Por enésima y probablemente no última vez, os presentamos otro artista mexicano a medio camino entre la ilustración, la pintura y el arte urbano. Y que al igual que los anteriormente publicados Saner, Sego, Seher, Dhear, Tixinda, El Grand Chamaco o Jimena Ramirez entre muchos otros, conforman esa joven generación de artistas gráficos que están dando nueva vida a la cultura y raíces mexicanas. No hay duda de que toda la cultura pre-hispánica de México es una inagotable fuente de inspiración, pero sobre todo una colorida forma de redefinir la identidad de un país a través de sus tradiciones. Curiot es el nuevo embajador de esta tendencia, quien dentro de poco presenta su primera exposición individual en los Estados Unidos.



Bajo el título Age of Omuktlans, Curiot presenta sus más recientes obras a partir del 8 de Marzo en la galería FFDG de San Francisco. Dichas obras representan una evolución en forma y estilo, cada día más cercano a un arte pictórico con influencias tribales, mágicas y surrealistas, y cada vez más lejos de la ilustración y las referencias al character design que tan presente ha estado en la última década del arte urbano.

Dejando a un lado su obra para galerías, los murales de Curiot son cada día más complejos y llenos de detalles, lo cual supone largas horas durante varios días para alcanzar ese grado de perfección y riqueza ornamental. Es en este punto donde artesanía, arte urbano y concentración se juntan para dotar de magia a los seres que protagonizan sus historias.

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El reportaje de hoy se encuentra quizás en la antípodas de lo que habitualmente publicamos en Belio, el tema de la moda y en concreto el diseño de joyería y complementos no suelen ser temas centrales de nuestra publicación. Pero no por ello encontramos estas disciplinas de la creación menos importantes o interesantes. Hoy os queremos presentar el trabajo de cuatro artistas dedicadas a este arte con un vinculo en común: La naturaleza como inspiración de sus creaciones.



Las obras de Lynne MacLachlan, Sarah Hood, Lucie Veilleux y JL Schnabel, se encuentran a medio camino entre la escultura, el diseño y la artesanía. Cada una de ellas ha tomado prestado de la naturaleza una serie de elementos con los cuales ha dado forma a un estilo propio, lo cual nos demuestra (una y otra vez) la increíble riqueza creativa inherente en nuestro habitat natural. Y en parte este es un tema al cual recurrimos habitualmente en nuestra publicación, pues el ser humano y por extensión el arte no está (o no debiera estar) por encima en la creación, sino en equilibrio y armonía con ella.

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LYNNE MACLACHLAN
Las piezas de MacLachlan sean quizás las de estilo más avant garde. Esta colección que os mostramos a aquí está inspirada en formaciones de burbujas. Bubble es el resultado de la experimentación con un juego de cálculo empleado para visualizar geometrías complejas. Estas formas fueron después manipuladas en otro software y hechas tangibles mediante el uso de tecnología para la creación rápida de prototipos. Finalmente se hizo un especie de vaciado y pulido tradicional a mano.









SARAH HOOD
El enfoque del trabajo de Hood se encuentra más cercano a la idea de integrar elementos orgánicos, metales y en ocasiones cristal en una misma pieza. Sus obras recuerda a una versión actual y en miniatura de un museo de ciencias. Formas sencillas y elegantes en metal contrastan con la arbitrariedad de musgos, hierbas y rocas.









LUCIE VEILLEUX
También responsable de la marca 3dots, Lucie utiliza la geometría más básica para con ella componer piezas en madera, cristal y metal. Las obras que os mostramos a continuación nos han llamado la atención por su inspiración orgánica, como si de una mutación del metal se tratara.









JL SCHNABEL
Schnabel es más conocida por su nickname Blood Milk, el cual utiliza para su colección de joyería y como firma para su blog sobre arte de inspiración decadente. De hecho la obra en metal de Schnabel tiene un carácter oscuro, construido a base de huesos, garras, piedras y símbolos pseudo-religiosos, páganos y mágicos.







2013-02-27 : HARTOS


Lo sentimos, hoy NO vamos a publicar ninguna noticia, ni a descubrir o promocionar a un nuevo artista. Hoy no podemos. Somos humanos y a veces la realidad también nos supera a nosotros. Hoy solo podemos decir: ¡Estamos hartos! Estamos hartos de este gobierno, de todos estos políticos, banqueros y empresarios que están saqueando el país. Estamos hartos porque nos están robando, violando y maltratando, a todos y cada uno de nosotros directamente. Estamos hartos porque además la justicia no existe en este país y no quieren dejarnos reclamar o protestar, solo nos dejan bajar la cabeza y callar.

NO nos damos por vencidos, NO nos rendimos ante los chantajes y los abusos del gobierno, NO pararemos de dar voz e imagen a la cultura que amamos, pero también a las ideas que defendemos. #WakeUp! #StandUp! #ForYourRights! #Don'tGiveUpTheFight!

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Este reportaje de hoy sería mejor verlo cuando ya haya anochecido, con las luces apagadas y a ser posible sin calefacción, para así poder ponernos en sintonía con el ambiente oscuro de las fotografías de Johann Ryno de Wet. Al menos en esta genial serie titulada Underland que os presentamos a continuación. Y que a nosotros nos ha recordado al sentimiento de la novela La Carretera de Cormac McCarthy.



La obra del sudafricano Ryno de Wet es pura fotografía, aunque bien es cierto que no reniega del retoque digital para acentuar el ambiente melodramático de sus paisajes. Los títulos de otras series suyas como No Man's Land y Shadow Valley son clara indicación del carácter distópico del trabajo de Johann, demostrando sus altas dotes para llevar la realidad al borde la ficción. Solo esperemos que un día la realidad no supere dicha ficción.

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No es la primera vez que nos pasa, esa sensación de "¿Aún no te hemos hablado de este artista? Seguro que sí." La cultura visual que pasa por nuestras retinas a diario es solo comparable a nuestra adicción por encontrar artistas que sigan inspirando nuestros sueños. Y en ese pequeño-gran-mundo de cosas que nos apasionan a veces pasan artistas de puntillas. Si nos sigues regularmente, seguro que recordaras los alucinantes graffitis de Roid MSK que en más de una ocasión han aparecido en nuestra galería online. Pero ya era hora de mostrarte un poco más en profundidad su trabajo, al menos sus más recientes obras.



A pesar de su joven edad, Roid se ha convertido en pocos años en todo un referente dentro de la escena del graffiti. Probablemente sea a día de hoy el artista de graffiti inglés con mayor proyección internacional, principalmente debido a su reinvención del estilo Neoyorquino incorporando siempre influencias externas, lo que hacen de su estilo algo único y contemporáneo. Precisamente sus referencias a la cultura electrónica de los ochentas y demás elementos cósmicos propios de la ciencia ficción son el motivo por el que nos gusta tanto su obra.



Sobre estas líneas podéis ver su colaboración con Topsafe London, también ha colaborado con MTN en su serie de sprays de edición limitada, y en los últimos años ha empezado a mostrar la vertiente más gráfica de su obra en galerías de arte. Estas obras recientes se encuentran cercanas a las últimas tendencias en lettering y diseño gráfico, como podéis ver en la imágenes a continuación, afianzando así su nombre dentro y fuera de la galaxia urbana.

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Que la geometría es parte de la naturaleza no es ningún secreto, si miras con atención un copo de nieve, podrás verlo con absoluta claridad. Que el ser humano encuentra armonía dentro de esas formas y composiciones geométricas tampoco es un misterio, partiendo de la cantidad de simetrías que encontramos en nuestro propio cuerpo, es lógico encontrar que gran parte de nuestra expresión artística busca el equilibrio a través la repetición y el reflejo. Y Caroline Jane Harris está completamente entregada en la búsqueda y perfección de esa naturaleza a través de su obra.



Nacida en Londres en 1987, Caroline dedica innumerables horas en la elaboración de sus complejas obras, a través de recortar a mano y superponer a distintos niveles papeles y reproducciones fotografías de gran formato. El efecto que consigue son hipnóticas y delicadas composiciones que nos acercan al sentido de perfección inherente en la naturaleza. Lejos de buscar la simetría absoluta, sus obras contienen ese punto de imperfección de algo hecho a mano, una obra humana. Porque la perfección solo es posible cuando incorporamos el error como parte de ella.

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Some photos © Rory Gardiner 2012

A través de las muchas y variadas ciencias el ser humano intenta dominar, conocer y entender la existencia, pero en muchas ocasiones la definición lógica puede incurrir en una delimitación de la verdad, de lo intangible, de lo inexplicable. Excluyendo así algo que es más grande que nuestro conocimiento, por esto mismo toda ciencia debe contemplar cualquier variable, cualquier posibilidad. En este sentido la obra de Adam Friedman tiene como objetivo el ofrecer una versión imposible de lo que creemos conocer, del territorio, del entorno, rehaciendo el mapa a su voluntad.



Las obras de Friedman manifiestan una obsesión por el plano, por su análisis y descomposición. A través de dibujos, collages, pinturas y esculturas pictóricas que juegan con las tres dimensiones, Adam nos plantea paisajes imposibles cercanos al surrealismo. Sus más recientes obras, las que puedes a continuación, se están exponiendo en este mismo momento en la Eleanor Harwood Gallery de San Francisco, bajo el título Space and Time, and Other Mysterious Aggregations, hasta el 2 de Marzo.

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Las más extraordinarias creaciones de la naturaleza son en muchas ocasiones consecuencia de mutaciones, híbridos, combinaciones imposibles de distintas especies. Algo parecido les sucedió a Hsiao-Chi Tsai y a Kimiya Yoshikawa cuando se conocieron en el Chelsea College of Art and Design en el año 2000. Ella (Tsai) de origen taiwanés y el (Yoshikawa) de origen japonés formaron entonces un tándem creativo capaz de abarcar todo tipo de disciplinas, desde el diseño de joyería, lámparas y todo clase de accesorios, hasta esculturas para galerías de arte, instalaciones para espacios urbano y proyectos de escaparatismo e iluminación.



Cada uno de ellos ha desarrollado un estilo propio e independiente que mantienen y desarrollan en forma de obras de arte, pero sin duda el trabajo que más popularidad les ha reportado son las colaboraciones a medias, donde ambas obras encajan en una especie de perfecta simbiosis, dando lugar a un estilo peculiar con un fin más cercano al diseño que al arte. Con base en Londres, el estudio de Tsai y Yoshikawa explota su imaginación en proyectos imposibles mezclando todo tipo de materiales plásticos, neoprenos, pinturas acrílicas, fluorescentes y distintos tipos de iluminación.

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El origen de todo espíritu creativo siempre va estrechamente ligado con su infancia, la forma en que aprendemos y escapamos de la realidad creando nuestros propios universos termina por convertirse en muchos casos en la piedra angular de un estilo e incluso un discurso estético. Y en el caso de ilustrador inglés Lee Hasler, no hace falta ser un genio para apreciar la naturaleza colorida y constructiva de su trabajo.



Influenciado por el diseño de personajes en la publicidad de los años 50s y 60s, la ciencia ficción barata y los monstruos de cartón-piedra, su estilo recuerda especialmente en forma, color y perspectiva (siempre ese particular punto de vista superior sobre sus creaciones) al universo imaginado por un niño crecido que sigue jugando con su Lego, solo que en lugar de un juguete en piezas, Lee disfruta trabajando en su ordenador. Ilustrando para clientes tan respetados como Computer Arts, Futurelab, Guardian Weekend, Mac World, Orange, PC World, TBWA, Time Out, The Wall Street Journal y Wired, por mencionar solo unos pocos. Paso a paso, pieza a pieza va afianzando un estilo propio, que como él mismo define "es técnico pero entretenido, divertido pero profundo, me esfuerzo en inyectar encanto y personalidad en un mundo llenos de botones virtuales y fachadas de plástico en continúa expansión".

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Los conceptos de tiempo y espacio son relativos, lo cual les convierte en terreno perfecto para todo tipo de experimentos, incluyendo experimentos y fantasías artísticas como las utópicas máquinas del italiano Alberto Tadiello, un joven artista que a través de instalaciones medioambientales, esculturas y dibujos analiza las relaciones que existen entre las señales visuales y acústicas.



Sus criaturas de ingeniería poética cobran vida en una especie de continúa funcionalidad disfuncional, reflejando así las paradojas y comportamientos del ser humano. La obra de Tadiello tiene un potente componente visual que se debe a composiciones limpias y geométricas, pero sin lugar a dudas su obra es el tipo de arte hecho para ser experimentado en persona. Por lo tanto, si estás interesado aún quedan unos pocos días para visitar su gran exposición individual High Gospel en el Museo di Arte Contemporanea di Villa Croce en Génova (Italia), abierta hasta el 18 de febrero. High Gospel ofrece una visión general de la obra del artista, y en particular, de su nueva serie de site-specific art – instalaciones sonoras, esculturas de gran formato, dibujos, mecanismos varios encerrados en su propia obsolescencia – creando así un discurso que contrasta con las clásicas salas del museo.

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Como dirían algunos amigos cercanos, la pintura parece estar en vías de extinción... No solo debido a la interactividad inherente a las nuevas tecnologías que permiten una forma de expresión más compleja formalmente, sino también debido a la gran capacidad de los softwares informáticos para imitar la realidad, cada día con mayor perfección si cabe. Lo que nos lleva a una reciente generación de pintores digitales, a medio camino entre el ilustrador de profesión y el artista clásico vocacional, como Carolina Rodriguez Fuenmayor más conocida en las redes como Alterlier.



Pero el arte no es el medio, sino el contenido y la forma. Algo de lo que seguramente esté tomando nota Carolina en sus actuales estudios de Bellas Artes en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogota. Su obra es representación del desarrollo lógico de un ilustrador con raíces en el manga y el cómic, hacia terrenos más minimalistas y expresivos propios de la pintura con una mezcla de influencias propias del romanticismo, el expresionismo y el surrealismo. Nuestras favoritas son precisamente estas últimas, las más poéticas, las más próximas a un sueño ilustrado.

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La evolución en la música y definición de nuevos estilos siempre ha ido encadenada a la invención y desarrollo de nuevas formas de crear y controlar sonidos. La guitarra eléctrica en su momento desencadeno toda una serie de géneros musicales, lo mismo paso con el sintetizador y la música electrónica... Desde entonces, pocos inventos han revolucionado este campo, en todo caso la tecnología ha ayudado a evolucionar lo existente. Sin embargo, en los últimos años han surgido proyectos que pueden volver a revolucionar el presente musical, en su momento el Reactable nos mostró una nueva forma de entender la creación musical y hoy os presentamos otra forma más, obra de Onyx Ashanti.



Ashanti es la combinación ideal de un "artista de jazz electrónico obsesionado con la ciencia ficción y un futurólogo inventor de instrumentos" que lleva largos años experimentando con Open Source para diseñar su propio instrumento y con él crear un estilo de música al cual a denominado Beatjazz. En el siguiente vídeo el propio Onyx explica qué es y cómo funciona su sistema:



Desde este vídeo y su conferencia en el renombrado TED, el tiempo ha pasado y su instrumento ha ido mutando, no solo en cuanto a programación y autonomía, también estéticamente. Nosotros tuvimos la ocasión de descubrir su trabajo el pasado sábado en su actuación en Loophole de Berlín y nos dejó absolutamente asombrados. Puedes ver más vídeos de sus actuaciones y demostraciones en su canal de Youtube: www.youtube.com/user/onyxashanti.



Sobre estas líneas podéis ver una reciente demostración del estado actual de su proyecto. Pero sin duda lo mejor de todo es navegar por sus distintas webs y encontrar un artista genial, abierto a compartir sus investigaciones con todo el mundo. Este es el principal motivo de su implicación en el desarrollo de tecnologías de código abierto (Open Source). Cualquiera puede copiar y seguir los pasos de un genio, pero nunca su talento, en todo caso contribuir a una evolución global en pro de un futuro que suene tal y como soñamos. Onyx Ashanti está realizando su sueño de niño y los demás podemos disfrutarlo.

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Imagina que tú cerebro fuera una especie de cajonera bien ordenada, todo en su lugar: las películas, los cómics, el arte, la literatura... todo aquello que has vivido y experimentado tiene un lugar dentro de ti, todo ello conforma lo que eres a día de hoy. Ahora imagina que tropiezas y todo aquello que creías saber termina en un gran cajón desastre, una locura de colores, formas y referencias varias de la cultura pop, rave, punk y hippie. ¿Quieres ver el resultado? La obra de Richard Alexander Heckert sea quizás una fiel aproximación.



Heckert nació, creció y expandió su cerebro, y con él su creatividad, en las calles de Essen, al oeste de Alemania. Inconformista de nacimiento, ha volcado su adicción por el detalle en ilustraciones que con el tiempo han ido refinando su estilo, siendo a día de hoy una especie de actualización de la estética del poster-art de la contracultura de finales de los sesentas. Los temas que afloran entre retorcidas formas de colores varios tienen que ver con los problemas del ego, la sociedad consumista en que vivimos, la cultura de los videojuegos, la industrialización y la religión. Un prisma a través del cual Heckert nos muestra el mundo.

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Hace un año y medio aproximadamente nos tropezamos con la obra de Ulrich Vogl, fue en un paseo por una de las celebradas Gallery Weekend de Berlin. Entre todas las obras, artistas y galerías que visitamos, la obra de Ulrich se nos quedó especialmente grabada en lo más profundo de nuestra mente (y probablemente también en nuestra alma). Su propuesta minimalista y romántica al mismo tiempo traslada al espectador a una dimensión donde la perspectiva nos permite apreciar una visión total: la creación a nuestros pies.



Sin duda la escala es un factor vital a la hora ver y entender la realidad, así también lo es la luz, estos son dos de los elementos básicos con los que el alemán Vogl trabaja a la hora de crear su obra. Utilizando proyectores, lamparas, cristales, espejos, cinta de embalar y demás elementos ordinarios re-construye escenas de la realidad, fenómenos que en distinto orden y contexto pasarían desapercibidos para un individuo cualquiera, pero que enmarcados nos muestran la poesía contenida en la realidad. Ulrich no solo escenifica esa poesía visual a través de paisajes, su concepción del arte también le lleva a alterar dichas escenas en pro de la armonía como resultado final.

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La vida de Christine Gray seguramente tomó un giro inesperado en un momento del pasado, pasando de su fascinación por este mundo, su ansía por conocer, explorar y entender el planeta, en especial su origen, a querer recrearlo y contarlo sin los límites de una ciencia exacta. De la geología al arte, las obras de Christine nos trasmiten su pasión por la arqueología y la mineralogía, pero en especial por el significado que las distintas civilizaciones han visto en rocas, muchas veces venidas desde el espacio exterior en forma de meteoritos.


Several Specimens

"Tan banal como significativas, las rocas y similares se han construido y modelado a través de los siglos, mientras que los meteoritos han pasado mucho tiempo viajando por el espacio exterior antes de detenerse en la Tierra. Representan una de las grandes fascinaciones de la especie humana por algunos de los ejemplos más espectaculares de la naturaleza. Secciones transversales en meteoritos que revelan patrones de Widmanstätten, espectros de color que cambian y formas geométricas perfectas en el interior de las rocas". Un encuentro entre la belleza matemática de la propia naturaleza y los significados místicos y rituales. Si sientes cierta atracción por la obra de Gray, no deberías perderte su exposición individual, la segunda en Rare Gallery en Nueva York. La muestra estará abierta hasta el próximo 7 de febrero.

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Almanac


Derry Glare


Each Eye and Soothsayer Stem


In Through Trepucó


Muonionalusta


Toluca


Swarm Cusp Nocturne


Partial Eclipse


Static Shift


Were There Where

All images courtesy by the Artist & Rare Gallery, New York ©2013 Christine Gray

Nos encanta el tatuaje incluido como otra disciplina más de las artes que dan forma al universo Belio. Y sobre todo nos gusta llenar ese universo con artistas que triunfan tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, como es el caso de Rotor, un artista y tatuador residente en Barcelona. Se le puede encontrar ilustrando y co-editando su propia revista Finerats Barcelona o bien exponiendo y comisariando para La Cobra Negra Tattoo Art Gallery, pero sobre todo, tatuando en Aloha Tattoos.



Inquieto creador, Rotor ha sabido forjarse un estilo propio dentro del old-school, siendo punta de lanza junto a otros tatuadores y amigos como Deno, Paz Buñuel o Sinsentido, de una generación de artistas que incluyen nuevas influencias en el repertorio clásico del tatuaje. En el caso de Rotor, sus más celebrados y populares diseños son las ballenas mecánicas, junto a toda una serie de personajes monstruosos y oscuros, con ciertas referencias a la iconografía pagana y mágica.

Aparte de sus trabajos en piel, nosotros sentimos especial debilidad por sus pinturas e ilustraciones, las cuales ha expuesto en numerosas colectivas. Su última muestra fue una exposición individual en La Cobra Negra, bajo el título Trash Mental donde se incluían algunas de las pinturas de corte distópico (a lo Mad Max) que puedes ver a continuación.

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Si hablamos de figuras imposibles probablemente el nombre del sueco Oscar Reutersvärd no te resulte tan familiar como el del holandés M.C. Escher. Si Ruetersvärd fue el padre, Escher fue una especie de aventajado discípulo que llevo el arte de las paradojas visuales a su máxima expresión. Y desde los años treinta han sido muchos los artistas y creativos fascinados con estos rompecabezas gráficos. Hoy os presentamos la última encarnación gráfica de semejante pasión por la geometría y lo imposible: Marius Roosendaal.



También de origen holandés, Marius es un diseñador gráfico y director de arte afincado en Amersfoort. Dejando a un lado sus proyectos comerciales, principalmente trabajos de identidad corporativa y desarrollo web para clientes como Leylines, MM&MM, MediaMonks, Audio Bullys, Unique, Solids, etc. Su mayor atractivo son precisamente sus trabajos personales, los más experimentales, donde "la mayoría de los casos suelen ser alguna pieza de diseño gráfico sobre un tema que despierta mi interés, o simplemente basado en alguna fotografía que he hecho o encontrado." El resultado es una obra mezcla de Op-Art, tipografía y diseño gráfico de estilo minimalista.

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El mundo mecánico, digital y tecnológico que el ser humano ha sido capaz de crear es un paradójico monumento a nuestras más profundas contradicciones, un mundo bello y horrible al mismo tiempo. Bello, en sus miles de posibilidades artificiales, en su capacidad de re-creación y superación. Horrible, en su alto coste humano y ecológico, en su obsolescencia programada. A medio camino se encuentran las creaciones de la artista Sonja Vordermaier, cuyas obras van del reciclaje post-industrial a una imaginada evolución de lo artificial, una especie de nueva naturaleza.



Vordermaier reside y trabaja en Hamburgo, ciudad donde se graduó en Bellas Artes por la Hochschule für bildende Künste. Allí mismo concibe instalaciones especificas a base de materiales industriales como neumáticos, discos compactos, farolas, antenas, asientos de coche y resinas de distintos tipos. Sus obras más destacadas son básicamente creaciones de grandes dimensiones diseñadas para grandes espacios expositivos, con predilección por las salas con un carácter industrial, pero su obra se compone también de objetos artísticos y fotografías igualmente bellas y pertubadoras en su aspecto post-humano.

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A veces tenemos la sensación de que México es una especie de versión o mundo paralelo de nuestro país (España). Ni mejor, ni peor, ni más real, ni menos, sencillamente una combinación distinta de los mismos elementos en espacios y tiempos divergentes. Quizás esta sensación sea la base de nuestra pasión no solo por la cultura mexicana, sino también por sus artistas contemporáneos. Allí, al otro lado del charco encontramos jóvenes talentos que luchan día a día por sacar adelante su obra con personalidad propia, como los de aquí. No son pocos los artistas de allí que os hemos presentado por aquí, y hoy es el turno de otro genio más: Smithe.



Afincado en el mismo México D.F. y trabajando su estilo desde el 2001, Smithe se define en dos claras disciplinas: graffiti e ilustración. Y su trabajo es una combinación de ambas. Su estilo se nutre de referentes propios del surrealismo, el cómic, la ilustración técnica típica de manuales industriales y la ciencia ficción con aire retro. En cierta manera su universo gráfico recuerda a sus coetáneos Españoles Aryz y Daniel Muñoz / San, pero guardando las distancias, como decíamos antes: universos paralelos. Especialmente recomendables sus más recientes colecciones de serigrafías y su serie de cuadros dedicada a la cultura del ladrillo... Si, allí también es tema digno de análisis y sátira. Sea donde sea, el futuro de Smithe pinta prometedor.

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Los valencianos de Espai Tactel saludan a este nuevo año con una exposición inaugural colectiva. Bajo el título de Say Hi! se introducen tres jóvenes talentos: Carlos Arroyo Galaxia, Irene Alvarez y Lliure Briz. Cada uno de ellos con una marcada personalidad, lo cual hace sus trabajos claramente distinguibles, pero al mismo tiempo los tres comparten un discurso estético propio de las actuales tendencias artísticas, santo y seña de la gran labor de los de Tactel a la hora de comisariar sus exposiciones.



¿Cómo te introducirías tú mismo en la gran fiesta del arte? Sencillo, simplemente saluda y... Pues algo así viene a contar esta colectiva, o en palabras de los comisarios "Say Hi! se presenta como un proyecto de creación contemporánea que impulsa la difusión y promoción de encuentros artísticos y fórmulas transdisciplinares. Lugar de encuentro donde las interrelaciones e inquietudes de diferentes profesionales dan forma a proyectos expositivios, curatoriales y editoriales." En resumen: que mañana viernes 11 de Enero se inaugura la muestra y que tienes hasta el 23 de Febrero para disfrutarla.

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Carlos Arroyo Galaxia:








Irene Álvarez:








Lliure Briz:






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