Sus trabajos, mezcla de fotografía y diseño, entre el retrato masculino y la moda más experimental con toques arquitectónicos le han reportado buena fama en los blogs más prestigiosos de diseño y arte. En Belio hemos publicado en el pasado algunas de sus fotografías en nuestra galería online. Pero la constancia, la calidad y la variedad de proyectos de Pavel Platonov bien merecen un reportaje para mostrar sus más recientes creaciones.



Arquitecto y diseñador de formación, fotógrafo y artista por vocación, este joven ruso con sede en Rostov-na-Donu aplica en su obra todos sus conocimientos y pasiones. En sus proyectos se cruzan lo orgánico, representado por el cuerpo humano y la naturaleza, y lo inorgánico, encarnado por estructuras geométricas proyectadas en 3D y realizadas en metal o espejo. Formulando un interesante dialogo entre lo artificial y lo natural.

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Para tu información, en Taiwan no solo tienen rascacielos ultramodernos y relojes de pulsera baratos, tampoco sus tatuadores son exclusivamente devotos de un estilo oriental tradicional... Existen artistas como Yeh5050 que le dan mil vueltas al old school occidental, con motivos surrealista y colores ácidos.



Los tatuajes de este joven taiwanés son una mezcla de influencias que van de la cultura trash y los cómics, a los monstruos de serie z y la ilustración en plan naive. La atrevida mezcla de colores saturados y un repetido uso de líneas ondulantes, le dan ese aspecto tan irreverente, irónico y grotesco a sus tatuajes, pero al mismo tiempo tan atractivo y único, como si fuera una especie exótica de artista propio de la jungla urbana de Taipei.

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Si le preguntáramos a un agente de la policia seguramente nos diría que es obra de un vándalo, puro gamberrismo, un gracioso... Pero Brad Downey es mucho más que eso, su agudo sentido del humor va más allá de una obra de arte urbano, demostrando que el ejercicio mental diario y un alto grado de observación son combinación perfecta para desarrollar un discurso artístico solido y elaborado.



Brad toma lo cotidiano y los elementos del entorno urbano como base para un juego poético, rico en paradojas y contradicciones, con el que cuestiona al espectador sobre su capacidad de atención y sorpresa, y sobre su sentido estético. Las calles están llenas de accidentes visuales (a la espera de que el viandante los descubra) y la obra de Downey funciona como potenciador de dichos errores, del mismo modo que otros artistas como Influenza, R1, Mathieu Tremblin, Elfo e incluso Banksy en algunas de sus obras antiguas. Hackers del mundo real, del mapa urbano.

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Hay un cierto estilo de vida, estética y rollo cercano al sentir del verano, una mezcla de amor por la naturaleza y actitud ecológica, pasión por el surf, la música folk y psicodélica, los colores vivos, el do-it-yourself y las cosas hechas a mano. Probablemente algunos pensaréis que estamos hablando de la cultura hippie, pero los años 60s nos quedan muy lejos. Sin embargo, sus semillas se han convertido en buenas raíces para toda una generación de creadores gráficos contemporáneos como Paul Roden & Valerie Lueth, más conocidos por su trabajo como ilustradores y especialmente como impresores bajo el nombre Tugboat Printshop.



Desde 2006, Paul y Valerie se encargan de elaborar y publicar sus grabados en madera. Precisamente, la reivindicación de un medio de impresión tradicional les ha dado gran popularidad. Su proceso es completamente artesanal, al cual profesan una atención perfeccionista, cuidando todos los detalles para garantizar la mejor calidad. Publican series limitadas con ilustraciones propias inspiradas en temas que alegran el corazón y dan ganas de abandonar la ciudad, para vivir en el campo o en una isla desierta... Lo cual se aproxima bastante a uno de sus propósitos: "Nuestra esperanza es que nuestras obras aporten no solo placer al espectador, sino inspirar al mismo tiempo nuevas formas de pensar acerca del mundo." Os recomendamos visitar directamente la web de Tugboat para ver las obras con mayor detalle.

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Nuestro arte solo es un reflejo de la maravillosa complejidad de este mundo. Los colores, las texturas, las formas geométricas, las estructuras casi-imposibles... Contemplar y apreciar una composición abstracta es como rendirse ante la belleza de la naturaleza, sin explicaciones, pura experiencia estética. Este quizás sea uno de los mayores logros del arte abstracto. De la misma forma nos enfrentamos as las esculturas del artista holandés Coen Kaayk.



Kaayk se graduó con honores en la Design Academy de Eindhoven en 1972. Desde entonces Coen trabaja como artista profesional expresándose a través del uso de plásticos transparentes, como el metacrilato y las resinas. Su obra se inspira en la libertad del arte abstracto del siglo XX, dando al arte la oportunidad de ser sólo una forma, jugando con la abstracción de la luz, el color y la transparencia. Sus esculturas están profundamente conectadas con formas geométricas y su reflexión de la luz, y en ocasiones son una combinación única de sensuales formas inspiradas en la naturaleza, con colores profundos y una mezcla alterna de superficies pulidas y ásperas.

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El cuerpo humanos se compone de agua entre un 65 y un 75%, visto así, estamos más cerca de ser un fluido que un cuerpo solido, especialmente en verano, cuando parece que todo se derrite. Bromas aparte, la experiencia de la vida humana está más conecta con esa naturaleza liquida: Fluir. Observar atentamente un remolino de distintos fluidos resulta una experiencia contemplativa tan intensa como una meditación. Y llevando todo esto al terreno estético, nos encontramos con experimentos fotográficos como los de William Miller.



Quizás hayas visto en alguna ocasión una de sus populares Ruined Polaroids, sino a continuación te mostramos algunas de ellas. Pero aunque estás Polaroids sean quizás sus obras más difundidas, debido a su riqueza cromática. El resto de su obra merece especial mención y atención, a través de series como Gowanus Canal, Medium Study o Athazagoraphobia se puede apreciar el discurso estético que reside de fondo en todas sus series y experimentos: Un especial interés que el componente abstracto inherente a la realidad que nos rodea, y al mismo tiempo una capacidad auto-reflexiva sobre la fotografía como medio de expresión.

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Dentro de esa línea que en Belio nos gusta tanto, a medio camino entre arte y naturaleza, se encuentra la obra de Xavi Déu, una obra que crea espacios y momentos para la reflexión y la autoreflexión. En el caso de Xavi, se pregunta "¿Soy artista o naturalista? por que escoger...", y el mismo concluye: "La naturaleza nos enseña, de manera perseverante, que no existe el bien y el mal sino la experiencia de vivir la coherencia personal. De expresar esta coherencia y de relacionarla con la de los otros, me gusta decir cooperación."



Del 21 de Junio al 10 de Agosto de 2013 se presenta Tots els ocells del món en Espai Tactel, la muestra se divide en tres partes: dos instalaciones y varios dibujos en tinta sobre acetato. Xavi Déu reflexiona y agita los conceptos de agresividad y violencia en el ámbito de la naturaleza. Un viaje auditivo y visual en torno a la ornitología. Un proyecto que encuentra su verdadero rostro olvidado, entre el bosque, el campo, la montaña, al borde del mar, entre las aves, ahí es donde reside la música para Xavi.

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A través de la experiencias extremas de la vida, esos picos altos y bajos, momentos en los que tus pies no tocan el suelo o por el contrario, en los que pareces hundirte en una pesadilla, podemos aprender, observar y evolucionar. Solo a través de amar tanto lo bueno como lo malo, podemos llegar a compensar la balanza y no solo llegar a una vida plena, también adquirir conocimiento y conciencia sobre el misterio de la vida. En el caso de artistas esta evolución va unida a la obra personal, a su expresión y depuración obra a obra, como un viaje infinito que se comparte con el espectador. Así es la vida y obra de Erik Siador, si sabemos todo esto es porque caminamos el mismo camino, el de la creación como introspección.



"Intento que mi obra ser sienta como si fuera un ente vivo y respirando. Ya se trate de los seres orgánicos o mecánicos y sus entornos, cada obra que hago me contiene de forma críptica en algún lugar escondido." Explica Siador sobre su personal obra. Nacido en Urdinita, Filipinas, Erik ha crecido y vivido la mayor parte de su vida en California, un perfecto entorno para una obra como la suya, que bebe de influencias tan variadas como el cómic, el arte psicodélico, la ciencia ficción y la ciber-cultura con toques tribales.



El pasado 1 de Junio Siador presentó una nueva colección de obras bajo el título The Inner Conflict, un viaje a un universo paralelo donde las reflexiones de nuestro yo interior son capturadas. La aventura que transmite la exposición está conectada con algunas de nuestras emociones más vulnerables relacionadas con la espiritualidad, el amor, el sufrimiento y el miedo. Erik ha aprendido a sacar partido de las experiencias negativas, de superar las adversidades, transmutando experiencias de vida en obras de arte, con la esperanza de poder así ayudar a otros que buscan el camino. La exposición se puede visitar hasta el día 29 de este mes en Thinkspace Gallery.

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Hoy os presentamos el trabajo de un bioquímico de profesión, que trabaja para una gran compañía farmacéutica internacional desarrollando productos biofarmacéuticos (moléculas de proteínas) para tratar el cáncer y la diabetes. Lo cual no es tan extraño, pues en Belio nos encanta mostrar las conexiones entre arte y naturaleza. Y en el caso de Linden Gledhill, nuestro bioquímico de hoy, comparte esa pasión por capturar y mostrar la belleza intrínseca en los procesos de la naturaleza.



"Estoy totalmente maravillado con el mundo físico a mi alrededor y obsesionado por su belleza natural. Mi carrera en la ciencia ha magnificado este sentimiento de admiración. Para mí, la fotografía es una forma de capturar esta belleza física y transmitir este sentimiento a los demás." Declara Linden, quién comenta abiertamente que está siempre abierto a nuevas e interesantes colaboraciones. Así es en parte como hemos descubierto su trabajo, gracias a su reciente colaboración en el último trabajo de Jon Hopkins, quién ha publicado su nuevo álbum, Immunity. La portada, así como el vídeo teaser que fue publicado con anterioridad, son fruto de la colaboración entre Gledhill y el diseñador Craig Ward.

La obra de Linden no se limita a fotografía microscópica, en su web puedes ver todo tipo de proyectos fotográficos, con ferro-fluidos, macros de naturaleza, fotos con alta velocidad de obturación, etc. A pesar de esa inquietud por lo experimental, sus fotografías tienen ese componente de perfección claramente ligado a su formación en un entorno científico.

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All images © by Linden Gledhill.
More information and images at: www.flickr.com/photos/13084997@N03

Una batería hecha con piezas de un furgón policial, un tanque de tamaño real que se infla y se desinfla, el concierto de un secador de pelo adjunto a un micrófono, una casa en un árbol hecha con partes de una avioneta... Y así un largo suma y sigue de ideas, sutiles y poéticas en ocasiones, o directas como un puño en toda la cara. Las obras de Michael Sailstorfer son una demostración de buenos conceptos bien ejecutados.



Sus obras tienen ese punto sarcástico pero romántico donde se reflexiona sobre la sociedad en la que vivimos. Son una exploración de los límites de la escultura y su entorno. Una de nuestras obras favoritas de Sailstorfer es el resultado de una invitación que recibió el artista para realizar un escultura en un espacio público en la ciudad de Pulheim, gasto todo el presupuesto en 28 piezas de oro que enterró en la plaza central, y a través de una conferencia de prensa llamó a todo el pueblo a participar en la búsqueda del tesoro.

Te recomendamos ver un par de vídeos (aquí y aquí) en el puedes ver sus instalaciones en acción. Su próximo proyecto se titula Mückenhäuser y estará expuesto en el Kunsthalle Recklinghausen del 7 de Julio al 29 de Septiembre.

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2013-06-06 : ODÖ, extremismo pop

Aveces nos paramos a pensar en las futuras consecuencias del actual estado de sobre-información. No solo noticias, consumismo y cultura de masas, también la sobre-producción y saturación de escenas que habiendo nacido como "underground", desde hace tiempo forman parte de las tendencias populares. Es decir, el street art, el skate, el tattoo, etc. El resultado aún está por ver, pero ya tenemos algunos indicios en el arte, como las obras de Nicolas Le Borgne, alias Odö: Un revuelto psicodélico de cultura pop y tendencias gráficas extremas.



Original del pueblo costero de Bayonne, Francia, no es de extrañar que Nicolas centrará su atención en el mundo de las tablas, no solo de skate, la marca Billabong contó por un tiempo con sus servicios. Pero desde hace unos años Odö se ha concentrado en una frenética carrera artística, mayormente desligado de marcas comerciales, exponiendo su obra en Londres, Berlín, Roma, San Francisco, Copenhague, San Paulo, etc. Y por supuesto en Francia. Su más reciente exposición individual tuvo lugar en Febrero de este año en Spacejunk Art Center, allí presentó sus últimas creaciones, alucinaciones, mezcla de tatuaje old-school, cultura pop americana y una especie de ácido pseudo-paganismo, a base de bolígrafo, acuarela, tinta china, grafito y café sobre papel.

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Hoy os presentamos otra propuesta escultórica, aunque para ser más exactos la obra de Tim Phillips está más próxima al diseño gráfico y a la instalación que de la clásica idea que entendemos por "escultura". Prueba de ello es el fuerte impacto visual que ejerce sobre el observador, como en nuestro caso, tras observar una de sus instalaciones sentimos la urgencia por descubrir el resto de su obra.



Esa atracción visual tiene una explicación y un sentido. Según el propio Phillips "De la misma forma que el mago engaña al ojo del espectador con el fin de ocultar la mecánica de un truco, los sistemas de manipulación y control que nos encontramos son parte de un íntimo 'teatro'. (...) El icono religioso o el logotipo de una marca es una simple compresión de ese poder que infunde la geometría a través de la participación del espectador." Es decir, Phillips juega con una serie referentes a medio camino entre la publicidad y el arte sacro, tanto en la forma con en el concepto, para a través de la geometría sagrada, el uso de luces de neón y maderas cortadas al láser, crear una especie de altares que inspiran poder y respeto, pero también paz y armonía.

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En un mundo obsesionado con el mito del progreso, los materiales reciclados pueden constituir la base de una composición nueva y original, visualmente potente y convincente. Como las obras de Sirous Namazi, que utiliza objetos desechados de la vida cotidiana normalmente vinculados con la sociedad de consumo, sacándolos de su contexto original e incorporándolos como parte de estructuras en esculturas e instalaciones, creando así nuevos híbridos.



El proceso artístico de Namazi tiene mucho que ver tanto con la destrucción y desestabilización, pero también con la creación y la construcción. Establece una llamada de atención sobre la precariedad del mundo actual, con todos la rápidos cambios de ritmo y la evolución de las cosas. El pasado 8 de mayo, la galería italiana Erica Fiorentini Arte Contemporanea inauguró la nueva exposición del artista iraní. La exposición presenta una selección de obras que representa el tema principal de su investigación.

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Se echaba de menos en Belio un nuevo reportaje sobre un fotógrafo, así que dejándonos llevar por nuestro olfato hemos llegado y descubierto a Stanislav Markov, más conocido como Garmonique, un joven de 26 años de Moscú, Rusia. Hace una semanas incluimos una de sus fotografías en nuestra galería online, nos llamó la atención por su carácter abstracto, casi irreal. Pero revisando su portfolio se puede apreciar que Markov tiene no solo un estilo claro y concreto, sino además un gran talento.



Cuando se trata de arte, al igual que pasa con música, la obra de ciertos creadores se enmarca mejor bajo el neutro fondo de no poner títulos a las obras. Así sucede con las fotografías de Garmonique, todas sus series van etiquetas como "untitled". El motivo principal es porque su obra no precisa de aclaraciones, toda la magia, el romanticismo y la poesía encontrada en lo cotidiano es capturada de forma sublime. Son momentos congelados que no necesitan palabras que acoten su abstracta belleza.

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Si mezclamos una dosis de surrealismo, otro poco de cultura pop, un tanto de abstracción y unos toques oscuros o misteriosos, el resultado es una nueva reencarnación de la sombra del lowbrow. Gracias a dios esa sombra fue ya definida, acotada y clasificada, y artistas como Ryan Browning pueden arrojar algo de luz y nuevas influencias en la escena contemporánea de la pintura norteamericana.



La obra del joven Browning (nacido en 1981 en Houston, Texas) tiene un componente claramente escapista, son obras que invitan a disfrutar de paisajes propios de un sueño, en concreto el sueño de un artista plástico, donde las manchas de pinturas crecen, adquieren volumen y hasta vida propia. En muchas ocasiones estás formas coloridas son el punto de luz, de esperanza, en paisajes oscuros o cavernas... Es decir, una muy posible representación de la creatividad en estado puro dentro de la mente del artista. Porque a veces la mejor escapatoria no está fuera, sino dentro de nosotros mismos.

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Normalmente procuramos hacer reportajes de artistas y creativos que aún están por descubrir, pero a veces es necesario ensalzar el trabajo de creativos como Like Minded Studio, no por su impresionante cartera de clientes (Nike, Stussy, Zoo York, MTV, Jim Beam, Vh1, ES, Etnies, Tiger Beer, Absolut Vodka, Reebok, Coca-Cola, etc.), sino por la maestría demostrada de forma constante, técnica y creativamente.



LMS™ es un estudio de diseño basado en Sidney, Australia, y su principal fuerte es el dominio y conocimiento de la tipografía, sus letterings de estilo ornamental con toques renacentistas combinados con citas referentes al mundo de la creatividad se han hecho altamente populares. Entre sus más recientes encargos comerciales destaca todo el trabajo gráfico y tipográfico para la película El Gran Gatsby. Si a todo esto le añades además un uso impecable de herramientas 3D, el resultado son trabajos de infinitas posibilidades, tal y como puedes ver a continuación:

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¿Qué sentido tiene a día de hoy el arte urbano? Es decir, una vez pasado todo el boom de los años pasados (una década por lo menos), todas esas expresiones a medio camino entre el graffiti y el arte contemporáneo de galería han dejado de ser una revolución artística para convertirse un lenguaje estandarizado. Los artistas que dentro de esta escena ofrecen un punto de innovación se encuentran más cercanos a la conceptualización del entorno, que a una reivindicación de lo público, de lo urbano. Utilizar la calle como lugar expositivo a dejado de ser un statement, para convertirse en un experimento visual.



Sobre estas líneas puedes ver una de las colaboraciones entre Ciredz y Alberonero, dos artistas italianos que encarnan dicha evolución del lenguaje urbano, una evolución sana y lógica desde nuestro punto de vista. La obra de ambos tiene un fuerte componente naive, abstracto y simbólico, con cierto toque irónico, cercano al estilo de precursores de esta estética urbana como 108, Escif, Moneyless, Eltono, etc.

A pesar de contar con la geometría básica y la abstracción como puntos en común, los estilos de ambos son claramente distinguibles. Mientras Ciredz apuesta más por la forma y sus posibilidades, Alberonero explora el color y sus combinaciones. La obra no-urbana de Ciredz tiende hacia la escultura, y la de Alberonero está más vinculada con el dibujo y la ilustración. Lo cual hace de sus colaboraciones callejeras un interesante ejercicio para experimentar con los límites de sus respectivas obras.

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Ciredz
:













Alberonero
:











En muchas ocasiones lo mejor es apostar por la soluciones fáciles y rápidas, sin complicaciones, sencillamente deleitarte en aquello que te gusta. Porque no todo en esta vida, ni en el arte tiene que ser innovación y romper esquemas. Si lo que haces, da igual el estilo y la técnica, es algo hecho con puro sentimiento y honestidad, el resultado final es siempre un caballo ganador. Y el "ganador" de hoy en Belio es Robert Colquhoun.



Nos da igual quién es Robert, de hecho no encontrarás demasiada información en internet, ni siquiera en su web, pero lo importante es su obra, su belleza y su simplicidad. La formula es una mezcla de collage, imágenes con aire nostálgico, una buena selección cromática y en ocasiones cierta fascinación por la tipografía. ¿Acaso hace falta saber nada más para poder disfrutar de la siguientes imágenes? Hoy no...

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Buscar y encontrar el contenido de Belio es para nosotros una especie de labor espeleológica combinado con una inquietud cercana a la mineralogía, es decir, nos adentramos en los rincones más insospechados en busca de un nuevo artista que nos deje maravillados, como si hubiéramos encontrado una piedra preciosa. El caso de hoy no se podría ajustar mejor a esta definición, las esculturas de Amy Brener son lo más cercano a una recreación humana (en forma de obra de arte) de los maravillosos procesos que se dan en la naturaleza, en la formación de minerales.



De origen canadiense, actualmente Amy Brener trabaja y reside en Nueva York. En su breve pero intensa carrera Brener ha conseguido afianzar un estilo propio que mezcla sus intereses por la luz, el color y el volumen en forma de obras con un claro carácter totémico, debido a su continua devoción por la verticalidad. Las obras que podéis ver a continuación son solo una selección de la infinitas posibilidades que ofrece el proceso de elaboración de Amy, que trabaja con resinas transparentes y semi-transparentes, pigmentos y texturas plásticas. Sin duda, te recomendamos un detenido paso por su web para poder apreciar el resto de su genial obra.

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"Los mandalas están todos basados en la cuadratura del círculo. Su motivo básico es la premonición de un centro de la personalidad, una especie de punto central dentro de la psique, con el que todo está relacionado, mediante el cual todo está ordenado y que es en sí mismo una fuente de energía." — Carl Jung.



Las obras que Javier Iglesias Algora (Gnosick) presenta estos días en las paredes de Twin Gallery, en Madrid, no tienen porque ser entendidas obligatoriamente como mandalas. En realidad, son formas geométricas y simétricas que surgen de la naturaleza, de la matemática, del caos y el orden, de manera inevitable. Son formas que pueden ser encontradas en las culturas ancestrales de todo el mundo y que suelen recibir el nombre de Geometrías Sagradas.

Esta colección de obras recogidas bajo el título de “Portals” nacen de un largo proceso de creación y meditación por parte del autor. Un proceso en el que se funden diversas experiencias de vida, viajes a distintos países, películas, novelas, música... De alguna manera las obras no han sido creadas con una idea sino que han emergido de la propia vida de Javier Iglesias. "A día de hoy, mostrar estas obras es como mostrar una colección de espejos en los que se reflejan distintos momentos y sentimientos que he vivido en estos últimos años. Al mismo tiempo, son una representación exacta de todo mi universo, mis gustos y mis creencias. Una vez colgadas las obras en las paredes de la galería he visto mi alma desnuda, mostrada sin pudor. No era algo pretendido pero ha sido algo inevitable. Yo soy estas obras."

La exposición Portals puede ser visitada hasta el 29 de mayo en Twin Gallery: Calle San Hermenegildo 28, Madrid. De martes a viernes de 17:00 a 20:00 o fuera de ese horario concertando cita con la propia galería en el teléfono: 659 272 168.

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