Cuando ves una de las obras de Santtu Mustonen sientes ganas de coger unos botes de pintura de varios colores y derrarmarlos, coger una brocha y extenderlo... Pero las coloridas texturas en forma de pinceladas tan características en la obra comercial de Santtu no son experimentos tan orgánicos, todo lo contrario, su perfección y precisión son 100% producto digital. Sus imágenes juegan en ese límite entre lo orgánico, tan de moda en la ilustración contemporánea, y lo hipervirtual, a base de un aspecto plástico, colorido, brillante y obviamente 3D.



Original de Finlandia, Mustonen vive actualmente en Nueva York, donde le representa la agencia creativa Hugo & Marie. Entre otros destacados clientes, sus más recientes colaboraciones incluyen los grupos de música Architecture in Helsinki y The Caravaners, el Flow Festival en sus últimas tres ediciones, y publicaciones tan prestigiosas como Zeit Magazine, Wired Magazine y The New York Times. Por si esto fuera poco, su obra forma parte de las exposiciones internacionales de diseño Pekka of Finland y Don’t Shoot the Messenger, actualmente de gira por distintos países, y ha coqueteado con sus imágenes en movimiento haciendo mapping para el World Design Capital 2012 Helsinki. Desconocemos si duerme por las noches.

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Si has pasado hoy por nuestra sección de vídeo, habrás podido ver una serie de vídeos que hemos publicado de Vladimír Turner, más conocido por sus intervenciones urbanas bajo el nombre de SGNLR. Acciones como camuflar la basura de un entorno pintándola con sprays en colores a juego, o blanquear e iluminar un spot para graffitis, como si de una galería de arte en blanco se tratara, o sencillamente abrir puertas con un cutter en el mobiliario urbano, el mismo que invade nuestra vida con publicidad innecesaria...



Así son las intervenciones de Vladimír, una especie de vandalismo conceptual y poético que busca la reflexión del espectador sobre el entorno urbano, sus usos y sus posibilidades. Pero también se trata de críticas agudas al sistema económico y social establecido. Sobre estas líneas puedes ver un ejemplo... ¡No! No se trata de una escultura pública, sino de una acción que pone el foco (nunca mejor dicho) de atención sobre lo que de verdad debería importar. En el siguiente vídeo podéis ver el making of:



Esta es sin duda nuestra acción favorita de Turner. Nacido en 1986, graduado en la Academia de Artes Escénicas de Praga (FAMU) en estudios audiovisuales, más tarde estudió en el Studio of Intermedia Confrontation en la Academia de las Artes, Arquitectura y Diseño también en Praga. Y terminó completando su educación a través de estancias en Buenos Aires, Valencia y Australia. Los temas de sus obras oscilan entre el cine documental, las intervenciones artísticas en el espacio público y el activismo.

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Reconozcamos que el ser humano tiene cierta fascinación por la destrucción en todas sus formas, es decir, el caos, la anarquía, la violencia, el vandalismo... Con esto no queremos decir que el ser humano sea malo por naturaleza, sino una mezcla contradictoria entre perfección e imperfección, amor y odio, belleza y decadencia. La contradicción es quizás uno de los aspectos que mejor define nuestra naturaleza. Y si entendemos el arte como la más fiel de las representaciones del alma humana, no es de extrañar que algunos artistas se sientan atraídos por los conceptos de creación y destrucción, muchas veces como parte de una misma obra.



Así es la obra de Patrick Martinez, un joven norteamericano de Los Angeles que se introdujo en el mundo del arte a través del hip-hop y el graffiti, y cuyos estudios en arte visual y diseño han terminado de moldear una obra potente con un claro componente pop. Sus obras se componen a base de mezclar elementos de la sociedad de consumo, sacando de contexto y redefiniendo conceptos estéticos que van del mundo de la publicidad a la galería arte.

Actualmente se pueden ver sus más recientes obras, mezclas de pintura, instalación y luces de neón en la exposición individual Buy Now Cry Later en Public Functionary, que tiene lugar en la ciudad de Minneapolis hasta el día 20 de Diciembre.

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La belleza del puro invierno muchas veces reside en el minimalismo de una escena completamente nevada, un paisaje blanco donde solo unos detalles de color nos indican que aún estamos con los pies en la Tierra. El mismo efecto producen las ilustraciones del francés Tom Haugomat.



Con sede actualmente en Paris, Tom trabaja ilustrando para libros y publicaciones francesas como XXI, Le Monde, Transfuge y Usbek & Rica entre otras, forma parte del workshop Messieurs Dame y aparte colabora con Bruno Mangyoku creando animaciones como la que puedes ver a continuación:



Con un estilo claro y rotundo donde predominan el fondo, normalmente blanco, las manchas de colores planos, la ausencia de líneas de contorno, así como rostros en sus personajes, lo cual otorga un carácter frío e impersonal a su obra. Pero al mismo tiempo las ilustraciones de Haugomat transmiten una tranquilidad y delicadeza muy propia de la escena francesa de ilustración y cómic underground.

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Cuando cualquier persona puede construir su propia impresora 3D e incluso existen planos para descargar de internet con los que poder imprimir armas de fuego, quiere decir que esa imagen del futuro, con su realidad virtual, no es más que una utopia. El límite entre virtual y real se va desdibujando poco a poco. Un diseño virtual en 3D puede ser tan real, tan impreso y tangible, como una simulación fotográfica de un paraíso perfecto que nunca ha existido. Dentro de esa brecha artistas como Maiko Gubler crean y conciben piezas de arte, gráficos y objetos que puedes vestir.



El estilo de Gubler encaja perfectamente en la tendencia actual de recrear con mejores medios una estética ochentera cercana a la ciencia ficción de póster. Pero sus resultados no son una mera imagen de postal, sino representaciones perfectas que en muchas ocasiones terminan siendo objetos reales, de esta forma Maiko trasciende disciplinas: moda, diseño, arte, ilustración... Lo que a ella le interesa es "la indefinición de realidades mixtas, categorías y disciplinas, donde se ve obligada a aceptar lo virtual como real."

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No son pocas las veces que recibimos en Belio propuestas de arte urbano o graffiti, y la mayor parte de la veces tenemos que aclarar que no somos una publicación dedicada a dichas disciplinas artísticas. Dicho de otra forma: se podrían contar con los dedos de una mano la ocasiones que al año dedicamos a hablar sobre graffiti. Como en todo estilo y disciplina, existen aquellos artistas que forman parte del movimiento, la mayoría, y tan solo un reducido grupo que sirven como punta de lanza, que experimentan con los límites de lo establecido... Estas son las propuestas que nos interesan, propuestas como las de Felipe Pantone.



¿Qué tiene de especial su obra? Desde nuestro punto de vista este valenciano (argentino de origen) mezcla en su obra elementos tan interesantes como la tipografía, el Op-Art, el diseño gráfico y el graffiti, sin que ninguno de ellos quede relegado a un segundo plano. Lo suyo es un compuesto digerido de conocimientos de diseño, composición, forma y color, puestos en práctica con un carácter experimental en el estilo de otros pioneros del graffiti contemporáneo como Roid Msk y Spok.

Felipe divide su tiempo entre mantener su actividad callejera y el trabajo de estudio, tanto para marcas comerciales como Nike, Red Bull, Montana Cans, Carhartt, Schweppes, Licor 43, etc. Así como creando obras para exponer en galerías. En este sentido el presente año ha sido realmente prolífico con exposiciones individuales y colectivas (con su crew Ultra Boyz) en galerías de Francia, Tailandia, Japón, Holanda, Italia y España.

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La contraposición entre naturaleza y tecnología es un tema que nos fascina en Belio, más aún si se trata de proyectos artísticos donde la tecnología establece puentes entre la creación de la naturaleza y la creación humana. Por este mismo motivo nos han llamado la atención las fotografías de la serie Why Not Hand Over a "Shelter" to Hermit Crabs?



Se trata de un proyecto de la artista japonesa Aki Inomata, en el que ha generado con una impresora 3D nuevos caparazones para cangrejos ermitaños, combinados con miniaturas de edificios de distintas culturas. Con esta obra Aki reflexiona sobre conceptos humanos como los países, las fronteras, los cambios de nacionalidad y la migración. En este vídeo puedes ver parte del proceso de creación:



Inomata nacio en Tokyo en 1983 y se graduó en Inter Media Art en la universas de Bellas Artes de Tokyo. Aparte de este proyecto con cangrejos, su obra normalmente está estrechamente conectada con la naturaleza. No solo con otros animales, también con la utilización de elementos como el agua y la luz para generar obras siempre con un estilo delicado y minimalista muy propio de la cultura japonesa.

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Si Belio es un ente electrónico con tendencias hacia lo tradicional y ritual, la obra de Khomatech es otro meca-organismo por el que fluye el mismo tipo de sangre, pasión e inspiración. Su obra es una proyección de un futuro hi-tech, pero también una revisión orgánica y texturizada del alma humana. Se podría decir que sus gráficos son post-apocalípticos, pero si echamos un vistazo a su otra pasión, la fotografía, podemos ver que su imaginario se construye con piezas del presente y eso que en teoría aún no ha llegado el apocalipsis.



Detrás del nombre de guerra se encuentra el joven Karol Lasia, nacido y crecido en un pueblo holandes desde 1986, donde aún continúa proyectando su universo personal, principalmente para sellos de música electrónica experimental y ruidista como Ohm Resistance, su mejor carta de presentación, pero también ha trabajado para otros clientes como Playboy USA, Mercedes, The Walart, la banda Cloudeater, Warm Communications o el sello de tecno de Barcelona Pareto Park, entre otros afortunados.

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"Lo comparable a la pintura y la escultura del Renacimiento o el Barroco, no es el arte de nuestras galerías, sino las imágenes de los cómics, de los carteles, del cine o la televisión." Con estas palabras de J. A. Ramírez se presenta esta exposición colectiva de Espai Tactel que bajo el título de Pansy & Lowbrow reune obras recientes de Ricardo Fumanal, Mario González, Sito Mújica, Agustín Esteso, José Punzón y David Sánchez.


Agustín Esteso

El Lowbrow como estilo y seña de identidad tiene su origen en la cultura pop americana de finales de los 60 y desde entonces mucho ha coleado y continúa en nuestros días, aunque rejuvenecida con sangre nueva, pero especialmente gracias al auge de la ilustración como arte de galería y a la domesticación del arte urbano con fines comerciales. En España no somos menos chulos y de muestra esta exposición con producto nacional bruto. Se inaugura hoy en la galería de valencia, así que si te pilla por allí: ¡no faltes!

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Agustín Esteso


David Sánchez


David Sánchez


José Punzón


José Punzón


Mario González


Mario González


Ricardo Fumanal


Ricardo Fumanal


Sito Mújica


Sito Mújica

Hoy os ofrecemos la segunda parte del resumen visual que ha elaborado nuestro colaborador Arnaud Iprex sobre la 40ª edición de FIAC, la feria de arte contemporaneo por antonomasia de Francia, que se celebró el mes pasado en el Grand Palais de París.


Katharina Grosse

En el reportaje de hoy os recopilamos propuesta con un carácter más pictórico, especialmente las últimas tendencias en pintura. Si quieres ver la primera parte de este reportaje puedes pinchar en este link: beliomagazine.com/index.php/stories/view/12940

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Katharina Grosse


Agam


Bernard Frize


Bernard Frize


Farah Atassi


Farah Atassi


Günther Uecker


(detail)


Kaws


Luc Tuymans


Marc Desgrandchamps


Xanti Schawinsky


Markus Ohlen


(detail)

Hace unas semanas tuvo lugar en París la feria de arte más relevante en Francia: FIAC, Foire International d’Art Contemporain, que en esta ocasión celebraba su 40º aniversario. La edición de este año ha reunido a 184 galería de 25 países distintos, representando un amplio marco para el arte moderno y contemporáneo, desde obras de grandes maestros como Picasso y Basquiat hasta las últimas tendencias en arte emergente con artistas como Farah Atassi, nominada este año al Marcel Duchamp Price. Conexiones entre culturas ancestrales y modernas, significativos experimentos sobre el plano y formas orgánicas, el renacimiento de la pintura y mucho más...


Nam June Paik

Nuestro colaborador Arnaud Iprex estuvo allí y ha elaborado el siguiente reportaje visual para Belio Magazine. Dividido en dos partes, el reportaje de hoy se centra en propuestas de escultura e instalación. Que lo disfrutes:

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Matthew Day Jackson


Tony Cragg


(detail)


Pe Lang


(detail)


Pablo Atchugarry


Chiharu Shiota


Giussepe Penone


Jean Tinguely


Jean Tinguely


Claire Morgan


Sunagawa


Bertrand Lavier


Louise Bourgeois


LouiseBourgeois

Cuando hace unos meses descubrimos la obra de Michael Grudziecki fue en parte debido a su más reciente serie de obras Sea Forts inspiradas en las fortalezas marinas Maunsell (un referente clásico para todo amante del Urbex). Pero el interés del artista no es tanto por la decadencia de estas y otras edificaciones abandonadas, sino por la arquitectura en si misma, especialmente aquella con un carácter industrial, tal y como se refleja en el resto de la obra de Grudziecki.



El mes pasado se inauguró en SC Gallery la exposición individual que bajo el mismo título, Sea Forts, presenta nuevas obras de este artista polaco afincado en Munich. Dichas obras tienen como motivo central containers y estructuras metálicas que en combinación con los paisajes de fondo, normalmente escenas de tormentas, otorgan un toque surrealista al conjunto.



Con motivo de la exposición en la galería de Bilbao, Michael realizó una obra mural en una de las fachadas del barrio de Bilbao la Vieja. La obra se encuentra ubicada en la calle Iturburu nº 7. En este vídeo podéis ver todo el proceso. Y si pasas por Bilbao, la exposición se puede visitar hasta el día 13 de Diciembre.

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Hoy es el último día de Octubre, una fecha señalada por distintos motivos, con distintos nombres y con muy variadas formas de celebrarlo, desde la sobriedad y el recogimiento cristiano del Día de los Muertos en España, a la celebración llena de color y alegría que bajo el mismo nombre toma esta fecha en tierras mexicanas, pasando por la clásica americanización y popularización de Halloween. Pero en el epicentro siempre la muerte y sus derivados, fiestas de todos los tipos para todos los gustos.

Nuestro reportaje de hoy tiene quizás un carácter menos serio de lo habitual, más desenfadado y divertido. Sencillamente nos ha encantado esta serie de dibujos de Nigel Sussman sobre casas encantadas.



Sussman práctica el dibujo a diario a modo de deporte para ejercitar su creatividad. Sobre estas ilustraciones cuenta que "este octubre quería crear algo con un toque terrorífico, así que dibujé esta serie de casas encantadas. Estas casas podrían devorarte. Son todo dibujos hechos sobre papel con rotuladores finos rojos y negros." Sin duda recuerdan a una versión oscura de su estilo habitual y su pasión por "la complejidad de maquinas y entornos urbanos". ¡Que lo disfrutéis!

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Si fuéramos un magazine de música y nuestra protagonista de hoy fuera cantante o tuviera un proyecto musical, estaríamos hablando de una mezcla indie-pop, colorida, con voz femenina y ambientes a lo Cocteau Twins. Pero aunque este ejemplo podría definir de alguna forma el estilo de Eylül Aslan, nosotros somos una revista de arte y Aslan es una joven fotógrafa de Istanbul.



Si has estado atento a las actualizaciones en nuestra galería online, habrás podido ver en más de una ocasión alguna foto suya. Actualmente, Eylül se encuentra fotografiando (eso siempre) y recopilando material para su primer libro, Trauerweide que será publicado por Editions du LIC. Su trabajo ha sido objeto de artículos en distintos blogs y revistas de arte y tendencias. Quizás el aspecto más destacable de sus fotografías sea ese carácter colorido y luminoso que predomina sobre su obra, pero también un toque íntimo con reiterados puntos de vista subjetivos que nos acercan de una forma voyeuresca al mundo que rodea a Aslan.

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Hay veces que la vida de una persona cambia de pista sin previo aviso, algo así como un cruce de cables que hace saltar la chispa. Algo así debió pasar al artista que os presentamos hoy, un graduado en estadística de Corea del Sur que de la noche a la mañana abandonó su profesión y empezó a dibujar sin parar hasta convertirse en Rudcef, un ilustrador emergente que va cosechando éxito y reputación de la mano de clientes como Puma, Dazed Magazine, Samsung, Amoeba Culture, Orion, etc.



Su éxito se debe a su personalidad, quizás tanto dato y tanta estadística terminó por freír parte del cerebro, lo cual se ha transformado en una retorcida visión de la realidad en clave de cómic. Pero esta locura pop de líneas, colores y capas no se queda ahí, si solo fuera eso estaríamos hablando de una mera reencarnación de Roy Linchestein, pero Rudcef es más una versión acida del rey del Pop Art (con permiso de Warhol), o una revisión actual con un toque oscuro y distópico muy propio de las tendencias de la cultura de masas actual. Si este joven ilustrador tiene un superpoder sin duda es visión de Rayos X, aparte de tener un gran talento para el dibujo.

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A medio camino entre la escultura y el arte gráfico se encuentra el neon art, una rama dentro del light art o arte hecho con luz. Lo que en un principio fue un medio para crear potentes gráficos iluminados con fines publicitarios pronto fue adaptado por artistas contemporáneos para un uso más libre, menos funcional y sobre todo más poético. Al ser este un medio evidentemente gráfico, debido a su carácter lineal, son muchos los artistas que combinan esta técnica con tipografía y lettering, dando como resultado instalaciones con un impactante efecto visual.



Olivia Steele se define así misma como "conceptual neon artist", su obra se encuentra completamente dentro de esta corriente estética que combina un lado eminentemente Pop y comercial con un toque poético que invita a la reflexión. Su obra no solo forma parte de exposiciones en galerías, en muchas ocasiones sale a formar parte de escenas urbanas, donde gana especial significado. La obra de Steele está llena de frases que el gran público puede reconocer, entender y adoptar, conectando así sentimientos universales, a veces con un sentido irónico, otras con un toque más espiritual.



En este vídeo puedes ver algunas de las obras más recientes de Olivia, así como partes del proceso de producción e instalación. Su más reciente exposición The Truth Hurts tuvo lugar en la galería de Berlín Circle Culture, ciudad donde actualmente reside y trabaja esta norteamericana de Tennessee. Su misión: iluminar tu día aunque sea a base de luces de neón.

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Siempre que dedicamos un reportaje de Belio a un tema de moda señalamos lo extraordinario de la ocasión, precisamente porque no somos una revista de moda y tampoco queremos disolver nuestra temática en un amplio campo sin fin. Pero precisamente si hoy dedicamos este reportaje a Aitor Throup¡Su nueva web se estrena hoy mismo en unas horas! — es porque su colección New Object Research 2013 nos ha dejado totalmente fascinados y encantados (a la espera de saber precios).



Según parece Aitor ha dedicado innumerables horas, días y años a desarrollar su estética, su manifiesto visual, a través de ilustraciones, bocetos, proyectos aparte para otras marcas de moda, desarrollando cada pieza, perfeccionando, investigando, recabando nuevos sistemas de cierres y tecnología aplicada a ropa... ¡Y para hombre! Lo cual de por si ya es algo singular (no olvidemos que el mundo de la moda más creativa es principalmente un terreno dedicado a la mujer). Tras años de espera y varios anticipos, aquí y ahora, hoy mismo se presenta su primera colección completa. La cual puedes empezar a ver en el siguiente vídeo:



Aparte de la web oficial de Throup, www.aitorthroup.com, lo que hace verdaderamente interesante este proyecto es su conexión con el mundo del arte, la ilustración y la música contemporánea. Tal y como se puede apreciar a través de las fotos y los bocetos (ilustraciones que bien merecen atención por si mismas, con un estilo ciertamente manga) recopilados en su página de facebook: www.facebook.com/AitorThroupStudio. Un detalle que en muchas ocasiones no tenemos ocasión de disfrutar y que deja al desnudo las influencias que nutren la obra de Aitor, desde el citado manga a la ciencia ficción pasando por el steampunk, la estética industrial y fetichista. El futuro sin duda se viste de Aitor Throup.

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La obra de Norbert Stockhus probablemente no sea última tendencia en el mundo del arte contemporáneo, pero a su favor tiene una clara reminiscencia atemporal: Su estilo, su contenido y su técnica encajan tanto en una obra del pasado como en una de futuro, y precisamente por esto es perfecta para ser admirada en el presente. Pintor, escultor e ilustrador de origen alemán, lleva desde el año 1975 (un artista profesional de larga trayectoria) modelando su propio universo en forma de fascinantes paisajes.



Precisamente, la experiencia y la madurez se hacen palpables en la obra de Stockhus por la gran cantidad de referentes en el mundo del arte a los que podríamos apuntar, pero en todo momento bajo una personalidad e identidad propia que definen su estilo. Desde el surrealismo a la ilustración fantástica, pasando por la ciencia ficción, los clásicos de la pintura y el paisajismo pictórico. Quizás el aspecto más interesante de su obra es el tema central que se intuye al ver todos sus cuadros: La relación que se establece entre la naturaleza y el ser humano, en forma magia, simbiosis, adaptación o manipulación.

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Los conceptos de construcción y destrucción no siempre están conectados con los polos positivo y negativo respectivamente. No todo es blanco o negro, sino que su color depende del lado desde el que observamos, y en la vida hay veces que la mejor opción no es otra que la destrucción de lo establecido. Llevado al arte, este tipo de estética hace más patente esa dualidad paradójica. Baptiste Debombourg es un buen ejemplo de destructor/creador.



Las obras de Debombourg, esculturas, instalaciones y dibujos principalmente, reflejan las destrucción en términos cotidianos... lunas de cristal, parabrisas, espejos, muebles y televisores rotos, e incluso palomas atropelladas sobre el asfalto, elementos que podrías encontrar en la calle como parte de un escenario decadente, se transforma en manos de Baptiste en obras de arte que nos hacen reflexionar, en muchas ocasiones a través de la ironía, sobre este plano de la realidad, pero especialmente sobre que podemos hacer tras un proceso de destrucción.

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Rara vez dedicamos un reportaje a un solo vídeo, pero en ocasiones así lo hacemos. Estas ocasiones se deben a vídeos con una buena realización visual, un buen concepto y sobre todo un mensaje acorde con lo que desde Belio Magazine queremos transmitir. Así ha pasado con Next Floor.



Su mensaje es claro y directo, y lo mejor es que se puede aplicar como crítica a muchos temas que marcan esta sociedad, desde el capitalismo a la casta política, pasando por el consumismo o inclusive como una campaña pro-vegetariana o vegana. Precisamente por su versatilidad a la hora de tocar temas tan candentes, merece la pena darle toda nuestra atención, y la vuestra:



A pesar de pasar por nuestras retinas hace apenas unos días, Next Floor es un cortometraje del 2008, y para nuestra mayor sorpresa su director no es otro que el mismísimo Denis Villeneuve, director de la genial Incendies. Quien está a punto de estrenar dos largometrajes que estamos esperando con mucha expectación: Enemy y Prisioners.

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