una figuración colorista, aunque irremediablemente oscura, de artistas contemporáneos como Jenny Saville o Jonas Burgert. En su obras se pueden apreciar también influencias del mundo del cómic y la cultura underground de corte post-punk e industrial.

La primera vez que llamó nuestra atención la obra de Solana fue gracias a su exposición El Subsuelo el año pasado en la Galería Lasala de Zaragoza. Ahora, desde el 10 de abril al 16 de mayo, tenemos la oportunidad de ver sus últimas obras en su nueva exposición Sublevados del Sol en Swinton Gallery en Madrid.

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Por cada segundo que soñamos con escapar del lugar y la piel en la que nos encontramos, por cada irrepetible momento que recordamos con nostalgia, por todas esas canciones que han ilustrado el camino, por esos atardeceres entre primavera y verano, por ti, por mi y por todos nuestros compañeros en este viaje... Un momento para observar con calma la vida captada a través de la lente de Davis Ayer:



Las fotografías de Ayer nos cuentan una versión colorida, con toques folk, psicodélicos, mágicos y sensuales, como si fueran capturas de un sueño. Para ello hace uso de polaroids, doble exposición, película infrarroja y demás técnicas que añaden un aspecto añejo al resultado final. Nacido en Texas, Davis reside y trabaja actualmente en Los Angeles. Sus fotografías han aparecido publicadas en revistas como Playboy, Juxtapoz y Beautiful/Decay, aparte de haber ilustrado portadas para grupos de música como Wild Child, Robert Ellis, Cold Confederacy, The Artificial Heart, Lax, etc.

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Quizás no todos los habitantes de una ciudad occidental cualquiera se pregunten las mismas cuestiones... ¿Cómo sería mi ciudad sin toda esta iluminación artificial por las noches? ¿Por qué las ciudades están iluminadas siempre en naranja? o mejor aún ¿Cómo sería una ciudad iluminada por un artista?. Nosotros no solo lo cuestionamos, también soñamos con que un día James Clar ilumine nuestras noches.



El light art es una disciplina en auge, especialmente debido a la gran cantidad de nuevos sistemas de iluminación disponibles. A pesar de ello, el clásico sigue siendo el tubo fluorescente y como tal es un elemento omnipresente en la obra del norteamericano Clar, como parte de esculturas e instalaciones. Pero no solo, James explora distintos terrenos como el vídeo arte, el arte digital, el op-art, etc. Todo ello siempre dotado de una estética tecno-industrial y pop, que busca una reflexión sobre como los medios y la tecnología afectan nuestra percepción de la cultura y la identidad.

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En los últimos años "lo público" no representa precisamente el mejor apoyo para el arte de las nuevas generaciones, por eso es de agradecer el esfuerzo que desde la iniciativa personal se está haciendo para crear nuevos espacios y mostrar a esos "otros" artistas. Este es el caso de la recién inaugurada galería Plastic Murs y su dedicación al lowbrow y demás tendencias de carácter underground. Valencia cuenta así con otra propuesta más para llenar una agenda cultural alternativa.



Como no podía ser de otra forma, han inaugurado con una muestra colectiva titulada Welcome Home donde presentan a los artistas que de primeras formaran parte de la galería: Aitch, Amandine Urruty, Duma, Gabi de la Merced, Ivana Flores, Mercedes de Bellard, Saddo, Sara Sanz, Twee Muizen y Vero Navarro. Pero que también sirve para definir claramente el estilo de Plastic Murs, el cual es obviamente gráfico, centrado en la ilustración artística. La exposición se puede visitar hasta el día 2 de Mayo en la Calle Denia 45 (Valencia).

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Mercedesde Bellard






Aitch






Amandine Urruty




Vero Navarro




Duma


Casi al mismo tiempo que nació Belio, hace ya 16 añitos, nació también Gee.Oh.Dee, el estudio de diseño capitaneado por Pablo & Javier IA, directores de Belio. No se puede decir con propiedad qué fue antes, si el huevo o la gallina, pero está claro que una cosa fue consecuencia de la otra y viceversa. Pablo y Javier se formaron primero como diseñadores y como proyecto final de carrera nació Belio. Del diseño de las páginas y portadas de la revista, al diseño de flyers y posters para los distintos eventos que organizábamos, surgieron colaboraciones y encargos para otras empresas, sobre todo relacionadas con el mundo del arte y la música.




Después de todos estos años y con mucho trabajo a nuestras espaldas, hemos querido renovar nuestra imagen con una nueva página web, la quinta versión de Gee.Oh.Dee, la más completa hasta la fecha. En ella hemos recopilado buena parte de nuestro trabajo, de nuestra experiencia, desde dirección de arte a producción y organización de eventos, pasando por diseño gráfico, ilustración, video, fotografía, etc.

En este artículo puedes ver una pequeña muestra de nuestra creatividad pero te invitamos a que visites nuestro portfolio en Geeohdee.com. Y si necesitas desarrollar cualquier trabajo gráfico o proyecto cultural para tu empresa, nosotros te ofrecemos nuestros servicios. Somos especialistas en hacer sueños realidad y crear gráficos que van más allá de los límites.


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Una de esas leyes de vida que solo con la experiencia puedes aprender es que para destruir debes primero aprender a construir. Lo mismo en el arte, debes aprender a dibujar perfectamente antes de emprender camino hacia terrenos experimentales y abstractos. De esta forma podemos entender la relevancia de perder las formas y dejar que la materia fluya libre, arrastrando con ello las normas, el orden, los límites... Esa libertad creativa que hace del caos algo bello, justificado y lleno de sentido.



La obra de José Castiella juega en ese fino equilibrio entre figuración y abstracción, siendo el trasfondo, el entorno, esa parte aún anclada en la realidad de forma inmutable, y su protagonista, las manchas informes de pintura que nos cuentan la historia, por lo general temas entre lo surrealista y lo paranormal.

Castiella (Pamplona, 1987) es parte de la nueva generación de artistas españoles, que ya sea aquí o afincado fuera de nuestras fronteras (como es su caso) demuestra el saludable estado de la pintura contemporánea. Actualmente está representado por las galerías Python de Zurich y Javier Silva de Valladolid, con las cuales ha expuesto el año pasado, aparte de su individual Encuentros con Entidades en el Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano de Valladolid, también en el mismo año.

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Es hora de apagar la pantalla, el flujo de información, la distracción contínua y centrar la mirada más allá, dentro de uno mismo. Pero antes de ello queremos dejarte algo de inspiración para la visiones que podrás tener, sin mayores explicaciones, sin más datos que los mínimamente esenciales, sin otro mensaje que el de disfrutar puramente los siguientes loops:



Este y los gifs animados que encontrarás a continuación son todos obra de 30000fps y como decíamos eso es todo lo que tienes que saber para poder disfrutar de esta experiencia hipnótica, también porque no hay más datos sobre este artista digital. Desde Enero de 2013 su página en tumblr ofrece dosis diarias de momentos infinitos capturados en estos pequeños formatos. Ahora acomódate en tu sofá, relájate y disfruta del viaje...

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El concepto original del Pop Art tenía cierto caracter transgresor, un acto de reciclaje de la cultura visual que invadía nuestras retinas desde la publicidad y el marketing. Pero la fama y popularización de obras y personajes como Roy Lichtenstein, Andy Warhol y Keith Haring terminaron por cerrar el circulo. Y el Pop se acabó diluyendo en la sociedad, su influencia es ahora irrevocable. De esa tierra fértil siguen saliendo y creciendo creativos que de muy variadas formas encarnan nuevas generaciones de artistas pop, como es el caso del joven Keda Kid.



Nacido en San Petersburgo, Keda ha digerido los referentes de la cultura de masas de su infancia, esencialmente comics y graffiti del su vertiente old school, dando lugar a un mundo abstracto que encaja perfectamente en las tendencias actuales en dibujo contemporáneo. Pero al mismo tiempo mantiene los pies en la tierra, con algunas propuestas más figurativas y comerciales, trabajos que tan pronto pueden ilustrar una portada para un álbum de hip-hop, como un póster para una orgía de sonidos psicodélicos.

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Hay ciertos sentimientos que la mejor manera de expresarlos es sencillamente no verbalizarlos, sin embargo hay ciertas obras de arte que comunican mucho mejor lo inexpresable. Lo sutil, la calma, el equilibrio, la fragilidad y lo invisible se manifiesta a través de la obra del mexicano Jose Dávila de forma clara e inequívoca. Su obra, a medio camino entre la escultura y la instalación, es minimalista y sencilla, no tiene ni más, ni menos elementos de los necesarios para contarnos su inquietudes artísticas.



Uno de los muchos temas sobre los que divaga Dávila es la eterna lucha del ser humano contra de la gravedad, tema que ha escogido para la exposición individual que actualmente tiene desplegada en Travesía Cuatro, Madrid, hasta el 30 de Abril. Las esculturas que allí se exponen dejan entrever la pasión del artista por la arquitectura, siendo este un referente omnipresente en toda su obra. La peculiar combinación de materiales en forma de planos, líneas y colores, genera una belleza extraña que paradójicamente resulta casual, a pesar de ser extremadamente premeditada y ejecutada.

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No podemos escapar de lo que somos, es decir de nuestras raíces, pero tampoco hay necesidad. El arte auténtico y honesto sencillamente surge de dentro y el resultado tiene incorporados todos los elementos de su historia, su educación visual y sus experiencias, de la misma forma que una flor lleva en su ADN la esencia de su semilla original y los sustratos que han pasado por sus raíces. El ADN en la obra de Houxo Que es clara y sin lugar a dudas japonés.



No importa la disciplina, da igual si es pintura, vídeo, instalación, arte urbano o técnica mixta, existe un vinculo claro entre todas las obras de Houxo. Y aunque su obra ha evolucionado de formatos más standard e imágenes figurativas hacia composiciones semi-abstractas, experimentos con luz y color y propuestas más arriesgadas, la esencia sigue siendo una visión muy personal de elementos clásicos de la cultura japonesa: el arte floral, la caligrafía, las ceremonias, la cultura pop en clave de manga, anime y luces de neón que inundan las calles de Tokyo cada noche.



Su carrera empezó en 1999, más conocido en aquel entonces por su pasado como artista de graffiti. Lo cual evolucionó en performances de pintura en directo como la que puedes ver sobre estas líneas: Day and Night del año 2010. Justo en el momento que sus murales de flores empezaban a desdibujarse, su estilo llamó la atención de marcas del mundo de la moda como Yves Saint Laurent, Lane Crawford y Topshop, que contaron con su talento bajo distintos formatos. A día de hoy su obra está más orientada al mundo del arte contemporáneo, donde ha incorporado su amor por los pigmentos glow-in-the-dark y las instalaciones con luz negra.

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Con la irrupción y desarrollo de internet en las últimas décadas hemos tenido la oportunidad de aprender de forma práctica la diferencia entre real y virtual, como si fueran mundos o dimensiones paralelas. A pesar de la gran relevancia de la experiencia online, hay cosas que escapan a sus dominios, experiencias que son imposibles de capturar, de representar en una web. Así sucede con la obra de Colin Prahl. Aquí y ahora puedes ver una versión reducida de sus complejas imágenes, detalles incluidos, e incluso te recomendaríamos visitar su propia web (donde puedes ver la obras a mayor tamaño) y aún así no haría justicia a la realidad.



Desde las formas orgánicas y naturales de sus primeras pinturas a los imposibles laberintos isométricos de sus más recientes años, la obra de Prahl representa otra dimensión virtual. Y aunque es imposible capturar o traducir dicho universo, Colin consigue acercarnos a esa misma experiencia de un modo hiper-detallista. Ciertamente, su obra podría definirse como psicodelia, pero el término como tal no es capaz de definir la realidad en toda su magnitud, ya que su trabajo transciende una mera experiencia psicodélica de la misma forma que visionarios como M.C. Escher, Jean Giraud o Alex Grey han hecho.

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Cuando se trata de fotografía normalmente sentimos predilección por los paisajes naturales, entre otros temas. Pero parece que cada vez más el entorno natural del ser humano es la gran urbe, con sus geométricas formas compitiendo a base de cemento, acero, hierro, cristal, etc. por llegar más alto, más lejos y más allá. A pesar de la sensación gris que la rutina urbana genera, también se puede encontrar belleza y eso es precisamente lo que Michael Salisbury captura con su cámara, aparte de trabajar como ingeniero de sistemas y llevar el proyecto Create & Explore.



A simple vista una foto de la ciudad puede ser algo totalmente ordinario, a excepción de ese rayo de sol que penetra en un túnel en un preciso momento del día, y ese manto de nubes que parece estar arropando el tejido urbano, o ese rascacielos que rompe los límites de la niebla, o ese atardecer que... Michael es ese gran observador que nos demuestra que no hay nada ordinario, sino momentos irrepetibles que se pierden día a día entre las calles de nuestra nuestra propia ciudad.

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Cruzarse con la obra de Yuri Shwedoff es caer dentro de un universo visual que jurarías haber visto en una película de ciencia ficción, pero tal no existe... Quizás sea la mejor visualización posible de alguna novela post-apocalíptica que hayas leído, pero si fuera así ¿Cómo ha podido entrar este joven artista en tu mente? La explicación más lógica es que Yuri nos está contando una historia que comenzó en 2008 tras graduarse como pintor en la Moscow Academic Art Lyceum de la Academia de Bellas Artes de Rusia y pasar 6 años en la Universidad Surikov.



Aún no conocemos el final de esa historia, pero sí sabemos que Shwedoff nació en 1991 en Kyrgyzstan, que proviene de una familia de artistas y su inspiración de una mezcla de paisajes entre su tierra natal y su posterior adolescencia en Rusia, "en Kyrgyzstan vi preciosos paisajes, montañas y valles de aspecto casi cósmico. Y cuando me mudé a Rusia el paisaje estaba lleno de arquitectura post-soviética, edificios que parecían naves espaciales, paradas de autobús futuristas. Muchos de estos lugares se encontraban abandonados y olvidados, tienen su propia belleza. Todo esto me ha inspirado, ahora estoy intentando encontrar el perfecto equilibrio entre unos y otros." Y también sabemos que viendo el trabajo presente, lo mejor aún está por llegar y será absolutamente genial.

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El aspecto que más nos interesa de la moda es precisamente el que encarna House of Malakai, marca de identidad de su creador, dueño y señor: Malakai. No se trata de cosas sencillas y casuales, nos interesan los extremos y sus complementos están precisamente en ese límite entre moda y arte. Llevar un sombrero o una máscara de Malakai requiere de personalidad. Quizás es por esto que entre sus más famosos clientes se encuentren personajes como Beyonce, Rihanna o Madonna (en su más reciente show).



Aunque Malakai nació como tal en la escena underground de San Francisco, primero como artista de performance, director de arte y estilismo, modelo y DJ. Actualmente está dedicado al completo a su propia marca, centrada en la producción de joyería y decoración, con base en Bali, Indonesia. Su personal estilo bebe de influencias tanto de la historia del arte y la moda, como de la ornamentación ritual de las muy variadas tribus del mundo. Sin duda la mezcla de estos referentes y su modernización es lo que hace de esta una apuesta arriesgada pero exitosa. Ahora mismo está teniendo lugar la Paris Fashion Week, donde presenta su nueva Aviatrix Collection para la próxima temporada de Otoño/Invierno.

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