¿Qué es un museo sin obras de arte? ¿Y una casa sin ventanas? ¿Y una ciudad sin habitantes? Las más recientes obras en fotografía de Jesper Rasmussen nos plantean estás cuestiones básicas a través de imágenes, paisajes y escenas de interior donde digitalmente han sido eliminadas las ventanas, así como todo vestigio de vida humana, dejando a relucir las estructuras básicas, la arquitectura. Pero no se trata sencillamente de mostrar fríos escenarios arquitectónicos. Hay algo más...



La inspiración en la obra de Rasmussen no proviene de una fascinación exclusiva por la arquitectura, sino por el legado humano, el rastro industrial que dejamos tras los procesos de creación, producción, vida útil y abandono. En este reportaje nos centramos especialmente en sus fotografías, la series Off Location, Heimlich y White Cube Installations. Pero su otras obras, esculturas e instalaciones, terminan de completar un discurso artístico solido y concreto, que evidencia esa conexión entre lo humano, lo industrial y la arquitectura. Ensalzando la belleza escondida en elementos y escenarios cotidianos. El trabajo de Jesper es pura exploración del contexto urbano, a través del cual consigue definir la figura humana y su paso por la vida.

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Afirmar que la ilustración cada año tiene una posición más relevante en el mundo del arte contemporáneo no es ninguna novedad. Si entendemos el dibujo como el origen del arte pictórico, la ilustración sin propósitos publicitarios sería claramente una rama alternativa a la pintura. La obra gráfica de Steve Kim es de estas que borran definiciones entre disciplinas, dejando solo lugar a un término: arte.



Las obras de Kim nos han cautivado por su minimalismo compositivo, su buen gusto cromático y su carácter experimental a medio camino entre la figuración y la abstracción. Dejando entrever en ocasiones sutiles influencias de corrientes estéticas como el manga, el glitch y el web 2.0, pero sin llegar a comprometerse con una tendencia o moda pasajera. Su trabajo ha sido publicado en medios tan destacados como Juxtapoz, American Illustration, Creative Bloq, Beautiful/Decay, Computer Arts, etc. Colabora habitualmente con The Verge y Polygon, y recientemente ha hecho la portada para el último single de Thefft en Ramp Recordings. Si esto es solo el principio, esperamos ansiosos a ver sus siguientes pasos.

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La semana pasada se celebraba en Berlin una cita obligatoria en el arte para la capital alemana, la Berlin Art Week que agrupa una serie de ferias y eventos entre los cuales siempre hemos destacado la feria de arte emergente Preview Berlin. Esta mención especial se debía a una gran labor en cuanto a la selección de galerías participantes y proyectos. No olvidemos que las ferias de arte son negocio y por lo tanto el dinero manda, por esto mismo se agradece cuando en una feria se cuidan los criterios de selección artística.


Obra de Silvia Lorenz

Sin embargo este año Preview presentaba algunas novedades, para empezar un cambio de localización que ha llevado a comprimir los espacios y a reducir el número de propuestas. Lejos de significar este un factor para una más estricta selección, este año la labor de comisariado ha pasado prácticamente inadvertida, combinando proyectos de galerías sobresalientes con otras propuestas que ponen en entredicho los valores para entrar a formar parte de la feria.

Entre las propuestas más destacadas se encuentran las galerías Frantic Gallery de Japón o las alemanas Art Claims Impulse, Marke 6 y Galerie Gerken. Y en especial las obras de Marc Aschenbrenner, Jens-Ole Remmers, Aurelia Gratzer y Alexander Habisreutinger. A continuación puedes ver un resumen visual con aquellas obras que han llamado nuestra atención.

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Jens-Ole Remmers


Jens-Ole Remmers


Kalman Varady


Aurelia Gratzer


Marc Aschenbrenner


Atsushi Koyama


Atsushi Koyama


Frode Bolhuis


Julius Dörner


Zyklop


Rita Rohlfing


Alexander Habisreutinger


Alexander Habisreutinger


Detlef Waschkau


Tilo Baumgärtel

2013-09-24 : SUMMA ART FAIR review

El pasado fin de semana tuvo lugar en Madrid la primera edición de una nueva feria internacional de arte contemporáneo: Summa. Del 19 al 22 de septiembre una cuidada selección de sesenta y cuatro galerías han mostrado la obra de más de un centenar de artistas en la Nave 16 de Matadero. La suma ecléctica de galerías nacionales y extranjeras, así como consagradas y nuevas propuestas artísticas, han celebrado con esta nueva iniciativa el inicio de la temporada de exposiciones.



Obra de Jorge Hernández en My Name's Lolita Art.

Entre las galerías participantes pudimos encontrar propuestas emergentes ya conocidas en Belio como Espai Tactel de Valencia, Espacio Valverde y Twin Gallery de Madrid, junto a otras galerías de renombre como Punto, Adhoc, T20, Espacio Mínimo o My Name’s Lolita Art.

Aquí os dejamos un repaso fotográfico de aquellas obras y artistas que más han llamado nuestra atención dentro de esta nueva y necesaria cita en el calendario cultural de Madrid.

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Jorge Hernández.


Nelo Vinuesa en Espai Tactel.


Antonio Fernández Alvira en Espai Tactel.


Yani Alonso en Twin Gallery.




Esculturas de Hugo Bruce en Espacio Valverde.


Enzo Mianes en Mor - Charpentier.


Jorge Perianes en Max Estrella.


Jorge Perianes en Max Estrella.


Lie Ping Ping en Willem Kerseboom Gallery.


Keke Vilabelda en Kir Royal Gallery.


Yann Leto en T20.

En el mundo del arte, especialmente en las escuelas de arte, se dice que antes de dejar volar tu creatividad tienes que aprender a dominar la técnica. Hay que aprender a imitar a la perfección la naturaleza, para luego poder desfigurarla, pervertirla, recrearla... La carrera de Judy Fox es sin duda un clásico ejemplo de este proceso evolutivo: tras haber dominado a la perfección la escultura y la cerámica, a través de realistas representaciones del cuerpo humano y especies animales, sus más recientes obras muestran un giro interesante, maduro, sensual y único.



La obra de Fox bien podría ser el híbrido mutante de las obras de Hans Bellmer, mezcladas con cierta inspiración HR Giger y un toque de Disney mojado en surrealismo-pop ácido. Pero dejando aparte las influencias artísticas, no cabe duda que la principal fuente de inspiración en este caso proviene de la naturaleza, o mejor dicho de las profundidades donde se encuentran la criaturas más fantásticas. La mente de Judy viaja a esas aguas profundas y nos muestra su propia versión.

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A continuación puedes disfrutar de la segunda parte de nuestro reportaje especial sobre la muestra We ❤ 8Bit y su inauguración. La cual tuvo lugar el pasado viernes en Karl-Marx Buchhandlung (Berlín).



La exposición reúne una amplia mezcla de obras que van del diseño de caracteres al arte urbano, pasando por diseño gráfico, 3D, vídeo arte, pintura, escultura, performance, instalaciones, etc. Un homenaje creativo al mundo de los videojuegos retro: Todo tipo de consolas y máquinas recreativas que han entretenido e inspirado a una amplia generación de nuevos artistas y creadores contemporáneos.

En el siguiente link puedes visitar la primera parte de nuestro reportaje. La exposición está abierta al público hasta el día 20 de Septiembre.

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Base 23




Frank Hoppmann


ChinagirlTile & BXB


Tobias Wüstefeld


Tobias Wüstefeld


Tobias Wüstefeld




Zipper Die Rakete


Depart




Sky Burchard


Deborah Sperber


Geso


El pasado viernes se inauguró en Berlin la exposición We ❤ 8Bit, una muestra colectiva que recopila a parte de lo mejorcito del panorama actual en ilustración, diseño gráfico y street art, entre otras tendencias visuales. Entre los muy variados artistas incluidos destacan nombres como Flying Fortress, Base 23, Depart, Daim, Antoni Tudisco, Geso, Kingdrips, Philipp York Martin, Timo Brunkhorst, Frau Isa y un largo etcétera.



Entre hoy y mañana os mostraremos un reportaje fotográfico sobre la exposición y algunas de las obras que han llamado nuestra atención, así como fotos de la inauguración. La muestra llega a Berlín tras haber pasado por Viena y Hamburgo, y promete seguir su gira por otras ciudades europeas. Con cada nueva cita son más las obras y artistas que se unen a esta iniciativa que tiene como tema central la estética retro de videojuegos de décadas pasadas. La exposición se puede visitar hasta el 20 de Septiembre.

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Philipp York Martin






Catherine Kaleel


Graphism


Push Crew




Timo Brunkhorst


Verena Cojic




Lei Cao


{THS}


Rocket & Wink


Geso & Computadora

Que la galería valenciana Espai Tactel inauguré la temporada de otoño-invierno con una exposición de Joan Morey es sin duda una grata noticia, aunque para algunos esto quizás no sea ninguna sorpresa. Siguiendo de cerca la trayectoria de los de Tactel, contar con una expo individual de Morey no es más que la consecuencia lógica de una carrera ascendente y arriesgada, o como se diría vulgarmente: es como juntar el hambre con las ganas de comer. Y así ha sido, el pasado 6 de septiembre se inauguró Espolones [Éperons/Spurs/Esperons] de Joan Morey.



Para quienes no conozcan a Morey, su obra se caracteriza por un uso riguroso del negro, temas comprometidos relacionados con el concepto de poder, religión y fetichismo. Es conocido por sus instalaciones, sus obras en vídeo, pero especialmente por sus performances. Nacido en 1972 en Mallorca, Joan reside y trabaja actualmente en Barcelona. La exposición en Espai Tactel se puede visitar hasta el 31 de Octubre.

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Los reportajes que publicamos en Belio no solo tienen el objetivo de promover artistas a nuestro juicio interesantes, también sirven para definir una estética y un modo de pensar, más allá de lo artístico. Por lo general en esta casa no somos amigos de ningún tipo de patriotismo, ni nacionalismo, pero si que consideramos importante la reivindicación de las raíces y de la cultura propia de una tierra. Dicha cultura, mezcla de tradiciones, rituales y artesanías sirven para entender la historia de un país. A la hora de hablar de España, algunos políticos confunden cultura con maltrato animal, considerando las matanzas de toros como una de las pocas tradiciones que hay que subvencionar y promocionar. Sin embargo, otras tradiciones mucho más ancestrales, pacíficas y antropológicamente interesantes, son completamente ignoradas, a pesar de su gran riqueza expresiva... ¿Cuántos ejemplos de máscaras tradicionales conoces en España?



Sobre estas líneas puedes ver una Carantoña del Acehuche en Cáceres. No se trata de una foto del siglo pasado. Es uno de los ejemplos de fotografía etnográfica de Carlos González Ximénez, un fotógrafo "amateur (amante)", tal y como el mismo se define, que lleva más de veinte años documentando todo tipo de mascaradas y tradiciones de la bella España profunda, lo que en serio debería ser llamado "marca España". Es gracias a los pueblos por mantener vivas estas tradiciones, y a personas como Carlos, que estas increíbles tradiciones llegan al conocimiento de un público más amplio.



Nacido en Madrid en el año 1961, Carlos González Ximénez pertenece a la cuarta generación de una saga de reputados fotógrafos Españoles. Y aunque Carlos decidió no dedicarse profesionalmente a la profesión ha desarrollado no solo un gran talento documental y visual, ha recibido encargos de revistas como El Europeo, Ajedrez Internacional, New in Chess, y algunas revistas especializadas en etnografía, y su obra ha recibido reconocimiento en algunos de los más destacados certámenes de fotografía en España. Aparte, se ha convertido en un buen coleccionista de fotografía de los siglos XIX y XX. Sin duda lo suyo es amor heredado por la fotografía y el folklore. Y nosotros esperamos que este tipo de buenas tradiciones sigan siendo transmitidas de padres a hijos.

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Si has estado atento a nuestros contenidos videográficos en los últimos años, seguro que te habrás quedado boquiabierto en más de una ocasión con algunos clips musicales. Quizás con algunos vídeos de artistas como Apparat, Vitalic o Cinnamon Chasers. Hoy te los recopilamos de nuevo en nuestra sección de vídeo y añadimos a Placebo, Ed Sheeran, Calvin Harris... ¿Qué tienen en común? Pues aparte de ser vídeos sorprendentes, creativos, frescos y potentes, su joven realizador: Saman Kesh.



Quien también ha estrenado recientemente un corto de ciencia ficción visualmente impecable, con una historia muy en la línea de las ficciones animes, que mezcla super-poderes y una historia de amor "dominante". La imagen sobre estás líneas pertenece a dicho corto, el cual podéis ver a continuación. Así como una precuela: I ______ U.



Nacido en Irán en 1986, pronto se mudó a los Estados Unidos donde se graduó en el Art Center College of Design con su increíble aventura visual en POV (punto de vista) para Cinnamon Chasers, por la cual gano su primer premio SXSW 2010 Best Video. Premio que ha vuelto a ganar este año con su dieta visual a base de Stamina para Vitalic. Solo Dios sabe que nos tiene preparado para el futuro... Así que habrá que seguirle muy de cerca.

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En Belio tenemos como una doble personalidad, por un lado nos encanta todo tipo de arte minimalista, experimental, abstracto... Y por otro somos amantes de toda una línea pop, comercial, gráfica, etc. Lo cual incluye el mundo del cómic, el anime, la ciencia ficción y todo lo que queda entre medias. Justo ahí, entre el diseño gráfico, el cómic y la ilustración se encuentra la obra de Matt Ferguson, con todo tipo de homenajes a las películas de Carpenter, las sagas de Star Trek, Star Wars y clásicos del genero como Blade Runner, Robocop, Tron, Akira, etc.



Bien es verdad que existen muchos ejemplos de fan-art, especialmente dentro de la cultura geek or freak. Pero en el caso de Ferguson lo que le hace realmente especial es un conocimiento y dominio del lenguaje gráfico. Matt no es un aficionado, es un profesional que ya trabaja para Marvel Studios y 20th Century Fox. Aunque sus trabajos más interesante son aquellos que hace por pura diversión o como homenaje a películas que ha visto recientemente, como es el caso de Elysium, Pacific Rim y Drive.

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¿Cómo llegamos a este mundo, a este planeta, a este grado de evolución? ¿Existe vida en otras galaxias? ¿De dónde surge el lenguaje, las matemáticas, los fractales? ¿Es posible que lo que entendemos por realidad sea solo una especie de holograma o proyección de otra vida, quizás una realidad virtual, una Matrix? Y sobre todo: ¿Llegaremos un día a conocer las respuestas a todas estas preguntas? Mientras tanto y como seres humanos atrapados en este plano de la realidad hemos optado por disfrutar de este entorno a través del arte, e incluso utilizar el arte como medio de introspección y de exploración de otras posibilidades.



La obra de Brenna Murphy es sin lugar a dudas uno de estos medios de exploración, donde se mezcla el concepto del laberinto con el de realidad virtual, a través de creaciones en 3D, gráficos y vídeos, pero también esculturas, instalaciones y juegos interactivos. Los fractales, la psicodelia bien entendida y la simbología tribal son referentes clave en la obra que esta artista Norteamérica viene desarrollando en los últimos cinco años.



Este vídeo con una reciente entrevista con motivo de su exposición Liquid Vehicle Transmitter en el Yerba Buena Center for the Arts de San Francisco explica de forma clara el trasfondo de su obra, así como su interés en utilizar la tecnología como medio para conectar y expandir la conciencia. Si por un casual estás en la zona, te recomendamos ver e interactuar directamente con la obra de Murphy, abierta al público hasta el día 8 de Septiembre. O sino, su próxima exposición individual tendrá lugar en Upfor Gallery, Portland, en Octubre.

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No podíamos evitar dedicar nuestro último reportaje de Agosto a una fotógrafa como Sarah Lee. Es cierto que nos fascina el surf, pero en el caso de Lee no se trata simplemente de fotografías de surfistas cogiendo olas. Lo que hace especial su obra es la captación de un estilo de vida como pocos saben capturarlo.



Por supuesto entre las fotos de su porfolio vas a encontrar preciosos tubos de agua, bellas escenas subacuáticas, olas vistas desde abajo y surfistas en la cresta de la ola. Pero también naturaleza y escenas cotidianas de playa que representan ese ideal de paraíso en Hawaii, lugar donde Sarah creció siempre con un pie en el océano.



Sobre estas líneas puedes ver una recopilación de sus fotografías favoritas entre 2008 y 2012, como bien nos explica: "Mi objetivo es hacer fotos que capturen y acentúen la belleza que me rodea. La fotografía para mi es un modo de resolver un problema visual y un modo de vida, ya sea sobre la superficie o bajo ella".

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Para aquellos que solo buscan la funcionalidad en la vida, un mecanismo no es más que la evolución de la invención de la rueda, algo práctico, pero para otros cada engranaje es un homenaje a la capacidad humana. Algunas personas tienen una especial fascinación por lo industrial, lo mecánico, por observar, entender y recrearse en el básico funcionamiento de una máquina. Gregory Witt es uno de estos últimos y además es artista.




Su planteamiento estético propone cuestiones tan interesantes como "Estoy pensando en herramientas, instrumentos. Si utilizamos el conocimiento científico para construir maquinas que nos permiten profundizar en el conocimiento, entonces estas herramientas son en sí mismas representación de ese conocimiento, así como un medio para encontrarlo. Si todo está hecho de partículas, entonces, ¿cómo es una habitación de partículas?" Lo cual se traduce en grandes instalaciones mecánicas hechas de madera, poleas y foam, algo parecido a ampliar al extremo el interior de un juguete. Pero su trabajo va un paso más allá, conectando de forma básica movimiento, sonido y volumen, creando esculturas de gran belleza estética.



Gregory Witt creció en Indiana, donde completó una licenciatura en Escultura en la Universidad de Indiana en 2005. Desde 2006, ha estado viviendo y haciendo arte en Pittsburgh, donde obtuvo su MFA de la Universidad Carnegie Mellon en 2009. Ha expuesto en distintos lugares en los EE.UU. En nuestra sección de vídeo puedes ver más obras suyas en acción.

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Es siempre un placer presentar el trabajo de artistas de aquí, sin tener porque buscar siempre en el extranjero por creadores excepcionales. Ya que el trabajo de ilustradores, en este caso, como Vero Navarro nacida en la Mancha y actualmente viviendo en Madrid, es tan bien recibido nacional como internacionalmente. Habiendo trabajado para agencias como DDB, GSW NY o Modafoca, así como las publicaciones The Children´s Book of American Birds, Club Leteo, Vectores Mag o Gob Magazine.



Vero demuestra en su porfolio que su talento ilustrando es versátil y que domina tanto los medios digitales como los tradicionales, pero a la hora de elegir, se nota que su gran pasión son los lápices de colores. Son precisamente este tipo de ilustraciones las que nosotros hemos escogido para mostrar y presentar su trabajo. Una técnica que dota de un carácter de ensueño a un estilo ya de por si amanerado, entre el Modernismo de primeros del siglo XX y la ilustración de libros de fantasía. Un carácter que además se refuerza con un contenido mágico y poético, lo cual lo convierte en una combinación 100% ganadora.

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Berlín... Alguien podría decir que das una patada a una piedra y salen veinte creativos de detrás. Lo cual hace de la ciudad un caldo de cultivo muy interesante, una ciudad llena de creatividad e inspiración, pero al mismo tiempo altamente competitiva. Artistas en general de todas las disciplinas, de todas las partes del mundo. Y entre todos ellos Petra Péterffy, una joven de Budapest que se está haciendo un nombre a base de sus collages digitales.



Sobre su obra se podría decir que la mayor influencia proviene del surrealismo. Pero si miramos con perspectiva a las tendencias gráficas de los últimas años, el estilo de Péterffy es una suma de post-modernismo estético, esoterismo gráfico, glitches bien avenidos, simetrías y geometrías vectoriales. A pesar de cumplir con gran parte de los cánones gráficos que marcan tendencia, Petra consigue marcar estilo propio, la mejor prueba de ello es el genial y abundante trabajo para el sello discográfico Visionquest, habiendo dado imagen para los más recientes trabajos de Benoit & Sergio, Clarian, Footprintz, Butch, Brett Johnson, Laura Jones, etc.

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El verano es una de esas temporadas especiales para hacer viajes, físicos o mentales, de vacaciones a algún remoto lugar o a lugares aún más remotos dentro de nuestra mente. De la misma forma que los extraordinarios viajes de Julio Verne, el artista polaco Andrzej Sykut se ha embarcado en un proyecto con el que mostrar sus viajes al más allá.



Andrzej cuenta como su proyecto The Journey "empezó como un desafío dentro de los foros de CGTalk. Al principio como pura diversión, luego llegaron más desafíos, hasta que vi la oportunidad de llevar este viaje un paso más allá". Así se ha convertido en un proyecto personal, donde explora distintas técnicas, en ocasiones sin prestar demasiada atención a los detalles, pues busca algo más inmediato. Aunque no descarta terminar llevando algunos de estos paisajes al 3D. De momento a nosotros nos sirve para irnos de vacaciones (mentales) por un tiempo. ¡Disfruta del viaje!

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El arte no es algo tan complicado, es una cuestión de cultura visual y reflexión ¿Qué ves en esta obra? Por ejemplo, qué vemos en la obra de Fermín Moreno Martín... Una clara adicción por el diseño gráfico, la arquitectura de vanguardia y especialmente por el grafitti 3D al estilo de pioneros como Delta, Daim, Toast, Zedz, etc. Todo esto mezclado sabiamente, agitado y traducido en un lienzo nos ofrece paisajes abstractos donde el espectador se pierde, donde se pierden los conceptos de dimensión, tiempo y espacio, o mejor dicho: No se pierden, se alteran.



Fermín, nacido en Bilbao en 1970, se ha convertido en un experto a la hora de depurar su lenguaje visual, sus influencias y llevarlo a un terreno totalmente profesional. Un "pintor", tal y como el mismo se define, con un estilo único y contemporáneo, capaz de resumir en una sola imagen su pasado y proyectar un futuro donde tienen cabida no solo la pintura, sino también experimentos con instalaciones. Sus grandes obras transmiten un sentimiento puramente eléctrico, colorido, como si hubieras llegado un paso más allá, donde lo virtual y lo real confluyen.

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Aunque el artista que presentamos hoy es conocido y reconocido por sus instalaciones multimedia, asignatura que imparte en la Accademia di Belle Arti di Brera en Milan, la obra de Carlo Bernardini mantiene una fuerte conexión con sus inicios como pintor abstracto en los primeros años noventas. Por aquel entonces su obsesión con la relación dialéctica entre la línea y el monocromo, y la representación conceptual de espacios a través de la luz y la sombra, le llevaron a experimentar en sus cuadros con la tercera dimensión, lo que más tarde le llevaría a trabajar con sus materiales predilectos: la fibra óptica y el acero inoxidable, los cuales se han convertido en señal de identidad de su obra.



Se podría decir que la obra de Bernardini es un trabajo de investigación, desde la descomposición del lienzo como plano a la expansión en grandes dimensiones de sus juegos de líneas, luces y sombras. Obras que toman la forma de esculturas o instalaciones en galerías, espacios industriales, así como entornos urbanos. Sus instalaciones han formado parte de festivales y muestras de arte en ciudades como Amsterdam, Berlín, Rio De Janeiro, Nueva York, Valencia, La Haya y por supuesto en infinidad de ciudades italianas. Entre otros premios ha recibido el Overseas Grantee de la Pollock / Krasner Foundation de Nueva York en 2000, 2005 y 2010, así como el premio Targetti Art Light Collection White Sculpture en 2002.

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Por decir una obviedad: Ahora mismo es pleno verano y hacer calor, mucho. Son pocas las ganas de trabajar y muchas las ganas de soñar, o de coger lo imprescindible y ya sabes... ¡Carretera y manta! Por esto mismo, en esta época del año nos encanta descubrir el trabajo de jóvenes fotógrafos, como Yougo Jeberg que capturan ese sentir mezcla de verano, libertad, aventura, romanticismo, juventud y risas.




De origen francés, Yougo comenzó su carrera artística atraído por el graffiti y la cultura urbana, pero actualmente vive a caballo entre Paris, Nueva York y Los Angeles, más interesado en la moda y en capturar con su cámara fragmentos de ese ideal inmortal de la juventud. Una vez en Nueva York, fotógrafos como Daniel King o Robert Hamada han servido de mentores, y actualmente trabaja para firmas de moda como Armistice y Wasted en Paris, así como magazines del todo el mundo.



Cuando observas el conjunto de las fotografías de Jeberg (lo cual puedes hacer a través de su flickr), te transmiten unas ganas enormes de estar ahí, de cuerpo presente, viviendo esa aventura o cualquier otra, ya que sus imágenes apelan a los recuerdos dorados que todos hemos grabado en nuestra mente: un verano, un amor, un viaje en coche con los amigos... De hecho, la mayoría de las fotos que puedes ver a continuación forman parte del proyecto Goodbye Horses, un documental sobre el viaje a través de los Estados Unidos en verano de 2012, en compañía de los fotógrafos Théo Gosselin, Emmanuel Rosario, Lucas Hauchard y Marvin Morisse McLean. Puedes ver el trailer aquí. ¡Oye, tú! ¿Cuando nos escapamos?

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