Las fechas que se aproximan, las Navidades, son también época tradicional de cuentos. Será por el frío y el placer que produce estar en casa bajo una manta con un libro. La literatura es una de las artes más efectivas cuando se trata de inspirar la mente humana. Sin embargo es bueno tener la ayuda de ciertos creativos gráficos, compartiendo su imaginación con todos los demás, dando forma a las fantasías colectivas. El maestro de ceremonias del cuento de hoy en Belio es el joven Sergio Santurio.



Original y residente de Gijón, Sergio siempre ha dejado que su verde entorno influya su obra, siendo así la naturaleza la raíz de todo su universo fantástico. Empezó dibujando de niño para más tarde, de adulto, convertirse en un artista polifacético. Ilustración, escultura, fotografía y vídeo dan forma física a su obra. O quizás deberíamos decir que dan forma física a los seres increíbles que solo se muestran a personas sensibles y con paciencia. Su historia, su paso por galerías, por La Casa Negra de Soto de Dego o su más reciente residencia en La Casa del Reloj de Gijón, solo pueden apuntar a nuevos y emocionantes capítulos por venir.

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El pasado jueves de 3 de diciembre se inauguró To Be Determined, la primera exposición individual de Robert Hardgrave en Europa. La muestra, comisariada por Javier Iglesias de Belio Magazine, se puede visitar hasta el 9 de Enero en Swinton Gallery, Madrid.



Un valiente explorador de mirada sincera. Robert Hardgrave es más que un artista americano con una larga e interesante trayectoria. Su arte está inseparablemente unido a su experiencia de vida. Ambos están marcados por importantes capítulos con estilos bien definidos, diferentes entre ellos pero unidos a través de una evolución tranquila y consciente.

Nacido en Oxnard, California, Hardgrave ha hecho una importante contribución a las artes visuales de la costa noroeste de Estados Unidos durante más de una década. Finalista en 2014 del Premio Neddy de Pintura en la Universidad de Bellas Artes de Cornish y nominado en el mismo año al Premio de Arte Contemporáneo del Noroeste por el Museo de Arte de Pórtland, Robert ha mostrado su obra en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en Seattle, Los Ángeles, San Francisco, Denver, Chicago o Nueva York. Esta es su primera exposición individual fuera de Estados Unidos.



La obra de Hardgrave recorre el camino de la figuración abstracta a la abstracción figurativa. En ese recorrido recoge influencias de las vanguardias artísticas, de manera que en sus obras podemos encontrar elementos cubistas, expresionistas y dadaístas. En realidad, no hay un solo camino para Hardgrave, solo libertad. Robert trabaja y se deja llevar por la técnica, se expresa en cualquier dirección que esta le lleva. Explora, se pierde y encuentra un nuevo camino, una nueva técnica, una nueva expresión, pero en realidad, tampoco es nueva, era suya y estaba ahí esperando a ser reencontrada.

En esta exposición Hardgrave nos muestra sus últimos pasos, su última reencarnación artística, a través de dibujos de pequeño formato y collages de grandes dimensiones realizados a base de prodigiosos transfers de tóner sobre Tyvek, un tipo de papel muy resistente hecho a base de fibras de polietileno de alta densidad.

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Hay artistas como Olafur Eliasson que sabemos van a volver a nuestras páginas una y otra vez. No solo porque nos declaremos fan absolutos de su obra y discurso, también porque son el tipo de artistas que siguen desarrollando una carrera interesante, expandiendo su universo creativo con cada oportunidad que se les presenta. Es precisamente lo que sucede cuando Eliasson recibe la invitación para realizar una exposición en el Palacio de Invierno del Principe Eugenio de Saboya en Viena, allí presenta Baroque Baroque.



Siendo este palacio una joya de la época Barroca, Olafur busca y encuentra la mejor manera de jugar con el espacio y crear una muestra que no solo representa la esencia de su obra, sino que también se adapta en perfecta simbiosis a un entorno tan complejo como puede ser un marco de este estilo. Como ya sabes, el Barroco se caracteriza por el exceso de ornamentos, una sobrecarga visual que Eliasson ha sabido dar la vuelta y hacer que juegue a su favor, en lugar de llenar, ha creado un conjunto minimalista y elegante donde la geometría, la luz y los espejos añaden una dimensión extra, devolviendo magia y esplendor a una época pasada.

La exposición Baroque Baroque se puede visitar hasta el día 6 de Marzo de 2016.

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Fotos: Jens Ziehe, Cortesía de Studio Olafur Eliasson.

Cuando miramos las ruinas que nos dejaron antiguas civilizaciones no podemos evitar pensar en qué dejará nuestra sociedad detrás…Y cómo lo verán los exploradores del futuro. A través de la literatura, del cine y de obras como las de Michał Karcz podemos imaginarnos en esa posición. Aunque en su caso, esa inspiración viene en gran parte de la música. Por esto mismo, muchos de sus trabajos más destacados han sido como portadas de discos para artistas como Steve Roach, Front Line Assembly, VNV Nation, The Glitch Mob, etc.



Nacido en Polonia en 1977, Karcz empezó su carrera en el mundo de la fotografía en los noventas, dejando a un lado su gran pasión por la pintura. No ha sido hasta hace unos años cuando ha visto unidas sus dos pasiones, gracias a los medios digitales, su destreza en pintura no solo le ha servido a la hora de crear un visión distinta del mundo, también técnicamente le ha llevado a conseguir el realismo que sus obras de ficción consiguen. Las obras de Michał nos muestran paisajes increíbles, escenarios perfectos donde desarrollar nuestra capacidad para imaginar historias épicas.

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No es ninguna novedad afirmar que el ser humano es capaz de todo lo mejor, pero también de todo lo peor. Quizás la auto-proclamada "inteligencia" sea la responsable de todo lo paradójico en el ser humano. Hablar sobre esta paradoja es un tema profundo, inabarcable, la relación de las partes que nos hacen lo que somos, sentimientos y maneras de ser y actuar en contra de nuestra propia naturaleza se ejemplifican en todo tipo de eventos, afortunados y desafortunados. El arte es quizás una de esas consecuencias positivas, que además nos permite retratar esa misma paradoja… Y aquí es donde la obra de Jon Rafman entra en juego.



Se ha dicho que la obra de Rafman se centra en el post-internet, en el impacto que la tecnología ha tenido sobre el ser humano y su conciencia, y así es, aunque quizás esto sea la superficie de un problema inherente. Al hablar de la virtualización y desvinculación del individuo con la sociedad a través de la conexión con internet, Jon retrata el lado oscuro del ser humano, su naturaleza adictiva, enferma y antisocial. Su obra escarba en los pozos negros que todos tenemos y de todo ello construye arte en forma de vídeos, pinturas, esculturas, ensayos e instalaciones. Obras que no son del gusto de todos los estómagos…



Fue a través de su vídeo Still Life (Betamale) en colaboración Oneohtrix Point Never que descubrimos su obra, especialmente en vídeo, piezas como Mainsqueeze, 2014, A Man Digging, 2013 o su más reciente Sticky Drama, otra vez con OPN, representan el mundo según Rafman. Actualmente se puede visitar su primera gran exposición en solitario en Inglaterra, hasta el 20 de Diciembre, Jon Rafman en la Zabludowicz Collection ¡Visita obligada!

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La segunda parte de nuestro reportaje sobre la recientemente clausurada 56ª edición de La Biennale di Venezia esté dedicada a los países y artistas presentes en el espacio denominado Arsenale, un histórico complejo arquitectónico utilizado como antiguo almacén de armas.

Allí se encontraba gran parte de la exposición comisariada para la ocasión por Okwui Enwezor, que bajo el título All the World’s Futures presentaba perspectivas actuales en el arte. Quizás se puedan interpretar visiones de un posible futuro, las cuales en su mayoría se acercan más a la distopía que a una utopía. Así sucede con obras tan destacables como los neones de Bruce Nauman, las esculturas industriales de Melvin Edwards y Monica Bonvicini, la siempre genial Katharina Grosse, o escultura y vídeo "The AK47 Vs. the M16" de The Propeller Group.

En cuanto a los países presentes en esta parte de la Biennale, las propuestas que mas llamaron nuestra atención fueron China, Argentina, Singapur y Latvia. La representación de Italia, a pesar de ser la anfitriona, dejó que desear más sangre fresca, cuyos artistas parecían encorsetados por un tema tan clásico como es la revisión del Codice, sobre el conjunto sobresalían las obras de Alis/Filliol, Marzia Migliora y Nicola Samorì.

PABELLÓN PRINCIPAL: All the World’s Futures


The Propeller Group

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Bruce Nauman


Bruce Nauman


Monica Bonvicini






Katharina Grosse






Melvin Edwards



ARGENTINA: Juan Carlo Distéfano "La Rebeldía de la Forma"












LATVIA: Katrïna Neiburga y Andris Eglïtis








CHINA: Xu Bing "Phoenix Project"








CHINA: Lu Yang












Fotografías por Silvia Pasquetto

Hablar de arte y hablar de La Biennale di Venezia es indivisible. Es decir ¿Qué amante del arte no ha estado o ha querido pasar por alguna de las 56 ediciones de semejante evento internacional? Una muestra donde cada dos años, una gran selección de países (89 en esta ocasión) envían sus mejores representantes en arte. Aparte de la exposición central que bajo el título All the World’s Futures ha comisariado Okwui Enwezor para esta edición. La muestra se expande por toda Venezia, pero se concentra especialmente en dos espacios: Giardini y Arsenale.

En la primera parte de nuestro reportaje nos centramos en el pabellón central y los países congregados en Giardini. Donde, a nuestro juicio, destacan las propuestas de Serbia, la República Checa, Urugay, Suiza y Japón que dedican el espacio a un solo artista contemporáneo, los cuales plantean una única propuesta, en ocasiones crítica, en otras conceptuales sobre la identidad de su propio país o sobre temas internacionales que encuentran en la Biennale el mejor marco para plantear preguntas y despertar conciencias.

Otros países, como es el caso de España, Alemania o Rusia prefieren apostar por una combinación de distintos artistas que van desde reivindicar glorias pasadas (España presentando a Dali, por favor…) a mostrar la sangre nueva (España representada por el siempre transgresor Pepo Salazar ¡Enhorabuena!).

Entre las obras que forman parte de la exposición central, destacamos las instalaciones de Thomas Hirschhorn y Adrian Piper, así como las esculturas totémicas de Huma Bhabha y especialmente las muy presentes obras de Wealed Beshty, una versión real en cerámica del tan de moda mash-up en 3D que inunda las tendencias en gráfica y vídeo.

SERBIA: Ivan Grubanov "United Dead Nations"


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SUIZA: Pamela Rosenkranza "Our Product"






REPÚBLICA CHECA: Jirí David "Apotheosis"








JAPÓN: Chiharu Shiota "The Key in the Hand"








RUMANÍA: Adrian Ghenie








REINO UNIDO: Sarah Lucas




ESPAÑA: Pepo Salazar




RUSIA: Irina Nakhova




ALEMANIA: Hito Steyerl




PABELLÓN CENTRAL: All the World's Futures


Adrian Piper






Wealed Beshty


Wealed Beshty






Huma Bhabha




Thomas Hirschhorn




Tetsuya Ishida


Tetsuya Ishida


Fotografías por Silvia Pasquetto

Al mirar al pasado, uno de los muchos buenos recuerdos que tenemos en Belio es la publicación del libro de Btoy (DY002), esa sensación mágica, aun presente, de tener en nuestras manos un pedazo de universo único, creado por las mentes y la imaginación de Andrea Btoy e Ilia Mayer. Desde entonces muchas cosas han pasado, en la vida de Belio, de Andrea y de Ilia… Sobre ellos, empezaron caminos separados pero paralelos. Andrea perfeccionando su técnica de stencil hasta puntos insospechados, e Ilia… Bueno, ha seguido perdiéndose magistralmente en su mundo. Ambos han demostrado tener calidad y contenido para llenar cada uno su propio libro. Sin duda, algo que nos encantaría ver…



En el caso de Ilia Mayer, es fascinante ver el camino en espiral, las vueltas aquí y allá de su trayectoria artística. Ilia nunca ha tenido prisa, su obra ilustrada se ha ido desdibujando, descomponiendo, para luego dejarse infectar de fantasía pop y reencarnarse en si mismo, sus más recientes obras siguen siendo él, pero al mismo tiempo son un "nuevo yo”, más auténtico si cabe. En ellas siguen estando sus personajes, solitarios aventureros que han ido encontrando nuevos compañeros de viaje y de peleas, peleas nobles en todo caso. Su universo de cuento sigue brillando, últimamente bajo cielos estrellados de salvajes acuarelas.



Aunque es difícil conseguir que Mayer desvele al público la totalidad de su magia, sabemos que ese universo tiene imagen y sonido, una banda sonora que la buena gente del sello Disboot han conseguido plasmar en vinilo muy recientemente. Sobre estás líneas podéis escuchar su concierto de presentación en Miscelanea (Barcelona) el mes pasado. Y a continuación podéis ver los paisajes mentales donde esos sonidos fueron grabados, ese lugar donde se mezclan los cuentos.

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Por favor, olvídaros ya de términos como “videojokey / vj” o “técnico de luces”, a no ser que aún vivas con la tecnología de los 80’s. Estamos en pleno 2015 y la tecnología existente ha posibilitado todo tipo de híbridos lumínico-visuales a su vez combinados con música y arquitectura, todo en uno. Uno de los muchos colectivos de artistas que trabajan en este campo son los rusos Tundra, repetimos: uno de muchos, pues cada vez es más habitual que artistas visuales tomen el escenario para presentar espectáculos donde luces y vídeo son los auténticos protagonistas, acompañados de música o sencillamente llenando bastos espacios industriales.



El año pasado ya seleccionamos una de las instalaciones de Tundra, My Whale, entre las piezas más destacadas de vídeo arte de 2014. Y tras ella han llegado muchos otras instalaciones: Hyperjump para la Saint Petersburg State University, Powwow para la clausura de la exposición Motive for Peace, o Epicenter (el cual podéis ver a continuación) junto a SilaSveta para el 7º aniversario de ARMA17.



Como colectivo Trunda cuenta con distintos artistas, aunque generalmente sus proyectos son fruto de las mentes de Alexander Letcius, Alexander Sinica y D-Pulse, en su misión por “crear espacios y experiencias, donde sonido, visuales y emociones trabajan al mismo son”. Y es que festivales de música electrónica y/o experimental cada día prestan más atención a este tipo de propuestas artísticas que no siempre tienen cabida en los clubs.

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En la vida como en el arte, muchas veces no se trata de grandes principios, sino de constante desarrollo, fidelidad a uno mismo y dejar que la obra, en este caso, crezca de forma natural. Al ver las mega instalaciones de Crystal Wagner el observador tiene que ser consciente de que está viendo el resultado de una carrera construida a base de muchos escalones, desde las ilustraciones, o sus cajas (nuestras favoritas) con sus esculturas en papel, hasta sus masivas estructuras cubiertas de trozos de tela. Se puede apreciar como el universo de Wagner es siempre una misma visión, vista desde miles de ángulos, posibilidades y resultados distintos.



Lo que vemos aquí y ahora, las obras que salen publicadas en revistas como Juxtapoz, Hi-Fructose, New York Times, Catapult Art, Beautiful Decay, etc. Sus más recientes trabajos comisionados para The Flaming Lips, para la marca de snowboards GNU, Nike o Viacom, o sus multiples shows en todo el mundo, de forma individual y colectiva son solo fruto de una obsesión personal con llevar el mundo de las dos dimensiones a una tercera, un trabajo constante por dar rienda suelta a una imaginación colorida, orgánica y abstracta. Solo el año que viene tiene ya programadas cuatro exposiciones individuales en galerías y museos de Estados Unidos. Suma y sigue… Big… Bang…

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Aunque su nombre suena a santidad, seguramente la obra de Apollonia Saintclair no sería bendecida por la Iglesia Católica, de hecho, seguramente no será lo más apropiado para ver en el trabajo al lado de tu jefe o compañero (ya sabes: NSFW), aunque probablemente cada uno en su intimidad compartís esos mismos deseos, obsesiones, secretos y sueños. Apollonia sencillamente los hace realidad, los ilustra y quién sabe que más…



No hay mucho que se pueda decir con certeza sobre ella, aparte de su statement: “La tinta es mi sangre. Dibujo por mi bien y para tu placer. Residente desde hace un largo tiempo en el Viejo Mundo, divido mi tiempo entre la cocina y el estudio.” Su obra ilustrada va del erotismo al surrealismo pasando por el SM y la estética fantástica siempre con un toque sensual y casi exclusivamente femenino. Las obras que hemos querido recopilar y destacar en Belio son quizás aquellas más cercanas al mundo de los sueños, húmedos, por supuesto. Pero su obra merece un mejor vistazo, a mayor tamaño y en profundidad... siempre.

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En estas fechas tan señaladas para los amantes de la nocturnidad, nosotros también queremos unirnos a esta festividad de carácter oscuro en la que se celebra la muerte y se recuerda a aquellos que ya no están con nosotros. No es que seamos fans del marketing Halloween-made-in-USA, pero si de la estética esotérica, ritual, ocultista y por qué no, gótica, que de vez en cuando asomamos entre todo el contenido de Belio. Lo cual no tiene nada que ver con ese concepto tan católico de la muerte como algo terrible y triste, sino como el misterio que es, una puerta al más allá donde nos esperan aquellos seres queridos que emprendieron el viaje antes que nosotros (para el que quiera creer).



El artista que os queremos presentar hoy es otra especie de misterio en si mismo, no sabemos de dónde viene, qué hace o a dónde va, solo sabemos que Miguel A. Cuesta es un joven fotógrafo de Málaga con una fascinante visión que bebe de los clásicos de terror, creando imágenes icónicas, generalmente en blanco y negro. Sus fotografías encarnan los miedos y las supersticiones estereotípicas del genero, con ese toque romántico, bello y elegante que solo la ausencia de luz puede enmarcar.

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La pintura es una de la expresiones artísticas más antiguas, obviamente, aunque seguramente sus orígenes no fueron por motivos estéticos, sino por su carácter ritual. Un carácter que de un modo u otro sigue presente en la pintura: el hacer realidad una visión. No se trata de hacer una visión lo más realista, sino quizás lo más simbólica posible. Y es precisamente ese código de símbolos el cual se mantiene fiel a sus orígenes. Las obras de Daniel Mochi no son un homenaje a ese mundo tribal e indígena, son parte de esa naturaleza humana.



Nacido en Argentina y afincado en Buenos Aires, Mochi nos recuerda a través de su pintura que todo ser humano pertenece a una gran raza. Si el arte es una expresión del individuo y su entorno, el entorno de Daniel es un contexto global que bien podría conectar con las pinturas ancestrales de América del norte, de Sudamérica, África u Oceanía. Pero su viaje visual no solo nos muestra las semejanzas entre distintas culturas, también nos muestra el paso del tiempo y la evolución, desde la figuración (sus primeras obras se encuentran más cercanas a la ilustración) a la abstracción, liberando el color sobre el lienzo, cada día un paso más universal.

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Hace poco leíamos en un magazine online su lista de los 10 mejores “VJ” actuales y obviamente el problema de hacer este tipo de listas es: 1. Caer en los tópicos y las obviedades aunque estén fuera de género, dejando así entrever la poca cultura que sobre el genero visual (aparte del uso “actual” del termino VJ) y los artistas visuales tiene el ejecutor de tal lista, y 2. Dejar fuera auténticos genios del medio, no por ello menos destacados o conocidos. Este es el caso de Transforma, los cuales han aparecido en nuestra sección de vídeo casi con cada proyecto que han realizado y que siempre han merecido una mayor atención, al menos en Belio.



Formado por Luke Bennett, Baris Hasselbach y Simon Krahl en 2001 y con sede en Berlin, Transforma han trabajado para artistas de la talla de Apparat, Martin Gore, Dieter Meier, Alex Banks, Chloé y más recientemente con Yro para su proyecto Bsynthome (cuyo vídeo podéis ver más abajo), y han participado en festivales como FAD Festival de Arte Digital en Belo Horizonte, Art.Ware Festival en Hong Kong, Sequences Festival en Reykjavik, CTM Festival y Atonal en Berlin, o L.E.V. Festival en Gijón. Aparte de su faceta visual relacionada con la música, han trabajado para cine, teatro y todo tipo de eventos artísticos, siempre dejando un marca propia inconfundible.



La marca Transforma de la que hablamos es un estilo basado en lo orgánico hasta límites insospechados, sus instalaciones, performances y sets de visuales se basan en el concepto de live cinema, es decir, generar absolutamente todo en directo a través del uso de cámaras, mesas de luz, mezcladoras de vídeo y experimentos con todo tipo de materiales, lentes, luces y superficies. El resultado es un mundo abstracto y al mismo tiempo real, con una estética entre la esterilidad científica y la mística de la alquimia. Sus performances son una continúa demostración de creatividad, y también de que el camino al futuro no siempre pasa por la sobre-tecnificación y la virtualidad digital, sino por echar un vistazo y revisar el pasado.

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El que no se atreve a mirar más allá, nunca podrá revelar un nuevo yo, una nueva dimensión, o sencillamente una nueva obra que transcienda. El trabajo de creación a un nivel personal, sin un cliente o una obligación de por medio, es una prueba de fuego para valientes. Ya sea en el campo gráfico como en cualquier otro terreno artístico con salidas comerciales, el avant-garde se genera en esas areas del no-tiempo y el no-espacio que surgen en el momento puro de la creación, independiente, experimental y apasionado… Son estás las características que vemos en la obra de Anthony Gargasz.



Gargasz es un creador gráfico de Los Angeles que en su breve pero exitosa carrera ha trabajado ya con Adobe, Nickelodeon, Paramount Pictures, Sony Pictures, Netflix, etc. ¿Su secreto? “Empecé joven y nunca paro”, así lo resume Anthony. Pero precisamente lo que le convierte en quién es, no es su CV, sino su apasionada creación personal, la que difunde en las redes sociales, en sus webs… Pura creación 3D desdibujando los límites de la realidad, explorando la forma y el color. Si nos gusta su obra es porque nos recuerda una vez más la importancia de crear por crear, por pura necesidad e inquietud personal, haciendo realidad sueños.

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A veces nos preguntamos por la visión global que ofrece el prisma de Belio sobre el arte, es decir, qué imagen y qué mensaje transmiten los artistas que publicamos. Sin duda hay un hilo conductor que reúne nuestras inquietudes, y que va de la ciencia y la tecnología al mundo espiritual, mágico y fantástico, de un extremo a otro la línea está compuesta por puntos, puntos de luz que conectan este extraño universo. Por esto mismo, al descubrir la obra de Carol Prusa sentimos que su obra es otro nodo importante en esta especial red de comunicación.



Como puedes ver en esta entrevista de la University of Wyoming Art Museum, la obra de Prusa bebe de una profunda inquietud por el mundo a todos los niveles. La química, la geometría y las matemáticas se ven representadas en los fractales, la naturaleza, en la historia del arte y por supuesto, también en todo el simbolismo conectado con la espiritualidad. De la misma forma, la formación de Carol tiene esa inspiración renacentista, la de artistas que conocen y estudian de ciencia y arte a partes iguales.



El resultado son obras generalmente esféricas o semiesféricas, con dibujos a punta de plata, instalaciones de vídeo y fibra óptica. Sus más recientes creaciones se exponen actualmente en Alan Avery Gallery (Atlanta), la exposición Unfathomable se puede visitar hasta el 7 de Noviembre.

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Las expresiones artísticas que recogemos en Belio suelen estar desvinculadas con factores económicos o de éxito con respecto al mercado del arte. Lo que nos mueve es la expresión vinculada a la pasión, aquello que lleva a un individuo a crear algo por pura necesidad de expresar una idea, un momento… O quizás muchos momentos recogidos en una sola imagen. Este es el caso de Michał Małkiewicz y su pasión por la fotografía, más concretamente la solarigrafía.



Małkiewicz es un diseñador gráfico y programador web profesional afincado en Berlin, pero lo que le convierte en una creador singular es su combinación de fotografía analógica, doble-exposiciones y solarigrafías, una técnica que utiliza papel fotográfico y una cámara estenopeica para captar imágenes que recogen el recorrido diario del Sol por el cielo mediante tiempos de exposición especialmente largos, llegando incluso a meses. El resultado son imágenes misteriosas y con cierto aspecto surreal que permiten observar el paso del tiempo a bordo de este planeta en todo su esplendor.

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Seguramente no estaríamos hablando de Twoone si fuera solo por su trabajo de calle. No te confundas, nos encantan los grandes murales de este, otro artista urbano. Pero lo que nos resulta realmente interesante de la obra de Hiroyasu Tsuri es su más reciente trabajo de estudio, donde experimenta con las herramientas (sprays por supuesto) sobre todo tipo de formatos, soportes y combinaciones técnicas.



Precisamente lo que hace de Hiroyasu, a.k.a. Twoone, un artista un paso más allá de la escena urbana es su faceta plástica, la muy personal combinación de spray y espátula sobre cristal combinado con luces fluorescentes. Esta especial manera de trabajar saca a relucir, nunca mejor dicho, su estilo en estado bruto. Un estado medio crudo que permite ver el talento en un gesto a la hora de dibujar.

De origen japonés, Tsuri ha pasado gran parte de su vida en Australia y actualmente vive y trabaja en Berlin. Su obra abarca no solo pintura y arte urbano, también incluye escultura, grabado e ilustración. El próximo día 8 de Octubre inaugura exposición junto a Luca Di Maggio en AvantGarden Gallery, Milan.

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En Brasil la conexión entre naturaleza, espiritualidad y expresión artística tiene raíces profundas, bien a través del prácticas religiosas como el Santo Daime (en las que está integrado el uso de la Ayahuasca) o sencillamente gracias a la colorida inspiración inducida por la proximidad de la selva del Amazonas con su extrema riqueza en especies, tribus y creencias. Por esto mismo el arte de allí es visionario por naturaleza, como sucede en las obras de Sandro Freitas.



Freitas es un ilustrador autodidacta de Brasil con interés por la filosofía, el surrealismo y el arte visionario. Su pasión por la biodiversidad le ha llevado a "integrar la naturaleza tropical de mi pueblo a través de texturas abstractas y orgánicas", tal y como declara Sandro. Sus imágenes están vinculadas con obras de artistas como Alex Grey, y la búsqueda de una visión entre nuestro mundo y otras realidades. En sus ilustraciones no solo se da esta conexión mágica, también queda patente el vinculo con los indigenas, con la naturaleza en estado puro.

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El camino que va de la escultura a la arquitectura y al diseño de interiores nunca ha estado tan bien franqueado como por las obras de Sarah Oppenheimer. Pero sin duda, lo suyo es arte de museo / galería. Y su inquietud por observar y modificar los espacios a través de la geometría permite expandir el concepto de arte al uso y percepción de la propia sala por parte del espectador.



A través del uso de maderas, vidrios y espejos, consigue alterar visualmente la continuidad del espacio. En ocasiones se trata de meras ilusiones ópticas, pero en otras la modificación de las superficies arquitectónicas, o la construcción de falsos suelos, techos o paredes permite crear una sensación de irrealidad a través de retorcer ese propio marco de la realidad.

Nacida en Austin, Texas en 1972, Oppenheimer se graduó en las universidades de Brown y Yale. Ha recibido prestigiosos premios como el Guggenheim Fellowship y el Louis Comfort Tiffany Foundation, entre otros, y no ha dejado de exponer a nivel internacional. Actualmente forma parte de la colectiva Unsuspected Possibilities en el Site Museum de Santa Fe y está trabajando en su residencia artista en el Wexner Center en Ohio, aparte de tener ya programadas exposiciones individuales para el año que viene en Perez Art Museum de Miami y el MUDAM en Luxembourg.

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