Quizás una de las cosas más maravillosas de este mundo que conocemos es el color, su gran riqueza expresiva, su capacidad para transmitir sentimientos y para alterar la percepción física de nuestro entorno. No es de extrañar que obras como las de Travess Smalley representen en cierta forma esa pasión de "el color por el color".



El norteamericano Smalley ha realizado estudios de Bellas Artes, pintura e impresión digital en The Cooper Union, Nueva York y en la Universidad Virginia Commonwealth de Richmond. De momento solo ha expuesto individualmente en Gloria Maria Gallery en Milan, aparte de una larga lista de colectivas que recogen ese estilo tan post-internet, a medio camino entre el pop art, el net art y el arte abstracto. El estilo de Travess no solo encarna ese aspecto contemporáneo de ciber-cultura digerida, también refleja una visión colorista del futuro, como si se tratara de una nueva concepción del futurismo sustituyendo velocidad y movimiento por una especie de sueño estático.

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Hay quienes empiezan el año quemando todo lo antiguo, metafórica y literalmente. Y como nosotros somos de aquellos que encuentran tesoros estéticos entre manchas de grasa y pintura, también aceptamos como herramienta el fuego, sobre todo como medio para explorar el trasfondo de una obra, quemando capa a capa, disfrutando de cada momento y entendiendo el proceso de destrucción como parte la futura construcción.



Sobre estas líneas podéis ver una de las obras de Rae Martini, otro de esos artistas que han pasado del graffiti al arte urbano y de ahí al expresionismo abstracto. Para el milanés Martini, el fuego es herramienta vital junto a sprays de pintura, pinceles, cola de pegar y superficies varias de papel. En el siguiente vídeo podéis ver parte de ese proceso:



No hay duda de que el azar y el accidente forma parte de todo proceso expresivo. El fuego aplicado en las obras de Rae es sin duda más incontrolable que arrojar pintura sobre un lienzo a lo Jackson Pollock. Aparte del componente agresivo, este proceso añade un factor riesgo donde la adrenalina en balance con el tiempo haciendo tic-tac determinan en buena medida el resultado final. Ese resultado son retratos realistas de muros y paredes que algunos animales urbanos contemplamos con devoción en los márgenes del olvido de nuestras ciudades.

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Según decían cuatro locos y muchos medios de comunicación, el mundo acababa el pasado día 21 de diciembre. El calendario maya celebraba el fin de un ciclo y el inicio de otro nuevo. Por si acaso, la galería Espacio Valverde de Madrid se apresuró a inaugurar un día antes la exposición colectiva “Timewave Zero”, homenaje a Terence McKenna, visionario psiconauta y pensador americano que realizó la teoría de la Onda de Tiempo Cero.



Obra de Leonardo Ulain

La “Onda de Tiempo Cero” (en inglés: Timewave Zero) es una fórmula numerológica que intenta calcular la decaída y el flujo de “lo novedoso”, definido como un incremento en las interconexiones del universo o la complejidad organizada, en el tiempo. De acuerdo a Terence McKenna, quien concibió la idea en los inicios de los años setenta mediante el consumo de hongos psilocybes y DMT, el Universo tiene un atracción teleológica hacia el fin del tiempo que incrementa interconexiones, finalmente alcanzando una singularidad de complejidad infinita en el 2012, en que cualquier punto y todo lo imaginable ocurriría simultáneamente.

Con estas premisas, el pasado 20 de diciembre, un día antes del incierto final, Espacio Valverde inauguró esta exposición que reúne la obra de 18 artistas internacionales: Elena Alonso (de la que ya publicamos un artículo en Belio), Cristóbal Martín, Leonardo Ulain, Miluca Sanz, Cristóbal Ledo, Pablo Padilla Jargstorf, Brigitte Szenzi, Henar Iglesias, Enrique Porta, Pseudobrutismus, Tania Abrile, Antonio Muñoz Von Furstenberg, Alfredo Rodríguez, Luis Asín, Scott Charles Leichhart, Juan Pimentel, Artola y Javier Iglesias Algora (uno de los directores de Belio Magazine).

La exposición puede ser visitada hasta mediados de febrero en Espacio Valverde: calle Valverde 30, Madrid. Más información: www.espaciovalverde.es

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Obras de Pseudobruitismus y Leonardo Ulain


Obras de Elena Alonso, Henar Iglesias y Tania Abrile


Obra de Henar Iglesias


Detalle obra de Henar Iglesias


Obra de Cristóbal Martín


Obras de Juan Pimentel


Detalles obras de Juan Pimentel


Obras de Pablo Padilla Jargstorf y Javier Iglesias Algora


Detalle obra de Javier Iglesias Algora


Detalle obra de Javier Iglesias Algora


Obras de Miluca Sanz y Scott Charles Leichhardt


Detalle de la obra de Scott Charles Leichhardt


Obra de Miluca Sanz

Belio no es una revista de música, al menos no explícitamente. Por eso entre nuestra selección de los mejores 20 vídeos de este año que llega a su fin queríamos hacer una clara distinción, entre vídeos claramente musicales, con una estética más cercana a lo cinematográfico (la selección publicada ayer) y otra selección con vídeos donde el aspecto visual se acerca más a lo artístico y lo experimental.



Los diez vídeos que os presentamos a continuación van desde el cortometraje de ficción al vídeo-arte. Si se nos han quedado grabados como recuerdo de un 2012 inmejorable en vídeo creación, es por su apuesta arriesgada por los experimentos visuales, ya sea a través de efectos especiales, montajes sorprendentes o imágenes impresionantes pero sencillas, donde se nota el buen gusto en fotografía. Pero sobre todo estas son las obras que más nos han emocionado (a distintos niveles) y por lo tanto merecen la pena ser vistas, una y otra vez antes de que acabe el año.






























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Si hay un género que en los últimos años ha crecido exponencialmente, tanto en su lado creativo como en su lado técnico, sin duda es el campo del vídeo en sus múltiples facetas: desde el vídeo arte hasta el cine y el corto, pasando por los vídeos de música, animaciones, experimentos, anuncios, mapping, motiongraphics, vj-sets, etc, etc. Es por este motivo que para terminar este año 2012 vamos a hacer un repaso a los vídeos que en nuestra humilde opinión merecen ser recordados (y visionados), al menos una vez más:



Ha sido difícil seleccionar solo 20 vídeos, pero para ello hemos dejado que sea nuestro corazón el que decida, utilizando un criterio de selección emocional, valorando aquellos vídeos que mejor se han guardado entre nuestros recuerdos (por diversos motivos) y dejando un poco de lado los alardes técnicos. Ya que en el fondo, Belio siempre apuesta por las emociones, el contenido y el significado. Hemos dividido este TOP 20 en dos secciones claramente diferenciadas que publicaremos entre hoy y mañana. Hoy podéis ver una selección de los mejores vídeos musicales de 2012. Y mañana lo dedicaremos a repasar aquellos vídeos experimentales o con un carácter más artístico.

Es indudable que el vídeo se ha convertido en la mejor herramienta de promoción y difusión, no solo para la publicidad, también para proyectos independientes y por supuesto como medio para descubrir, lanzar y transmitir música. Da igual que sea un grupo de música para las masas, o un nuevo proyecto experimental. Esta selección de vídeos no solo resume una estética visual (destacando a sus creadores), sino una estética sonora (destacando también a los músicos) que en nuestra opinión dan forma a este significativo 2012.






























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Negro, gris, blanco sucio, contaminación, plásticos, grasas, petróleo, accidentes de coche, químicos... Y aún así un rayo de sol que atraviesa las nubes, entra por la ventana, rebota en el espejo, alcanza la pata de metal de una mesa y crea un bello momento para la admiración y la reflexión sobre el gris suelo de cemento. La belleza se encuentra en los lugares más remotos, en las situaciones más casuales, en momentos que pasan en un segundo, y solo tu eres el espectador de tal maravilla. Para hacer de este un discurso estético al alcance de un mayor público existen artistas como Pim Leenen.



Al ver una obra de Leenen tu primer pensamiento puede ser que el artista es un oportunista, cámara en mano captando un momento casual, sí, común pero a la vez extraordinario. Solo cuando se observa el conjunto de la obra de Leenen, bien a través de su web o en una de sus instalaciones expositivas, se puede ver la imagen completa, el mensaje. Su obra es una combinación de fotografía e instalaciones con espejos, fluidos y objetos encontrados que señalan los puntos cardinales para encontrar la belleza en las zonas más grises de nuestra existencia. Y al mismo tiempo es un homenaje poético al mundo industrial que hemos creado. Pim es capaz de crear e incluso capturar esos momentos en forma de obras de arte, para que lo puedas disfrutar como si un instante pudiera ser eterno.

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2012-12-21 : 21122012



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Aunque a veces todo pueda parecer ir en nuestra contra, aunque el mundo cada día parezca un lugar menos humano y más inhóspito, aunque este pueda ser tu peor día / semana / mes / año... El sol sale todos los días y lo importante es que todos y cada uno de los días tienes la opción de abandonar toda posibilidad o intentar dar lo mejor de ti. Por eso es importante el acto de crear, de continuar creando a pesar de las adversidades, por eso es importante que existan personas o entes como Miss Muju & Mr Muju, el team Muju, para recordar que el mundo puede ser del color, de la textura y de la intensidad que quieras.



Descubrimos el trabajo de la pareja Muju hace muchos años en el famoso Camden Town de Londres, donde solían tener una tienda. El amor fue a primera vista, su trabajo respira un aire de paz, felicidad, armonía y buen rollo que trasmiten en forma de personajes, empezando por la ilustración, la pintura, el arte urbano (en el caso de Mr Muju) y continuando por muñecos hechos en terciopelo y más recientemente esculturas en resina biodegradable (en el caso de Miss Muju). Pero su mundo es más un estilo de vida que un simple arte o moda. Desde un pueblo costero de Cornwall (UK), Miss y Mr Muju viven su obra como parte de un todo, como parte del amor que sienten por las cosas sencillas, auténticas, orgánicas, en equilibrio con la naturaleza, un rollo cercano a la cultura surf.

Todas sus obras son piezas únicas o están hechas a mano en pequeñas cantidades, con mucho cariño. A través de los años sus obras han ido evolucionando y creciendo, y en Belio les hemos seguido la pista muy de cerca. Sencillamente porque aparte del gran talento que demuestran día a día, son de aquellas personas / artistas que agradan con su presencia / arte, haciendo de este un mundo mejor, un mundo Muju.

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Tal y como describe el propio Jonathan Latiano, una de sus primeras experiencias artísticas que le dejaron marcado no fue en los pasillos de un gran museo de arte, "fue ante las vitrinas y dioramas de la Academia de Ciencias Naturales de Filadelfia. Son precisamente esas historias y exploraciones científicas las que comenzaron a dar forma y contextualizar mi comprensión del mundo físico que me rodea. Es a través de los estudios de biología, astronomía, física y geología que utilizo como punto de partida para encontrar inspiración para todas mis obras." Una obra que reproduce de forma estática, a través de instalaciones con todo tipo de materiales cotidianos, fenómenos propios de la naturaleza. Creando así un contraste poético entre lo natural y lo artificial.



Pero el área en el cual la escultórica obra de Latiano gana en potencia es cuando tiene ocasión de hacer instalaciones para un espacio concreto, el llamado site specific art. Permitiendo que el propio lugar sea el detonante de la idea que dará forma a la obra. Propiciando así una reflexión sobre el propio espacio y su relación con el espectador. "Me esfuerzo por enfatizar las zonas que existen entre los límites de las áreas definidas" afirma Jonathan, como un intento personal por entender su lugar en este universo físico.

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Cada día es menos extraño encontrar un/a joven de veinte años o menos sin estudios profesionales de fotografía pero con cámara colgada al cuello, todo ello dicho así: con mucho estilo. Lo sorprendente no es la edad o la moda, sino los resultados que en no pocas ocasiones conforman porfolios dignos del mejor fotógrafo publicitario. Tanto ellos, como ellas. Nuestro protagonista de hoy es otro de estos jóvenes precoces y con talento: Kyle Thompson de Chicago con tan solo veinte años y un solo año tomando fotos de forma obsesivo-compulsiva.



Hablando de obsesiones... A juzgar por el genial y extenso trabajo de Kyle se puede observar una clara fijación con el autorretrato, su genero favorito sin lugar a dudas. Siempre rodeado de un aire de misterio y surrealismo que encaja a la perfección en sus localizaciones predilectas: bosques solitarios y casas abandonadas. Muchos de sus autorretratos tienen como tema la auto-destrucción, no tanto como un dramático suicidio sino como un intento de hallar los límites entre realidad y sueño... ¿Quizás estas soñando que lees esta noticia en nuestra página web? ¡Despierta!

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2012-12-10 : LOCASTRO, multiplano

Influenciado quizás por la luminosidad del sur de Florida, lugar donde reside actualmente el italiano Francesco Lo Castro, sus obras más recientes reflejan una luz que brilla por si misma entre formas geométricas construidas a base de capas de madera, pintura acrílica, resina y spray.



Dejando a un lado sus previas incursiones gráficas con la figuración como protagonista, este nuevo estilo de Locastro acerca su obra más al mundo del arte contemporáneo, pero sin perder de vista sus raíces como diseñador gráfico y artista urbano. Su estilo está claramente enmarcado entre el graffiti, el futurismo y la abstracción, en la línea de artistas contemporáneos como Delta, She One, Clemens Behr, Joker, Graphic Surgery, Remi / Rough... entre muchos otros.



Aparte de sus obras sobre madera, diseños gráficos, ilustraciones y murales, Locastro está explorado las posibilidades del vídeo (en colaboración con Dark Intersection y Beeple), como el ejemplo sobre estas líneas, donde ese efecto 3D que consigue a través de capas de resina y spray se convierte en objetos que se mueven a distintas velocidades para generar ese efecto ingrávido y al mismo tiempo hipnótico, perfecto para dejar en blanco nuestras mentes.

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Bueno o malo son siempre adjetivos subjetivos cuando van en combinación con un contexto artístico. Son casi conceptos abstractos que pierden su significado original, convirtiéndose en términos con personalidad bipolar que invitan a la reflexión frente a una obra comprometida. Precisamente ese tipo de obras y artistas que son amados u odiados, sin posibilidad alguna para actitudes neutras. Y sin duda Mathew Zefeldt es un temprano maestro en este caso. Para muchos seguro que su obra es un sin-sentido infantil y gamberro, para otros es una profunda reflexión sobre la pintura en si misma.



Lo que es incuestionable es la valentía y rotundidad de la obra, que el propio Mathew apoya en un profundo interés por investigar y retorcer los principios básicos de la pintura: el color, el volumen, la luz, la composición, etc. Según sus propias palabras, sus cuadros son "ventanas a un mundo fictício, gobernado por normas que están basadas en el mundo real, pero que pueden ser deformadas o rotas según mi conviene. La pintura ofrece una gran vía para las experiencias expansivas más allá de los límites de mi situación corpórea y tangible, es la experiencia escapista final. Justo en la línea que divide ficción y realidad, el trabajo surge de mi propia experiencia, imaginación y fantasías pictóricas, embellecidas hasta puntos irreconocibles, una realidad alternativa fantástica."



Este año 2012, Zefeldt ha participado en nada menos que siete exposiciones colectivas, entre ellas en la Fecal Face Dot Gallery y Artifact Gallery. Así como una individual a principios del año en Michael Rosenthal Gallery, bajo el título de Trying to See the Thing in My Head, un título ciertamente descriptivo. Y tú ¿Cómo lo ves?

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En la cultura persa, el espejo representa la vida. Por otra parte, las formas geométricas hacen referencia a una representación abstracta de la creación y la existencia. Por ejemplo, el círculo es símbolo de origen y eternidad, el triángulo evoca los conceptos de armonía y alma humana, etc. Si a esto le sumamos el simbolismo numérico derivado de la geometría islámica, y la historia del vidrio invertido y los mosaicos de espejo iraníes, una artesanía transmitida de padres a hijos. Este es el resultado:


Hoy os presentamos la obra de Monir Shahroudy Farmanfarmaian, nacida en Irán en el año 1924. A través de su larga carrera, ha expuesto extensamente a nivel internacional, fue incluida en la exposición East-West Divan: Arte Contemporáneo de Afganistán, Irán y Pakistán en la Bienal de Venecia de 2009. Su obra se puede encontrar en el Museo de Arte Contemporáneo de Teherán, Victoria and Albert Museum, Londres y la Galería de Arte de Queensland, Australia - además de otras importantes instituciones.

Su obra combina la tradición y la vanguardia para formar motivos geométricos y coloridos. Fue a finales de los años sesenta cuando Farmanfarmaian comenzó a experimentar con la adaptación y combinación de técnicas antiguas con el expresionismo abstracto y el minimalismo contemporáneo. El resultado son obras caleidoscópicas y geométricas que reflejan la luz y el color en miles de fragmentos.

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¿Cómo te imaginas la Tierra en un futuro a largo, muy largo plazo? Deja que hoy te ilustremos esta cuestión a través de las obras de Bryce Wilner, ilustrador, diseñador gráfico y editor independiente de Chicago que ha publicado una muy interesante (y limitadísima) serie de libros titulada Less, una trilogía compuesta de ilustraciones y textos que llevan como tema central el planeta Tierra en su época post-humana.



Cada uno de estos libros representa un aspecto de dicho tema, el primero, Two Accounts publicado en 2011 se centraba en el momento en que los humanos abandonaban sus cuerpos, dejando un documento grabado con sus sentimientos y una visión de la evolución desde la perspectiva de una raza alienígena. Las fantásticas imágenes que puedes ver a continuación pertenecen a los otros dos libros, Growth & Forgetting y Reappraisal publicados en 2012. La segunda parte es una visión de como el planeta ha evolucionado con todo aquello que dejamos atrás, principalmente elementos arquitectónicos y tecnológicos protagonizan ilustraciones de paisajes. Y el último libro de la trilogía se centra en la vida a pequeña escala, insectos básicamente que interactúan con objetos que han perdido todo su sentido. Sin duda una serie de obras y una edición cuidada e interesante que estará disponible por poco tiempo, ya que seguramente se agoten rápido.

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Errrrrror...arrrrrt...rrrrreiniciando [...] espere un segundos, cargando [...] cargando palabras clave: música, sonido, sonido ambiente, rojo, berlin, pop, modernismo, inter, post, construir... primer bloque cargado. Aquí le presentamos a Defasten, un individuo creativo con base en... o mejor dicho un ente virtual dedicado a la creación visual de carácter digital, no solo en la forma, sino también en el concepto. Cuya obra se compone a partes desiguales de trabajos comerciales y trabajos personales... aquellos que de forma seleccionada puede visualizar a continuación...rrrr..errrooo...



[...] cargando segundo bloque de palabras claves [...] rrrrrr... ism, campo de color, entierro, decadencia, ciencia, urbanismo, derivado, alteridad, fragmentos, 2208, Patrick Doan [= nombre real]... No se ha podido extraer mayor información del fichero fuente, pero en la raíz se encuentran vídeos e imágenes, principalmente motion-graphics, experimentos con 3D en bruto, glitches, ruido visual y una alta dosis de influencias de la ciencia ficción estética y anime futurista. Por otro lado también se encuentran trabajos de fotografía que bien podrían ser referentes del mundo real que sirven de inspiración para su recreación en otras dimensiones artística....s..



rrrrrrr... [...] errr...cargando tercer bloque de palabras claves [...] fuente, octubre, ficción, imagen, 1983, trans, Wim Crouwel, negro, error, edad, Deleuze, Canadiense [= de nacimiento]... Sin duda su trabajo tiene un alma experimental, perfecto para dar imagen a conceptos abstractos, especialmente música. Su trabajo más popular hasta la fecha es el vídeo Constellation, el cual publicamos hace tiempo en nuestra sección de vídeo, y además ha sido exhibido en numerosos festivales, recibiendo grandes elogios de la prensa especializada debido al efecto conseguido al combinar música clásica y efectos especiales de última generación. Sobre estas líneas puedes ver una recopilación en vídeo de sus últimos experimentos...rr... errrr.or..fa.tallll...rrrreiniciarr [...]

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Ya hace tiempo desde el último reportaje que dedicamos a un fotógrafo, al menos a uno de esos que capturan esa visión melancólica y post-industrial que tanto nos gusta. Hoy os presentamos a Matthias Werner que como buen fotógrafo alemán, comparte esa fascinación equilibrada entre entorno industrial y naturaleza. Una relación que en la realidad no siempre es equilibrada, dado que cada día la naturaleza tiene que luchar con más fuerza para retomar su lugar.



Las fotografías de Werner por lo tanto se pueden clasificar en dos (o tres) grandes temas: Naturaleza y paisaje urbano-industrial, como ya hemos mencionado. Pero sin duda las más interesantes son aquellas que combinan ambos mundos, ese tercer grupo, no solo por su aspecto visual-poético lleno de contrastes, sino porque transmiten un trasfondo más complejo, permitiendo así al espectador reflexionar sobre la acción del ser humano sobre la naturaleza.

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Aunque el collage y la estética retro-futurista y sci-fi clásica parecen cosa del pasado, bien es cierto que en los últimos años dicha combinación ha vuelto a la primera línea en cuanto a tendencias visuales. Será quizás por el gradual éxito de las siguientes generaciones, actualmente le corresponde a la que vivió su infancia y adolescencia durante finales de los setentas y los primeros ochentas, que demandan un prolongado revival estético de esos años dorados. Para todo ellos, nosotros incluidos, se encuentran artistas como Jeffrey Meyer, entre otros, que se ha hecho un hueco a base de recortar recuerdos galácticos.



Aparte del interés por la estética propia de la ciencia ficción, sus collages destilan también un cierto aroma glam y psicodélico. En parte ese toque de influencias sonoras le ha servido para abrir puertas de cara a la comercialización de su trabajo. La popularidad de los collages de Meyer se debe principalmente a la buena acogida que sus imágenes han tenido dentro de ciertas escenas musicales independientes, donde sus obras pasan a ser portada para grupos como Datashock, Need For Mirrors, Galaxy Class, Farfara, etc. Una perfecta combinación para hacernos viajar en el espacio-tiempo.

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La luz es quizás el elemento más básico para el ser humano, no solo es vital para el desarrollo de nuestra vida en un nivel medioambiental, sino que además nos completa físicamente, ya que la luz es las que nos permite distinguir volúmenes, colores, sombras, texturas, etc. Pero aparte de ser un elemento clave de estudio para la física, también es un perfecto medio de exploración para el arte. Así lo debe considerar Chris Fraser, un joven artista norteamericano cuya obra se basa en la experimentación con luz y su filtración en espacios a través de agujeros y ranuras.



La obra de Fraser necesita de luz para existir, pero tampoco podemos obviar el "recipiente", es decir: la arquitectura, protagonista en la sombra de un juego sutil de formas abstractas y colores que evolucionan según la hora del día o la disposición de lámparas, en el caso de instalaciones en espacios cerrados. Chris comenzó su carrera como artista profesional en el año 2009, y es en este año 2012 cuando más se ha prodigado en exposiciones tanto individuales como colectivas, especialmente en de la mano de Highlight Gallery en San Francisco y Hudson, donde presentó Eidolons y Cross Section, respectívamente. Pero también expuso recientemente el Center for Contemporary Art de Sacramento, con títulos tan sugerentes como Developing a Mutable Horizon y obras así, tan sencillas como bellas.

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Es siempre un placer encontrarse y reencontrarse con la obra de Daniel Muñoz, más conocido por el sobrenombre de San (al cual dedicamos nuestro querido DY001). La suya es sin duda una carrera de fondo, y paso a paso va demostrando la profundidad de su universo personal. Por este mismo motivo, cada nueva exposición suya merece nuestra atención y nuestros más sinceros cumplidos, no solo por la calidad de su obra, cercana al mundo de la ilustración, sino también por las ideas de fondo que dan solidez a su discurso estético.



El pasado mes inauguró Posesiones de Ultramar en la galería sevillana Delimbo, la muestra se puede visitar hasta Febrero de 2013 y en ellas puedes encontrar sus más recientes obras en papel. Pero para aquellos que no puedan pasar por Sevilla, a continuación puedes ver un vídeo y un resumen fotográfico:



Las obras que se presentan en Posesiones de Ultramar tratan de "analizar de manera concreta la problemática y las experiencias colaterales derivadas de la practica mural desarrollada en los últimos años." Y lejos de plantear soluciones a este complejo asunto, el artista ofrece "caminos viables desde los que abrir una crítica, siempre con una mirada íntima e inquieta", afirmando así su afán por impregnar su obra de nuevas posibilidades. Continuo espíritu explorador.

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Con motivo de la invitación del CutOut Fest, nos tomamos unos días para visitar México y aprovechar la ocasión de pasar por el estudio de Tixinda. En Belio ya conocíamos y amábamos de antemano el trabajo de este estudio creado por Anabel Vanoni y Eric Morales (aka Morbito) en 2006. Por esto mismo decidimos mandarles un correo y pasarnos a hacer una visita, para conocer más afondo su trabajo, pero sobre todo su trasfondo, esa filosofía que aplican tanto en su trabajo creativo, en su marca, así como en su estilo de vida. Y ellos, el estudio al completo, nos recibieron con una gran sonrisa, historias, conversaciones interesantes y algún que otro regalo.



Visitar el estudio de cualquier artista o creativo es siempre una experiencia reveladora en si misma. Los espacios tienden a representar de forma fiel el interior de las personas. Cuando un individuo, especialmente uno creativo, lleva años creando dentro de cuatro paredes su entorno empieza a absorber las influencias y las fantasías que nutren al artista. Ese mundo interno se despliega sobre el blanco de las paredes, el suelo, las ventanas, los muebles, etc. Y en el caso de Tixinda, su estudio nos susurra un mundo lleno de colores, infantil y alegre, pero a la vez maduro, a la manera de una sabiduría ancestral genética, que reconoce la importancia de unas raíces culturales a las cuales dan nueva vida y forma.



Ellos lo definen así: "Tixinda es una marca de diseño mexicano comprometida con el rescate de los valores de nuestra identidad cultural, mediante la creación de productos exclusivos, innovadores y lúdicos." Con productos se refieren a toda una serie de personajes mágicos que toman forma y protagonismo en material escolar, muñecos, vinyl toys, pósters, camisetas, serigrafías de edición limitada, etc.

A continuación podéis ver ese mundo mágico desplegado en las paredes del estudio de Tixinda. Nosotros nos quedamos con una de las experiencias más gratas de nuestro viaje por México: personas que transmiten en palabras, sonrisas y abrazos algo especial, quizás un trozo de los que ellos mismos defienden en su manifiesto: "Tixinda nace desde el AMOR en tiempos de grandes búsquedas y necesidades espirituales, llega al rescate de lo étnico mágico y es mucho más de lo que nos muestra a primera vista. Es un proyecto que se propone mediar entre las culturas prehispánicas y nuestro hoy, para acercarlos de una manera sencilla, profunda y respetuosa."

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