En Belio nos gusta dar una de cal y una de arena, tan pronto no ponemos conceptuales con una mancha en la pared como disfrutamos del más puro gamberrismo gráfico. ¿Adivina qué nos toca ahora? Sí, las ilustraciones del chileno Pablo Orrego, alias Pppaperrr, no solo sacan ese espíritu rebelde y freak que llevamos dentro, nos hacen recordar aquellos años del Sk8 or Die, es decir: cómics undeground cargados de humor negro, películas de serie B, rock y skate.



Los diseños de Orrego son perfectos para un sticker, una camiseta, el logo de tu banda hardcore-punk o electro, una marca de skate, el fanzine fotocopiado y grapado a mano o inundar internet de mensajes locos en formato gif animado rebosando colores ácidos, delfines y aliens. No busques más allá, la obra de Pablo es directa como un puñetazo en la cara, irreverente y cachonda, el fin de fiesta perfecto.

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En muchas ocasiones no necesitas una gran narrativa para contar una historia, especialmente en el arte. Un artista podría dedicar su obra entera a explorar cierto aspecto o teoría estética. Obras como las de Alejandro Almanza Pereda son fácilmente juzgadas a simple vista, pero aparte de ese aspecto de sinsentido equilibrando lo imposible, hay mucho más...



Como relata Alejandro en este vídeo, sus instalaciones son fruto de muy diversos factores que se entremezclan: por un lado la memoria sobre los objetos, por otro la reflexión sobre la permanencia en el tiempo de una obra, la valoración del momento presente y el fin de una obra, pero tampoco descarta cierto componente de juego, diversión, entretenimiento a la hora de crear desafiando la ley de la gravedad. Todo esto es el fondo de una obra que combina caos y orden del mismo modo que encuentra equilibrio entre belleza clásica y vulgaridad industrial.



Nacido en la ciudad de México, Almanza ha ganado reputación internacional a través de exposiciones en distintas ciudades de Sudamerica, Europa y especial en Estados Unidos, donde acaba de terminar su Master en Bellas Artes en la Hunter College de Nueva York. Actualmente se puede visitar su exposición individual Absence Makes The Heart Grow Fonder hasta el 19 de Diciembre en el Rubin Center de El Paso, Texas.

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Se acercan las fiestas navideñas y ya es tiempo de ir pensando lo que vamos a regalar y lo que queremos que nos regalen. En Belio nos encanta dar y recibir inspiración en forma de arte, así que aquí os dejamos algunas propuestas creadas por uno de los directores de la revista: Javier IA, también conocido como Gnosick.



La obra Rasalhague (Alpha Ophiuchi) representa la estructura oculta de la estrella mayor, la estrella Alpha, de la constelación de Ofiuco, el portador de la serpiente. Esta obra está impresa mediante risografía en cuatro tintas: amarillo, naranja fluor, dorado y negro, sobre papel offset de 210gr. Tiene tamaño A3 (420x300 mm.) y es una edición limitada a 50 copias, numeradas y firmadas.



Twisted Dimensions es una serie de obras que muestran otras dimensiones más allá de este plano tridimensional de existencia. A través de la superposición de diferentes patrones geométricos se explora la construcción de distintos efectos moiré que crean interferencias ópticas sobre el plano. Las tres primeras obras de esta serie forman un tríptico, aunque pueden ser adquiridas individualmente, y han sido impresas también por risografía a dos tintas en papel offset de 210gr. Cada obra tiene un tamaño de 300x300 mm. y son ediciones limitadas de 37 copias, numeradas y firmadas.



Por último pero no por ello menos importante, aún quedan las últimas copias de la colección de parches Ancient Aliens. Estas insignias, también creadas por Javier, están inspiradas en supuestos hallazgos arqueológicos de la cultura maya y cumplen la función de identificar a los miembros de las distintas misiones intergalácticas que serán recogidos por nuestros amigos de las estrellas en sus platillos volantes.

Las risografías puedes conseguirlas en la tienda on-line: gnosick.bigcartel.com
Y los parches puedes comprarlos en ancientaliens.bigcartel.com

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Hace poco, mientras veíamos un vídeo grabado en Chernobyl, meditábamos sobre la increíble capacidad creadora de la naturaleza, del planeta Tierra, en contraposición con la capacidad destructiva del ser humano. La conclusión a la que llegamos es que la naturaleza está muy por encima de nuestras acciones, y que precisamente toda esa contaminación humana solo significará la aniquilación de nuestra propia especie... ¿La naturaleza? Ella seguirá su propio curso y seremos olvidados. Con esto no queremos decir que no debamos cuidar del medio ambiente, sino hacerlo por nuestro propio bien y el de las generaciones por venir.

Uno de estos muchos problemas que hemos generado es la cada vez mayor invasión de plásticos que sufren los océanos y costas. Sobre este tema el fotógrafo mexicano Alejandro Durán ha basado su más reciente trabajo: Washed Up.



Esta serie de fotografías es un proyecto aún en proceso a través del cual quiere llamar la atención sobre esta contaminación y su efecto en las costas de la reserva natural de Sian Ka’an, México. Obviamente el efecto real no es tan estético, ni bello como en las fotografías creadas por Alejandro, el cual se ha dedicado a recolectar basura arrastrada por las corrientes oceánicas y organizarla por colores, creando composiciones estéticas desde un punto de vista visual... Sin embargo, dar un paseo por la playa es una experiencia estética en todos los sentidos, sin necesidad de sortear residuos, algo tendremos que hacer al respecto ¿No?

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La riqueza de la escena gráfica de Sudamérica en muchas ocasiones está ligada directamente con la riqueza ancestral de sus culturas. Nos fascina descubrir la obra de artistas que de forma sutil o más evidente pagan tributo a sus lejanos antepasados, a la tierra, a los rituales y las creencias que les han dado forma como sociedad. La obra del colombiano Jorge Lewis Morales está llena de totems modernos con claros referentes a animales y sus espíritus, seres mágicos y deidades que forman parte de una revisualización del folklore prehispánico.



Jorge terminó sus estudios en la Universitat Politècnica de Valencia, ciudad en la que actualmente reside, pero ha mantenido una prolífica carrera en su país de origen, así como en tierras vecinas, habiendo participado en exposiciones colectivas en Colombia, Argentina y México. En los últimos años, aparte de ejercer como profesor e ilustrador habitual para publicaciones periódicas y libros dentro y fuera de su país, Lewis ha estado centrado en su carrera artística, profundizando en su obra personal a base de lápiz, dando color a una cultura que sigue tan presente como la propia naturaleza.

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¿Obsesionado con las formas y patrones geométricos? Entonces te va encantar saber que el diseñador ucraniano Konstantin Kofta también ha caído en esa pequeña-gran fascinación. Precisamente su colección para este invierno titulada Platonic Solids está inspirada en esos cinco sólidos platónicos que son base de todo en el mundo físico. Y la historia continúa en su siguiente colección, la de primavera-verano 2015, con Inertia también inspirada en la geometría pero en tonos más luminosos y en ocasiones plateados.



El trabajo de Kofta se centra en complementos, especialmente bolsos, carteras y zapatos, y en el uso de cuero para la elaboración de piezas inspiradas no solo en geometría, también el cuerpo humano y la naturaleza han sido epicentro para colecciones como Roots, Hug y Born, así como las texturas y objetos industriales inspiraron su serie Exhausted. El propio Konstantin quiere marcar la diferencia, no diseña para ser moda, sencillamente crea a partir de contradicciones conceptuales, objetos con una gran vocación de convertirse en piezas de arte para llevar.

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Si sigues regularmente la actualizaciones de nuestro webzine, habrás notado que cuando se trata de fotografía tenemos cierta fascinación por una serie de temas como el paisaje industrial, la belleza dentro del error y/o lo casual, el retrato con carácter experimental y por supuesto, la representación de la naturaleza conectada con el ser humano. La personal obra de Weronika Izdebska, más conocida en la redes como Ovors, pertenece sin duda a este último tema que hemos mencionado.



Sobre estás líneas puedes ver uno de sus últimos trabajos en formato vídeo, se trata de un vídeo clip para el grupo de música Inqbator. Como podrás apreciar el aspecto más interesante y solido de este trabajo radica en su aspecto fotográfico, con ese aire misterioso, gélido, oscuro... No es de extrañar, pues el terreno en el que mejor se mueve Weronika es en la fotografía.



A continuación podéis ver más fotografías extraídas de distintas series, entre ellas nuestras favoritas son Jasmine, Woods, you're mine y Mjuk, con los impresionantes paisajes de Islandia como telón de fondo y protagonistas al mismo tiempo. Pero merece la pena ver al completo todas sus series directamente en su web. Allí nos cuenta que su obra "se centra en seres humanos. Emociones y sentimientos efímeros, espacios interiores, silencio". Quizás sea este el motivo por el que nos gusta tanto, porque no recuerda al efecto que la naturaleza tiene sobre nosotros.

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La creación de un buen logotipo va asociado a un nivel de madurez y capacidad de síntesis especial. No sé trata sólo de tener ciertas dotes con el manejo del vector o ser un diseñador con estilo. Crear una marca, una señal de identidad que resuma con estilo y personalidad un concepto, idea o mensaje es una de esas artes que aunque están vinculadas con el aspecto comercial del diseño gráfico, merecen una valoración más artística. El trabajo reciente del diseñador italiano Alberto Vacca, más conocido como Vacaliebres tiene precisamente ese toque, cada logo suyo es una obra de arte reducida a la mínima expresión.



Vacaliebres comenzó su carrera mucho más interesado en la ilustración artística, pero en estos últimos cuatro años su trabajo y estilo se ha ido sintetizando, especializándose en la creación de imagen corporativa, aunque sin perder su pasión por las texturas y ciertos aspectos fantásticos. Entre sus creaciones más destacadas se encuentran trabajos comerciales para Rioeddy, Pettirosso Handcraft, Scissor & Co. Barber Shop y One Eyed Jacks Coffee Pub, local inspirado en la serie Twin Peaks. Aunque también nos han llamado la atención sus trabajos ficticios, aquellos inspirados en series como True Detective o Breaking Bad.

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Hay algo fascinantemente hipnótico en el ruido blanco que emite un televisor sin sintonizar señal alguna, o en los aleatorios glitches producidos por una cámara digital defectuosa, o sencillamente en el intermitente latir de una luz cuyas conexiones eléctricas fallan en algún empalme... Ese fluir estético sin sentido ni orden es el caldo de cultivo para que almas sensibles, poetas, pequeños maestros zen urbanos y artistas visuales de todo tipo de pelaje encuentren inspiración. La alteración de este caos, ya sea a través de la recreación intencionada o de la aplicación de normas o patrones de conducta, son en parte la base de las obras del artista Barcelones Joan Saló.



Aparte de este caos organizado que se debate entre la perfección y el error, las obras de Saló juegan con otros dos factores interesantes, por un lado el color, alma de sus abstracciones, y por otro su técnica: bolígrafo sobre lienzo. El desarrollo de sus experimentos abstractos son una especie de test de paciencia y autocontrol. Actualmente es parte la exposición que recoge a los finalistas del Premio Lissone 2014, hasta finales de este mes en el Museo de Arte Contemporáneo de Lissone (Italia), aparte de haber expuesto en el último año, tanto individual como colectivamente, en galerías y centros de arte de España y Alemania.

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El primer pensamiento que atraviesa nuestra mente al ver la siguiente obra es: Azul Yves Klein. ¿Cómo un tipo de color ha podido quedar tan asociado a un artista? Pero no, la obra de nuestro protagonista de hoy no se limita exclusivamente a ese color. El segundo pensamiento es: Pintura, pero las apariencias engañan de nuevo, no se trata de pintura aunque podría serlo, sino de obra digital, vector intentando acercarse al realismo más puro. Estas son las nuevas obras de Jules Julien.



No es la primera vez que Jules se obsesiona con un color, antes fueron el rojo y el blanco, quizás está rindiendo su particular homenaje a la famosa trilogía cinematográfica de Krzysztof Kieślowski, pero no podemos asegurarlo, su juego es precisamente ese: el misterio. Y como bien sabemos el misterio, la falta de una explicación, crea interés. Sencillamente así son sus imágenes: minimalistas y mayormente simétricas. Si quieres indagar más, quizás sea una buena idea que vayas a ver la presentación de esta Blues Series: A Romantic Cluedo que inaugura la galería valenciana Espai Tactel el 14 de Noviembre.

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Lo malo de cuando algo se convierte en una moda es que llega un punto en el que la sobreabundancia de replicas e imitaciones hace más difícil encontrar y valorar aquellos que merecen atención. Con en el collage en la escena gráfica está pasando, llevamos ya un par de años de auge donde parece que al final todo vale. Pero no, y esto queda claro sin dejar lugar a dudas cuando descubres obras como las de Mac Premo, lo suyo es collage de otro nivel, dejando atrás el papel de fondo y abordando la tres dimensiones en forma de esculturas, objetos, cosas...



De hecho el mismo se define como "stuffmaker", así de sencillo y directo. Nacido en Washington en 1973, su vida se ha centrado en crear lo que fuera, unas veces con mejor o con peor suerte, así es la vida de un artista. Pero ahí está, con sus siete (¡sí, 7!) premios Emmy, entre los que se incluye mejor anuncio, mejor fotografía y mejor escenario, entre otros reconocimientos. Su labor se divide entre el mundo comercial, la ilustración y su obra personal como artista, el lado que más nos interesa.



Como puedes ver en este vídeo, sus obras en madera parten del concepto de collage para convertirse en bellas maquinas absurdas y objetos decorativos. Es innegable la huella de la gráfica publicitaria dentro de su obra, especialmente aquella que vivió en su infancia y juventud, lo cual añade un aspecto vintage y pop, también presente en casi toda la generación del Beautiful Losers. Sus cosas tienen alma humana, la suya, forjada a base de paciencia, trabajo, amor y pasión.

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Si te preguntas cuales son las tendencias actuales en materia gráfica te las podemos resumir en cuatro palabras: collage, glitch, tropical y policromía. O también podemos ponerte un ejemplo, la obra de Nick Thomm. Director, artista y diseñador gráfico de Australia, Nick es también el fundador de The Drop Studio y SRC783 Magazine.



Hoy se inaugura su exposición individual Tropic Glows en Castle Fitzjohns Gallery en Nueva York, donde presentará sus nuevas creaciones: impresiones sobre metraquilato transparente, banderas con estampados caleidoscópicos y colores ácidos, nuevos loops de vídeo en 3D y todo tipo de formatos y combinaciones para encarna la visión más fashion del Pop Art.



Tras haber expuesto en Melbourne, Londres y Hong Kong, ha llegado la hora de su primera exposición en la Gran Manzana, ciudad donde reside actualmente, y el próximo año le esperan exposiciones en Sydney y Tokyo. El secreto del éxito de Thomm se basa en una sobrecarga de colores y elementos icónicos de la sociedad de consumo combinados a su manera, que tan bien puede funcionar como portada de un disco, full-print en una camiseta de moda, póster en la calle o en una galería. Su propuesta no plantea mayores preguntas, sino una sencilla cuestión de gusto, estilo y consumo, más atractiva que nunca.

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Entre todas las voces y gritos que claman atención, que intentan comunicar su propia versión de la realidad, en Belio a veces funciona el clásico e.mail, como en el caso de Ricardo González García, quien nos hizo llegar la información de su nueva exposición, Background. Sin necesidad de explicación alguna, su obra es esa aguja en el pajar que cada mucho tiempo nos encontramos y que conecta con aquello que nos gusta transmitir sobre la realidad y sus múltiples capas.



Partiendo del dibujo, pasando por la pintura, la instalación y finalmente el vídeo, Ricardo ha construido un concepto que no solo enmarca el conjunto de su obra y sus obsesiones, también nos desvela su visión de este mundo y del arte, un mundo de ilusión, de paisajes, decorados, arquitecturas efímeras y artificios que se sostienen en la creencia o engaño colectivo. Su obra es una invitación a mirar detrás del telón, pero también una recreación y reinvención de dichas estructuras, no solo de la sociedad, también de su universo personal.

Licenciado en la Universidad de Bellas Artes de Salamanca, Ricardo González (Santander, 1976) ha sabido digerir el deconstructivismo gráfico de los años noventas y hacer suyo un lenguaje de capas que lleva al terreno del arte de forma estética y conceptual. Esta es sin duda su exposición más ambiciosa, para la cual ha contado con el apoyo del Gobierno de Cantabria y Caja Cantabria, y se puede visitar hasta el día 28 de Noviembre en el centro de arte CASYC.

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Ya estamos otra vez en esa fecha del año en la que se celebra la vida y la muerte como un ciclo, dependiendo de dónde vives y qué cultura te ha tocado vivir, o has decidido abrazar, dicha celebración puede tener un carácter más o menos festivo, tétrico, divertido o triste. El Día de Todos Los Santos, el Día de Muertos, Halloween o como quieras llamarlo. Con los años hemos aprendido que amar la oscuridad es lo mismo que amar la luz, por esto mismo nos gusta mantener viva esa fascinación por los oscuro, lo misterioso... Como resulta la obra del pintor griego Vasilis Avramidis, quién recientemente ha formado parte de la exposición The Future Can Wait organizada por Saatchi como representación de lo que ellos llaman New Sensations.



No hay mayor miedo que aquello que nos es desconocido, las sombras que ocultan la verdadera naturaleza de las cosas. Vasilis se ha especializado en dominar el binomio luz / sombra y juega con él, también con el binomio naturaleza / arquitectura, para así ofrecernos imágenes surrealistas donde se desdibujan los límites entre seres humanos, arboles, casas, raíces, alegorías, escaleras... Sus paisajes invitan a explorar linterna en mano aquello que se oculta en nuestro subconsciente, y para ello no hay opción, ni truco, ni trato.

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La realidad con todas sus vueltas, cambios de sentido, curvas, cuesta-arribas y cuesta-abajos se parece más bien a una montaña rusa. Su experiencia puede resultar terrorífica, si dejamos que el miedo nos embargue, pero también se puede convertir en algo divertido, todo depende la perspectiva, como siempre. Por ejemplo, si dejáramos que fuera Paul Hiller quien nos la mostrara a través de su objetivo seguramente nos quedaría una sensación placentera, dulce y hasta nostálgica.



Esas sensaciones que nos producen las fotografías de Paul son precisamente generadas a través de una medida sobrexposición de la realidad y un cuidado uso del color. Entre sus temas preferidos a la hora de fotografiar se encuentra el paisaje urbano, pero sobretodo los parques de atracciones. Lugares generalmente ruidosos que en sus fotos parecen paraísos de la felicidad y la tranquilidad. Esta es sin duda su serie más celebrada, para la cual ha recorrido parques en lugares tan distantes y fascinantes como Coney Island, Yokohama, Tokyo, Bejing, Bottrop y Kalkar. Hiller terminó recientemente sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Munich, pero ya es considerado una de las promesas dentro de la fotografía alemana, será no solo por la calidad, sino también por la calidez emotiva de su trabajo.

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No en pocas ocasiones nos deleitamos observando como surgen y crecen los nuevos brotes, como si de una seta mágica se tratará, nos encanta esperar, imaginar cuan lejos podrían llegar y antes de que se abran completamente y suelten sus esporas, los recolectamos, los mostramos y así esperamos que esas esporas, su genialidad, pueda llegar aún más lejos, inseminando otras mentes con nuevas ideas, contactos, quizás trabajos, quizás éxito, quizás nada, quizás todo... Es nuestra forma de contribuir a un mejor mañana. Por lo tanto, ha llegado el momento de mostrar en nuestra página la obra de Edward Carvalho-Monaghan, al cual seguíamos desde principios de este año.



Aunque es casi un recien llegado a la escena gráfica, Monaghan ya tenido ocasión de trabajar para Adobe, Gather.ly, Secret 7, Brunswick Review, Printed Pages y Form magazine. Su obra está obviamente polinizada con referencias a la psicodelia y el pop, The Yellow Submarine emerge en nuestras mentes, pero Edward se siente más cercano a la obra de Alejandro Jodorowsky, y seguramente sus referentes no solo proceden de finales de los sesentas, también de toda esa nueva ola de neo-psicodelia que hemos visto surgir en los últimos años, no solo en arte (ver Belio 032), también en música con The Flaming Lips, Animal Collective, Mercury Rev, Tame Impala, etc.

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Al observar la obra de Tom Ormond una especie de corriente eléctrica recorre nuestros nervios, no es una sensación física, sino algo cercano a una experiencia mística, similar al momento en que reconoces que acabas de encontrar una pieza del puzzle que llevas dentro. Y todas esas obsesiones con formas geométricas, experiencias extrasensoriales, el origen de la inspiración creativa e incluso sobre otras formas de vida con inteligencia superior, parecen tener sentido. Y es que la obra de Ormond podría ser reflejo de todo esto.



Para algunos, los cuadros de Tom son una especie de cruce entre la pintura de paisaje y la ciencia ficción. Y en cierto modo así es, pero siempre depende del prisma con el que se mire. Nuestros preferidos son sus más recientes cuadros que simulan una especie de estudio, quizás el del propio Ormond, y extrañas estructuras luminosas que parecen descender (o ascender) entre obras allí representadas. Sin duda, una alegoría de la creación en estado puro, una especie de sueño dentro de otro sueño donde el creador se ha hecho uno con su obra.

Nacido en Derbyshire en 1974, Tom reside y trabaja actualmente en Londres, donde ha presentado sus más recientes obras dentro de la exposición colectiva The Future Can Wait, anualmente organizada por Saatchi para presentar lo que llaman New Sensations y de la que ha formado parte también en 2012 y 2013. Pero... ¿Tú también estás viendo lo mismo que nosotros?

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Afirmar que los japoneses son maestros en muchas disciplinas artísticas es una obviedad, especialmente cuando se trata de de combinar armonía, minimalismo y sutilidad. La obra de Toshitaka Aoyagi es un perfecto ejemplo de experimentación con luz, sombra, color, textura y dimensiones varias. Experimentos contenidos, equilibrados, dominados a su voluntad para crear una experiencia estética reflexiva, casi meditativa...



La quietud y armonía estética transmitida a través de series como Scratch, Colors, Aqua, Translucent o Bokeh, entre muchas otras, se basa en la simplicidad, no solo a la hora de escoger un título, también a la hora de jugar con un concepto y llevarlo a uno y mil resultados interesantes. Su técnica se basa en explorar las cualidades de distintos tipos de superficies y sus capacidades para contener, reflejar o transformar la luz y con ella la experiencia perceptiva.

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¿De qué sirve enfrentarse cada día con un papel en blanco, con una pared gris o un fichero vacío? ¿Qué importancia tiene obstinarse por sacar afuera lo que llevamos dentro? y sobre todo ¿Cuando es el próximo Big-Bang? Cada uno lleva dentro un universo indescriptible, y en el caso de los artistas, ese universo personal busca expandirse, a ser posible sin límites. Y aquí tenemos a Deih, ilustrador y artista urbano de Valencia con potencial de Big-Bang de colores.



Pero sobre todo, lo que de verdad mueve a Deih son las ganas de explorar ese lado oscuro, el que está dentro y el que está más allá en el espacio exterior, que en el fondo son lo mismo. De la misma forma que explora un papel, explora un muro de grandes dimensiones, solo o con su escuadrón XLF, en el anonimato de la noche, en una galería o en un festival. Lo suyo es un viaje continuo entre la ciencia ficción y el cómic, marcado por la dirección apuntada por otras estrellas como Jean Giraud / Moebius, Jack Kirby o Katsuhiro Otomo. Pero Deih tiene su propio mapa, su propia ruta y si los demás queremos ser testigos, habrá que seguirle de cerca, pues su universo ha empezado a expandirse y podría estallar en cualquier momento...

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El concepto "Marca España" en lugar de un buen marketing se ha convertido en sinónimo de todo lo peor, gracias a unos políticos que nada hacen en pro de su país, sino todo lo contrario. Pero dejando a un lado la política, existe una España que a pesar de los tiempos mantiene una identidad, lo que se ha venido a llamar España profunda es precisamente esa marca auténtica: un país árido, surrealista, esperpéntico, cálido, poético y lleno de detalles preciosos e historias por contar. Así mismo son las fotografías de Polgaroid.



Pato Hernán, a.k.a. Polgaroid, es un fotógrafo de Zaragoza obsesionado con la fotografía analógica, es decir, por el uso de película, polaroids y especialmente el medio formato. Su obra nos revela la gran capacidad de observación de Pato y cierto sentido nostálgico a la hora de capturar la realidad que le rodea, especialmente presente en sus series N-II (homenaje a la carretera nacional que une Madrid con el paso fronterizo de Els Límits) y Monegros. Sus fotografías nos permiten viajar por carreteras desiertas y parar en lugares por los que parece que no ha pasado el tiempo, abriendo así puertas a nuestros recuerdos del pasado. En realidad nada se ha perdido, esos recuerdos, esa España sigue estando ahí, como raíces bien agarradas a la tierra.

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