Alguna persona podría decir que gran parte del arte que publicamos en Belio tiene tendencias escapistas, bien a través de utopías o distopías, o sino a través del mundo de los sueños. Para nosotros ese mundo es tan real y tan auténtico como el que te rodea ahora mismo, de hecho quién dice que tú estés viviendo en el mismo mundo que nosotros. Por eso mismo vemos el arte como una escalera que conecta los distintos niveles de realidad, el tuyo, el nuestro y el de artistas como Mihai Grecu, video ilusionista y creador nacido en Rumania en 1981.



Sus temas más recurrentes suelen ser "tales como la angustia, la clonación, la alucinación, la vida urbana y la guerra, a través de los cuales articula el conjunto en su exploración de los orígenes del subconsciente y sus misterios. Estos viajes poéticos y visuales, mezclan varias técnicas y estilos, y pueden considerarse como propuestas de una nueva tecnología orientada sueño", comenta Grecu en su sitio web. Pero lo mejor para entender su aproximación al tema es visualizar y disfrutar de los geniales vídeos Centipede Sun (2010), Glucose (2012, en colaboración con Thibault Gleize) o su más reciente trailer para Exland (de nuevo en colaboración con Gleize):



Fruto de sus colaboraciones con Thibault Gleize surgieron los teasers de Jasmine para el último album de Niveau Zero (Ad Noiseam), los cuales os hemos publicado en nuestra sección de vídeos el año pasado. La obra de Mihai también ha sido mostrada en festivales de cine (Locarno, Rotterdam, Festival of New Cinema en Montreal) y exposiciones (Dans la nuit, des images en el Grand Palais, Labyrinth of my mind en The Cube, Video Short list: the Dream Machine en el Passage du Retz, Studio en Les Filles du Calvaire Gallery, etc). Sin duda, Grecu aspira a convertirse en un video-creador de prestigio, su obra ya se ha ganado todo el respeto.

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Boris Hoppek es un viejo conocido entre las páginas de Belio, no solo colaboró con nuestra publicación hace ya largos años, sino que además ha sido todo un referente en ilustración y arte urbano, especialmente en la década que va del 2000 al 2010 con el boom del diseño de caracteres, lo cual se vio reflejado no solo en el arte urbano, sino también en el arte de galería, la moda de los juguetes de diseño (vinyl toys) y en la cultura pop en general.



Boris fue uno de los muchos que dieron vida y esplendor a esta tendencia en ilustración. Y con los años no ha perdido su frescura a la hora de dibujar o de engendrar nuevos proyectos. Sigue fiel tanto a su línea, como a sus personajes principales, así como al tema general de sus obras: una obsesión sana por el sexo y la belleza de una sociedad multirracial, sin perder un punto crítico-social cuando es necesario.



Hoppek presenta su nueva exposición Don't Believe a Word I Say! en SC Gallery, donde se mostrará una selección de nuevos trabajos individuales, fotografía, dibujo e instalaciones. La inauguración tendrá lugar el próximo 10 de Mayo a las 20:00h y estará abierta al público hasta el 5 Julio 2013.

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El pasado 26 de Abril se inauguró en Espai Tactel la exposición Nobody Say It Was Easy de Antonio Fernández Alvira. Una exposición que recoge las más recientes obras de Antonio en su ánimo por experimentar con los límites de la ilustración: "El proyecto se expresa mediante la experimentación del dibujo, diferenciándose técnicamente en diferentes series de trabajos. Por un lado los dibujos realizados con técnicas más tradicionales como la acuarela, el gouache o la tinta y por otro lado los realizados con hilo bordado a mano sobre papel."



En cuanto al contenido, parece que la obra de Fernández Alvira se centra en representar y evidenciar los planos superficiales de la sociedad, aquellas capas que conforman las apariencias, tanto a nivel individual-personal, como a nivel de entorno-escenario. Un tema general que tiene especial fuerza en las ilustraciones que puedes ver a continuación sobre falsos escenarios, donde el autor ha jugado con la tridimensionalidad del plano y la perspectiva. Puedes visitar la exposición hasta el 15 de Junio.

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Seguramente has escuchado o leído muchas veces que lo importante no es el destino, sino el camino. Una sabia frase que se puede aplicar a todos los aspectos de la vida, como si fuera un carpe diem que nos viene a decir que disfrutemos tanto del proceso como del resultado final. Y Christian Flynn hace de esta la piedra angular de su trabajo. Sus obras nos muestran el estado final como una representación de su proceso creativo.



Alguien podría decir que las obras de Flynn son sencillamente obras inacabadas. Pero hay una gran diferencia entre dejar una obra a medias y el enfoque de Christian, por lo general en sus pinturas se encuentran elementos que nos indican el componente paradójico entre obra final y obra en proceso. No dejando lugar a dudas: Lo que ves es el destino de Flynn. En ocasiones son escenas de su propio estudio con obras aún inacabadas (?), y en otras ocasiones son elementos cotidianos auto-referentes que nos ayudan a entender la visión pop de su universo personal.

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Aunque tenemos un corazón medio industrial y robótico, al final siempre volvemos de algún modo a ese lado humano y orgánico. Precisamente el contraste entre el arte más frío, geométrico y abstracto, y la obra de artistas como Otecki es lo que hace de esta una mezcla interesante. Valorando las dos caras de una misma moneda, un principio básico de la dualidad tan arraigada en el ser humano. La obra de Otecki nos devuelve el amor por la tierra, la naturaleza, la diversidad y la perfección dentro de la imperfección.



Descubrir la obra de Otecki es adentrarse en mundo ilimitado de posibilidades. Su trabajo abarca diseño gráfico, ilustración, arte urbano, grabado, collage, escultura e incluso vídeo (como el que podéis ver a continuación), pero a pesar de la diversidad de formatos, el espíritu orgánico de Otecki está presente en cada una de las obras. Su estilo es una mezcla entre la estética tribal, el folclore de su país, el diseño de caracteres y la corriente naive de los últimos años en ilustración.



En este vídeoclip para en2ak se puede apreciar ese carácter Do-It-Yourself y el universo gráfico de este artista polaco. Otecki es sin duda un representante más de la vitalidad de la escena creativa de la Europa del Este, y especialmente un restaurador de la identidad folk de los pueblos a través del arte.

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Cuando hablamos de utopia, normalmente nos hacemos a la idea de que es un lugar en el futuro, pero la vida nos enseña que el futuro no existe como tal, solo el momento presente y nuestro futuro se va configurando con las acciones y decisiones que tomamos en el momento actual. Si queremos vivir en ese idílico lugar, quizás deberíamos empezar por considerar el presente como una especie de utopia, donde esculturas como las de Aili Schmeltz conforman un nuevo paisaje.



Inspirada en parte por el paisaje de Los Angeles, ciudad donde reside, y por las contradicciones inherentes a ese paisaje, entre lo artificial y lo natural, sus obras representan esa paradoja entre belleza y desecho. Tal y como ella misma lo define: "Estas estructuras híbridas son materializaciones, restos de un ideal que nunca fue y nunca podrá ser. Como monumentos caídos a una filosofía utópica, que funcionan como reliquias de un "buen lugar" y un "no lugar". Son afirmaciones de un futuro brillante y un pasado caído, recontextualizando y recombinando materiales al mismo tiempo nostálgicos y futuristas. [...] En parte arquitectónico, en parte fósil, en parte potencial: estas obras utilizan materiales de construcción desechados que parecen haber cristalizado en un proceso de estratos 'natural', que han experimentado una transformación filosófica aún por cumplirse."

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Cada rayo de sol que derritió el último vestigio del invierno es un momento perfecto para recordar la belleza de las noches frías, de la solitud y la plenitud de un cielo estrellado. Un momento también para la reflexión. Las obras que os presentamos hoy nos trasmiten ese sentimiento, un último y precioso recuerdo antes de adentrarnos en el cálido sentir de la primavera. ¿Cuántas posibilidades teníamos de tropezarnos con la obra de Kyle B. Jorgensen justo ahora?



Nunca lo sabremos, la respuesta a esta pregunta pertenece a un terreno desconocido. Y precisamente, los elementos que se repiten una y otra vez en la obra de Kyle: bosques, icebergs e imágenes del cosmos combinadas con estructuras geométricas son "símbolos que representan una investigación interna sobre la soledad, el aislamiento, el potencial y el respeto hacia lo desconocido." Tal y como afirma Jorgensen al presentar su obra. Entre sus próximas citas con el mundo de las galerías destacan su participación en la colectiva Wider Than a Postcard comisariada por Sven Davis para Breeze Block Gallery en Mayo de este año y su siguiente individual Bricolage en Boise ID para Enero de 2014.

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En contadas ocasiones un vídeo nuevo salta de nuestra sección de vídeos para convertirse en noticia central. Cuando esto sucede es porque el vídeo no solo es una joya en términos visuales (dirección de arte, fotografía, efectos, etc.), sino que además su contenido coincide con el mensaje que desde Belio queremos transmitir. Y en este caso Illusions del director Samm Hodges, colaborador del estudio de producción / post-producción Animal, va directo a la esencia...



¿Has visto ya el vídeo? Poco más se puede decir, aparte de elogios sobre la belleza con la que el director y escritor nos habla del secreto de la vida, del ser humano, de la existencia, de las ilusiones hechas realidad. Lo mejor de todo es que este es el primero de una serie de ocho vídeos, los cuales estaremos esperando con mucho gusto. Así que si aún no te has parado a ver el vídeo ¿A qué estás esperando?

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Rara vez hacemos noticias de iniciativas que buscan apoyo vía crowdfunding. El motivo es que son muchos, miles, las iniciativas que necesitan de ayuda = financiación, puede ser un artista sin medios, la edición de un libro, o la producción de un documental, hasta la grabación en estudio de un disco de música, etc. Es positivo buscar el apoyo del público, pero al final la creatividad y el desarrollo de nuevos proyectos debería basarse en una labor más humana y menos dependiente de factores económicos. Dicho esto, hoy hacemos esta excepción en favor de un proyecto que puede ser una herramienta de alto interés para creativos de distintos campos: Bhoreal.



Bhoreal es un controlador de código abierto para distintas aplicaciones multimedia, especialmente recomendado para DJs, VJs, músicos, artistas visuales, hackers y creadores DIY. Ha sido ideado y desarrollado por MID, basado en Octinct, un diseño original de Jonathan Guberman. Pero mejor es que te lo expliquen ellos mismos:



De momento han alcanzado un 36% de la financiación deseada, pero aún quedan unas semanas para que puedas participar en este proyecto - link. O si lo prefieres también puedes apuntarte al taller que impartirán en la nueva edición del L.E.V. Festival, nuestro encuentro favorito de música experimental y visuales.

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Si alguien nos preguntará qué música definiría mejor a Belio, sería obviamente un híbrido, una mezcla de estilos y referentes de distintas culturas, donde se entrevén influencias de un pasado bien digerido. En ilustración nos pasa igual, sentimos debilidad por aquellos artistas que revisitan los iconos del pasado, que mezclan culturas diferentes, pero siempre con un punto actual, como si fuera una remezcla de estilos o mejor dicho: una raza del futuro. Así vemos el trabajo de Feashcaaps, también apodado Spiyr.



El estilo de Feashcaaps no es un simple híbrido marciano de culturas, en el se pueden distinguir claramente sus pasiones: por un lado todo lo que huele a calle, desde el street art a los deportes urbanos, pero también la cultura pop nipona, el cómic y todo aquello con raíces tribales. Con base en París, este ser hambriento de líneas y colores ha trabajado para empresas como Millimages, Magiclab o Uzik. También colaboró en nuestro Belio 033, y continúa expandiendo su universo gráfico a la espera de proyectos que llamen su atención y le permitan desarrollar todo su potencial, que sin duda es enorme.

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Ya sabes lo que es procrastinar ¿Verdad? Y probablemente en una de esas muchas veces que andabas deambulando por la red has caído en una de esas hipnóticas webs, aparentemente absurdas pero simples, bellas, interáctivas y en no pocas ocasiones alucinantes. Así es la última generación de net-art y detrás de cada una de estas webs hay un artista, o quizás el mismo artista: Rafaël Rozendaal, sin duda uno de los más prolíficos artistas en este campo. Es posible que conozcas sus webs intotime.org, intotime.us, papertoilet.com, o sus más recientes lookingatsometing.com y randomfear.com.



Pero a nosotros lo que realmente nos fascina de su obra son sus proyectos de video e instalaciones de arte, como la imagen que podéis ver sobre estas líneas (y a continuación). Sus instalaciones son sencillas y incluso minimalista, no en el sentido material pero si en el concepto estético. Aparte de la creación y proyección de animaciones básicas y coloridas, el otro aspecto inherente a su obra es el uso de espejos, en muchas ocasiones destrozados, ofreciendo así una visión distorsionada de la irrealidad. La obra de Rafaël sigue el camino inverso: des-virtualizando una obra puramente digital, otorgando así un aspecto físico a un arte puramente transitorio.

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Todos nos movemos en espirales, pasando por lo mismo una y otra vez, pero de forma distinta. Repitiendo nuestros errores y nuestros aciertos, perfeccionando con cada curva, con cada pasada, aprendiendo, quizás que todo es cíclico. Nuestros gustos también y al encontrarnos con la obra de Lia Melia es como encontrarse con la obra de una artista que ya conoces, un discurso que te es familiar y por el cual sientes debilidad: La abstracción realista, la naturaleza y su química como protagonista y como proceso de trabajo, un universo dentro de otro universo y así hasta donde nuestra percepción alcanza a ver. Perdidos en la belleza de pigmentos de color, fluidos y reacciones químicas.



"Utilizo pigmentos en polvo y disolventes, los meto al horno sobre superficies de aluminio (sobre todo para la velocidad de secado) o, en ocasiones, utilizo vidrio como soporte. También trabajo con mezclas de fluidos que requieren un alto nivel de control" comenta Melia. Sus principales fuentes de inspiración son la poesía, la mitología y por supuesto la naturaleza, la cual disfruta en sus paseos en la proximidades de un pequeño pueblo de Inglaterra, donde reside. Su obra se puede encontrar en la galería online de Saatchi o a través de sus representantes Claremont Antiques and Modern Art y Gallery Forrest.

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All images are © Copyright Lia Melia

Cuando nos encontramos con la obra de alguien que se oculta tras una máscara, en todos lo sentidos, nos permite imaginar libremente su historia, pero sobre todo sus pasiones, obsesiones e intenciones. Entonces el arte se convierte en un juego de adivinanzas que nos encanta practicar. Desconocemos quién es o de dónde ha salido M. de Vena y su Human Hydra Project, lo cual nos permite centrarnos en lo que realmente nos interesa, lo que nos ha llamado la atención: su obra.



No hay duda de que M. se siente terriblemente atraído por el ocultismo, la magia, los mitos, los tatuajes clásicos y ese aire francés y decadente de finales del siglo XIX. Su trabajo se divide en dos disciplinas bien diferenciadas: el diseño gráfico, claramente no tan destacable como su talento para la ilustración, donde demuestra su auténtica personalidad. Sus ilustraciones, especialmente su trabajo de línea, puntos y tintas planas en negro y dorado, son una suma de iconos y símbolos de distintas culturas ensambladas con un gusto exquisito.

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En los últimos días o más probablemente en las próximas semanas, vais a leer en más de una revista o blog de arte el nombre de esta pareja de artistas suizos: Taiyo Onorato & Nico Krebs. El motivo no es otro que el premio que recientemente les ha concedido el jurado internacional de la Foam Paul Huf Award 2013, un prestigioso premio anual que se otorga a fotógrafos menores de 35 años. Sobre su obra el jurado ha afirmado: "En la obra de Taiyo Onorato y Nico Krebs vemos un carácter lúdico y profundo que toca el propio ADN de la fotografía. Nos alegra otorgarles este premio por decisión unánime."



A pesar de tener un componente bastante escultórico, la obra de Taiyo y Nico es indudablemente una continua reflexión y homenaje a la fotografía como medio artístico. No solo por su elaboración de cámaras imposibles en las series As Long As It Photographs y Camera Collection, o sus juegos con la perspectiva y la percepción del espacio en Un Espressione Geografica, sino también por su exploración visual cercana a esos principios de la fotografía artística, cuando el surrealismo, el dadaismo y el futurismo eran las tendencias estéticas. Todos y cada uno de los proyectos de la obra de Onorato & Krebs tienen ese carácter experimental y clásico al mismo tiempo, lo cual la convierte en una obra atemporal.

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Nuestras vidas podrían ser vistas como una yuxtaposición continúa de capas, un complejo sistema de acumulación y depuración, donde el resultado final, el presente, es la perfecta combinación de elementos del pasado. El resultado es sencillo en el fondo, pero complejo en su forma. Este tipo de proceso abstracto se da en la música, una de las artes que mejor encarnan la abstracción, pero también se representa en otras disciplinas como la pintura. Las hiper-detalladas obras del danés Morten Andersen son precisamente el fruto de años dedicados a este arte: experimentar, acumular, superponer, depurar, realzar... ¿terminar?



Tuvimos la ocasión de conocer a Morten hace unos años en Berlin, ciudad que ha terminado por acoger a este inquieto artista a medio camino entre el futurismo del arte urbano y la pintura expresionista abstracta. Y desde entonces su obra se ha mantenido fiel a sus orígenes, la pintura por la pintura como leitmotiv. En los más recientes años se han ido incorporando nuevos elementos, nuevas técnicas, pero sobre todo su producción se ha condensado, menos obras pero más profundas.

Actualmente puedes ver su obra en la recientemente inaugurada Extent Immeassurable, su exposición individual para Galerie Liebkranz (Berlin). Abierta hasta el 13 de Abril. A continuación te mostramos sus más recientes obras, todas ellas fechadas en 2013. Si quieres ver toda su obra anterior y así apreciar la evolución progresiva de su obra, puedes visitar su web: www.m-andersen.com

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2013-03-19 : DESDE 1999...



¿Por qué?* ¿Para qué?** ¿Hasta cuándo?*** ¿Cómo?**** Muchas veces nos preguntamos por el pasado, presente y futuro de Belio. Un ente que nació como un proyecto personal de experimentación y difusión de la cultura que amábamos, y que ha evolucionado durante los años a la par que nuestros gustos y conocimientos se han ido ampliando. En definitiva, la historia de Belio es la historia de Javier y Pablo Iglesias Algora, los alma máter de este ser. Su día a día es nuestro día a día.

*Belio continúa año a año porque es una necesidad personal, necesidad de buscar, encontrar y compartir inspiración. **No sabemos con total exactitud cual es el fruto de todo este trabajo, pero tenemos nuestro ideal en mente: es un continuo sembrar, esperar y soñar con recolectar un futuro mejor. ***Belio es eterno, aunque ya no se edite en papel, su espíritu, su esencia, vive entre ceros y unos, pero también en nuestra mente, como parte de una plataforma para experimentar. ****No importa el cómo, estamos viviendo una época de profundos cambios, es tiempo de reflexión y transformación a todos los niveles (social, económico, político, emocional, espiritual). Hasta que esa etapa no haya dado unas conclusiones, no podremos definir la cultura y su formato, es parte del futuro. Pero si nos permites opinar: Creemos que el futuro será brillante. Por eso seguimos aquí día tras día.

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Robert Anton Wilson dijo que los japoneses eran la sociedad más avanzada y preparada para el futuro, y no es el único que así lo cree. Esa combinación de tradición y futurismo tecnológico es en esencia el espíritu que ronda a todo creador del país de sol naciente. Una sociedad llena de contrastes que se refleja en el mundo de la creación en forma de respeto por la técnica, por el arte, por esa tradición, pero al mismo tiempo encarna también la obsesión hasta puntos insospechados por el futuro, la robótica, la ciencia ficción y todo lo industrial. Fruto de esta mezcla han surgido grandes obras del cine, el anime, el manga, el diseño, etc. como Akira y Tetsuo, por mencionar solo los ejemplos más populares. El trabajo de Komtena es sin duda un justo descendiente de este espíritu.



Komtena es el nombre artístico de Yoshitaro Yamazaki, obviamente japonés, ilustrador y diseñador gráfico. Ha colaborado con grandes marcas como Nike, Burton Snowboards, Mild Seven, etc. pero su genialidad como creador no reside en estos trabajos comerciales, sino en sus fantasías a lápiz sobre papel. Las obras del joven Yoshitaro son una combinación de manga e ilustración Sci-Fi de estilo retro, claramente Influenciado por el graffiti, el arte de Katsuhiro Otomo, Akira Toriyama, Norman Rockwell, J.C. Hewlett, y su pasión por las bicicletas y las motos. El resultado es tan impresionante como barroco, el sueño de toda maquina.

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El pasado 1 de Marzo se inauguró en Espai Tactel la nueva exposición de Carlos Forns Bada bajo el título Estrategias Expedicionarias. En ella se presentan los más recientes cuadros e ilustraciones del artista madrileño, especialmente reconocido internacionalmente por su colaboración con Bulgari desde el año 1996. Marca para la cual ha realizado una larga serie de óleos que cuelgan en sus joyerías de Roma, Madrid, Düseldorf, Osaka, Londres, Nueva York y Milán.



La obra de Forns Bada se caracteriza por una estrecha conexión entre naturaleza y fantasía, una mezcla con toques de la pintura surrealista, la ilustración de carácter científico y la experiencia de un viaje al otro lado de la mente. Allí, en ese estado entre la vigilia y el sueño, Carlos recolecta recuerdos lejanos de su infancia en los jardines de Sevilla y les da forma en papel o lienzo. A continuación puedes ver algunas de las obras expuestas en Espai Tactel, así como algunos momentos de la inauguración. La exposición se puede visitar hasta el día 20 de abril.

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En esta casa tenemos cierta tendencia por la desfiguración, el no-retrato y llegados a un extremo, especial interés por el arte abstracto. No se trata de una negación de lo humano, sino un concepción humana que trasciende lo meramente físico. Como si una mancha abstracta pudiera definir mejor la personalidad del sujeto y al mismo tiempo de su autor. En ese camino que va de lo real a lo metafísico se sitúa el trabajo de artistas como Januz Miralles, quién el pasado mes presentó su última colección de obras en la galería Void de Amsterdam.



La exposición Nothing To See Here se compone de una serie de collages digitales dominados por el blanco y negro, con delicados toques de color. El aspecto que más llama la atención de las obras de Miralles es el marcado carácter orgánico elaborado a base de texturas y fluidos que desdibujan los perfectos rostros y cuerpos femeninos. Januz se encarga de elaborar y escanear las texturas, así como de fotografiar las modelos, para después aplicar su magia a través del retoque digital.

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Imagina un país donde las protestas pacíficas son criminalizadas, un país donde la policía (encubierta) es la que tira la primera piedra, un país donde se puede encarcelar a una mujer por robar artículos de primera necesidad pero donde un político corrupto puede robar millones del dinero público y recibir un indulto... Espera... ¡Despierta! No tienes que imaginar nada, este es el país en el que vivimos, y no somos los únicos. Esta vez los italianos se nos han adelantado en lo virtual: Leonard Mechiari a la cabeza de un grupo de diseñadores, animadores, compositores y programadores van a arrojar su piedra en forma de videojuego, RIOT!!!



El proyecto fue lanzado hace unos días a través de indiegogo para recolectar dinero y así financiar su producción. Con algo más de 10 días aún por delante van camino de duplicar el presupuesto establecido para su producción. Lo cual es un interesante dato para sacar algunas conclusiones sobre la sociedad en que vivimos: por un lado puede ser un claro indicador del nivel de crispación de los ciudadanos, pero por otro lado también es un reflejo del tipo de acciones que triunfan entre los crispados ciudadanos ¿Hasta qué punto el juego es un reflejo de la realidad?



La conexión entre las escenas del videojuego y los hechos ocurridos durante los últimos años en España, Grecia, Italia, Inglaterra, Egipto, etc. es clara, sin embargo el posible éxito de un juego así no representa la voluntad de sus posibles usuarios / consumidores. Es más una simulación, una vía de escape, un "quiero y no puedo" para ciudadanos de bien que aún ven la violencia como una opción virtual.

El juego saldrá para PC, Mac, iOS, Android y OUYA, con opciones de jugador individual o múltiples jugadores. En el juego puedes elegir ser parte de los protestantes, pero también ser parte de las fuerzas del "orden". Visto desde esta perspectiva, este juego puede ser no solo un regalo para el rebelde que todos llevamos dentro, sino también el sueño húmedo de todo antidisturbios... ¿Y tú, de qué lado estás?

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