Como la mayoría ya sabréis, el núcleo de Belio Magazine ha estado los últimos días de viaje en México, invitados por el CutOut Fest, una cita obligada para todo creativo con un ojo puesto en el vídeo y la animación. Por esto mismo aquí os ofrecemos un resumen visual de algunos de los eventos más destacados que allí tuvimos la oportunidad de disfrutar:


Instalación de Florentijn Hofman

Aparte de la sesiones de vídeos de animación seleccionados para los premios CutOut, el festival se caracteriza por una programación y ambiente ecléctico. No solo de animación se nutren las actividades del festival, sino que el plato fuerte lo forman innumerables conferencias y talleres que ofrecen diversos artistas y creativos de todo el mundo que se solapan en tres días frenéticos. Aparte de murales pintados por artistas, fiestas cada noche, etcétera, etc.

El reportaje de fotos que os ofrecemos a continuación como resumen no llega a capturar esa visón global, pero al menos os deja una buena pista de lo que allí aconteció. Caben destacar las intervenciones de Saner mano a mano con Jon Burgerman, el trabajo de Curiot, la participación del veterano y venerado Pedro Friedeberg, las intervenciones de Physalia, HeyHeyHey y Aaron Duffy en el Panic Room organizado por los geniales Post Panic, los nuevos trabajos mostrados por el ruso Sicksystems, o la instalación interactiva de Marshmallow Laser Feast de la noche de clausura, por mencionar solo algunos. Y por supuesto, nuestra conferencia :)

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Curiot en acción






Saner & Jon Burgerman










Conferencias en el Museo de la Ciudad


Entrevista con Post Panic


Panic Room


Conferencia de SickSystems




Imponente Teatro Alameda






Javier IA (Belio Magazine) en la conferencia




Fiesta de clausura


Instalación de Marshmallow Laser Feast

¿Recuerdas lo que has soñado esta noche? Probablemente no, casi nunca lo hacemos y cuando sucede suelen ser historias de lo más extrañas, no sabríamos decir si han durado cinco minutos o dos horas, solo conocemos su intensidad en función del ejercicio que hemos hecho por recordar dicho sueño. Imagina por un momento que ahora mismo ves una de las obras del artista que te presentamos hoy: Tilo Baumgärtel, y tienes una especie de fuerte deja vu... ¿Podrías decir que has soñado ver una de sus obras o quizás la obra representa en si misma tu sueño?



Las pinturas de Baumgärtel están rodeadas por una atmósfera de cuento. Suspendidas en el espacio y el tiempo, las extrañas escenas se desarrollan de forma incierta, sugiriendo una narrativa fragmentada propia de un sueño creado por el propio artista. En ocasiones su obras parecen capas de distintos cuadros que a modo de posters en la pared se van solapando y desintegrando con el paso del tiempo... hasta que la imagen ante nuestros ojos parece tan real como un sueño.

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Hay lugares en este planeta donde el ser humano ya no habita, pero donde ha dejado su huella, como una especie de memoria grabada en las piedras... En esos lugares, lejos de nuestros ojos es donde surgen proyectos como 7 Sculptures del joven artista multimedia Can Pekdemir, un interesante proyecto de esculturas virtuales (de)formadas a través del uso de los datos de espacio y tiempo.



Can trabaja en la deformación y abstracción de formas corpóreas mediante diversas metodologías como el uso del herramientas 3D. Sus obras además presentan un especial interés por los emplazamientos abandonados, utilizando la fotografía como un medio para documentar la relación entre espacios urbanos y naturaleza. Pekdemir además trabaja a tiempo completo como profesor en el Departamento de Diseño y Comunicación Visual de la Universidad Bilgi en Estambul.

Aparte de 7 Sculptures, en su web podéis ver otros proyectos suyos tan interesantes como News, Animals, Untitled, Soft Body, Body Contact, Procedurals, etc. donde explora el uso de diferentes tipos de datos con fines artísticos.

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La imagen de una arquitectura abandonada como representación del ser humano es un concepto que nos apasiona y del cual os hemos dado buena cuenta a través de la obra de diversos artistas. De la proyección en la mente de un arquitecto de una obra monumental para alojar y albergar los distintos usos de dicho ser humano, a la visión de un paisaje construido y desolado que nos hace preguntarnos ¿Qué ha pasado? Las obras del alemán Stefan Hoenerloh nos plantean estas mismas preguntas.


Die Milchstrasse

La obra de Hoenerloh tiene un estilo clásico, pinturas que representan edificios, calles y diversos rincones de ciudades que parecen de otro tiempo, especialmente de un tiempo mejor. Los escenarios que se nos muestran representan un esplendor que ya ha pasado y solo queda el vacío teñido de una luz cálida...

Sin embargo las obras más recientes de Stefan muestran una evolución, un cambio de rumbo sobre estos escenarios, mostrando señales de vida en forma de electricidad, o través de una perspectiva filtrada por un equipo óptico que nos muestra una conexión entre lo representado y nuestro mundo real. En este sentido Stefan nos comenta que "el uso de citas de la historia del arte o equipo tecnológico puede conducirnos más allá de la fantasía, para mostrarnos así una versión lo más realista posible de esas calles". ¿Realidad, ficción o un lugar entre ambos? Tú decides.

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Abstraktesbild 866


Airport


Dora Maar Mit Katze


Ford Perfect's Home at Gagosian Boulevard


Il Tempietto Farnesina


The Acceptance of the Inherent Lies in Everything


White Cube Gallery - Palladio Room


Winners of the Isabel Rawsthorne Competition, Das Gummipferd


Mysteries of Roden Crater


Sumover Histories, Nacht 446b

En todos estos años de experiencia con Belio, nosotros, sus creadores, hemos visto y adquirido infinidad de conocimientos relacionados con el mundo de la cultura, el arte, el diseño y la comunicación. Todo ese conocimiento lo hemos ido poniendo en práctica en nuestros diversos proyectos personales y comerciales. Hemos aprendido en la buena escuela de la experiencia de vida y disfrutamos compartiendo todo ese conocimiento con aquel que quiere ver y escuchar, por esto mismo en contadas ocasiones hemos realizado workshops para centros de diseño como el Instituto Europeo del Diseño en Madrid y en Roma, la escuela privada de diseño Zink en Valencia y el Centro de Creación Artística Ladines en Asturias.

El mes de Noviembre Pablo IA de Belio Magazine estará impartiendo dos talleres creativos en el nuevo centro ESDIP en Berlin. Este nuevo centro es un workspace donde puedes ir a trabajar y compartir tu lugar de trabajo, tanto si estas de paso como de forma permanente en Berlin. Aparte de ser un perfecto lugar para conocer a gente creativa, a partir del mes de Octubre han comenzado sus actividades alternativas con workshops impartidos en inglés (principalmente) por creativos de distintas disciplinas. En este link puedes ver un listado completo de los interesantes workshops que tendrán lugar durante las siguientes semanas.



Los talleres que nosotros impartiremos son: Unlock your Creativity, los días 21 y 22 de Noviembre, sobre las paradojas visuales como herramienta de brainstorming, taller que ya tuvimos ocasión de experimentar con éxito rotundo en Zink (Valencia). Y el segundo taller será Urban Lettering, los días 26, 27 y 28 del mismo mes, sobre el trabajo creativo con letras de inspiración urbana. Tienes información información completa de ambos si pinchas en los títulos (links).

Con estos talleres lo que buscamos es desarrollar la creatividad de formas alternativas, experimentado en el fondo y en la forma. Por esto mismo si estás en Berlin (o te quieres hacer una escapada a la capital alemana) y quieres asistir date prisa en reservar tu plaza, ya que hay plazas limitadas.

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UNLOCK YOUR CREATIVITY
Do you feel blocked? Spending hours in front of the computer and ideas don’t flow, tired of the same old ideas? It’s time to wake up the beast. The brain is a muscle that needs to be exercised, and that’s exactly what we offer you in this workshop. >> http://esdipberlin.com/?p=514



URBAN LETTERING
…It’s a logo!? …It’s an illustration!? …It’s a typeface!? No, it’s lettering. A trendy combination in visual communication that mix different graphic disciplines such us logo design, illustration and typography in order to create a powerful image. >> http://esdipberlin.com/?p=781

Es un gran honor poder anunciaros la cuarta edición del Festival Internacional de Animación, CutOut Fest. Especialmente porque los directores y creadores de Belio han sido seleccionados entre el elenco de artistas internacionales para participar ofreciendo una conferencia.

CutOut Fest es un evento de carácter independiente, consolidado como la plataforma de mayor importancia en su género en México y Latinoamérica. Con sede en la ciudad de Querétaro, la 4ta edición del Festival se realizará los días 1, 2 y 3 de noviembre.



Durante los tres días que dura el festival ofrecen al público proyecciones, exposiciones, actividades al aire libre, conferencias, clases magistrales y talleres; todo de forma gratuita. Además, a lo largo del año y en distintas ciudades de México y el extranjero, el Festival realiza la proyección de su Muestra Itinerante con los ganadores de cada edición, llevando el mensaje del Festival a centros culturales, cinetecas, festivales, bibliotecas y universidades.

Entre los artistas invitados contaran con la visita del estudio de diseño holandés HeyHeyHey, caracterizados por la genialidad de sus instalaciones. Otros artistas holandeses destacados son Post Panic; una casa productora que ha destacado por su apuesta a la creatividad más que al uso desmesurado de tecnología. También cuentan con la visita de Florentijn Hofman, un artista holandés amante de las esculturas a gran escala quien realizara una pieza con motivo del día de muertos. Otra de las exposiciones correrá a cargo de Saner de México y Jon Burgerman de Inglaterra; ellos unirán talentos para realizar una intervención en el espacio público, a través del dibujo y el graffiti. Otro de los invitados especiales será Shimbe Shim, animador y cineasta surcoreano reconocido en festivales como South West FF, Seattle IFF, LA Film Festival y SIGGRAPH. Y así hasta un largo etcétera de creadores nacionales e internacionales.

La conferencia de Belio, ofrecida por Javier IA, está programada para el sábado 3 de noviembre, a 18:30 en el Teatro Alameda, con capacidad para 800 personas. Desde aquí queremos invitar a todos nuestros lectores en México a pasar por allí y venir a saludarnos y charlar.

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HeyHeyHey


Florentijn Hofman


Jon Burgerman


Belio Magazine


Curiot


Menno Fokma


Physalia


Sicksystems


Pedro Friedeberg


Shimbe Shim


Memoma


Anima Estudios

La discusión entre analógico y digital es un tema siempre presente dentro del arte en todas sus vertientes, quizás con especial importancia en el mundo de la fotografía y de la música. Dentro de este eterno debate entran en juego factores como la artesanía o el valor de lo hecho-a-mano en contraposición con la rapidez e inmediatez de los medios digitales. Nuestra opinión al respecto es que todas las vías son buenas si el fin es crear algo único. Pero cabe apuntar un par de factores innegables: 1. La muy importante aportación de los ordenadores al mundo de la creación, y 2. La calidez y calidad humana que destila una obra realizada a través de medios tradicionales.



El mundo de los visuales en directo o la cultura VJ no escapa de este debate. Y aunque The Joshua Light Show no son un proyecto nuevo, precisamente todo lo contrario: unos de los pioneros dentro de las artes visuales nacidas en el caldo de cultivo de la contracultura psicodélica de los 60s. Hoy hemos querido dedicar un espacio en Belio a su continúa labor y experimentación.



Sobre estas líneas podéis ver un resumen que la revista alemana Zeit Online les dedico este año con motivo de su participación en el festival Transmediale 2012. Pero este no es el único evento de cultura avanzada en el que han participado, recientemente han pasado por la edición mexicana del festival Mutek, sorprendiendo a público de todas las edades con un light show que llevan perfeccionando desde el año 1967. Los miembros de su colectivo han variado ligeramente, incluyendo nueva sangre entre los artistas que participan, pero en esencia la idea de fondo es la misma, tan pronto dan imagen a un concierto como montan una instalación para la Tate, el Centro Pompidou, el Whitney Museum, o el MOCA. Y nosotros como espectadores nos unimos a su viaje.

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Teníamos preparada otra noticia para publicar hoy en nuestra home, pero cuando ayer vimos este increíble vídeo, Golem dirigido por Patrick Mccue & Tobias Wiesner y con música de Cliff Martinez entre otros geniales colaboradores, nos hemos visto obligados a darle inmediato protagonismo. Golem es probablemente uno de los mejores, sino el mejor vídeo realizado este 2012, según nuestro gusto y criterio. Sencillamente, hay que verlo (si es posible en HD y a pantalla completa):



Nuestra exaltación no es solo por el aspecto sonoro y visual, sino por la idea/concepto que transmite. Tal y como cuentan sus creadores el film está basado en un breve texto escrito por Stanislaw Lem en 1973, titulado Golem XIV y "habla del primer punto de su 'about man threefold', en una versión reducida y simplificada, mientras que visualmente se puede observar como dicho Golem simula los procesos de la cultura humana basada en las ideas y la dinámica de la libertad y la curiosidad, el miedo y la seguridad, la abstracción y la ficción, la falta de accesibilidad al enfrentarnos al desconocimiento y la necesidad de generar un significado." La narración de Lem tiene como protagonista a un ordenador militar con Inteligencia Artificial, que al tomar conciencia comienza a rechazar todo comportamiento bélico al detectar una falta de lógica interna que sostenga el concepto de guerra.

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Qué es la realidad, sino una suma y consenso de percepciones individuales... Pongamos un ejemplo básico: ¿Cómo te ves tú mismo y como te ven los demás? Entre tu yo proyectado y el yo que ven los demás existe un universo desconocido, informe y borroso. La esencia de la buena comunicación entre distintas personas se basa en dar forma a algo intangible, a través de las palabras, del sonido, de la imagen. Pero ¿Qué pasa si algo se escapa de este sistema de códigos? En muchas ocasiones el arte existe por este mismo motivo, y obras como la de Stephan Balleux nos permiten visualizar ese mundo.



El belga Balleux no se limita a la pintura, su gran dedicación, sino que ese universo que el convierte en algo personal adquiere también la forma de esculturas e instalaciones que acompañan a sus exposiciones individuales. Con una corta pero prolífica carrera artística, Stephan cuenta ya con cuatro premios, entre ellos el Albert Camus prize, y numerosas exposiciones, especialmente con Think 21 Gallery. Sus obras en general tienen un aire clásico, casi antropológico, con escenas y retratos cotidianos dentro de la cultura visual del último siglo, pero con ese toque "Balleux" que documenta lo desconocido.

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El artista que os presentamos hoy encarna a la perfección nuestra predilección por las instalaciones multidisciplinares con profundo carácter reflexivo. No solo por ser el súmmum de varias disciplinas como el vídeo arte, la escultura, el arte sonoro, el ready made, etc. Sino porque conceptualmente plantea cuestiones y paradojas que ponen en entredicho la sociedad, la comunicación, la tecnología y la etimología. Las obras del peruano Nicolás Lamas requieren de una cuidada atención y observación, incluso de una atenta lectura. En su web se pueden recorrer una por una todas sus últimas intervenciones, especialmente prolífico este último año, acompañadas de información y amplia documentación gráfica.


Espacio de contingencia, 2012

"Mi trabajo parte del interés y la desconfianza hacia las percepciones construidas de aquello que pertenece a un 'orden natural' y modela nuestro imaginario. Busco fisuras que se generan en determinadas relaciones entre distintos sistemas de representación y aquello que entendemos como realidad." Declara Nicolás como parte de su statement como artista, para ello opta por "la manipulación selectiva de imágenes, sonidos y elementos asociados a la construcción y transmisión del conocimiento." Evidenciando así la relatividad sobre todo aquello que creemos racional y justificado.

En términos generales la obra de Lamas tiene un cierto carácter caótico y destructivo, a primera vista, pero cada elemento que integra una de sus obras tiene una razón de ser, nada es casual sino es de forma provocada. Es quizás a través de la destrucción de una estructura existente cuando somos capaces de ver y entender un nuevo concepto sobre el que evolucionar. Las instalaciones de Nicolás son precisamente eso, una revolución de lo establecido en pro de una obra de arte que transforma al espectador.

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Instalación de Espacio de contingencia, 2012:










Capas estructurales, 2012:




Palabra de guerrillero, 2012:




Data entrópica, 2012:




Ecos referenciales, 2012:


Paralaje, 2012:

Uno de aquellos primeros libros que sentaron las bases del tipo de cultura que alimentaría a Belio en sus orígenes fue el ya mítico Scrawl - Dirty Graphics & Strange Characters (Booth Clibborn), lo que sería el germen de Scrawl Collective, un grupo de artistas urbanos, ilustradores y diseñadores donde se incluyen entre otros Mr Jago, Will Barras y Steff Plaetz, sus fundadores. Entre los primeros artistas que se unieron al colectivo se encuentra Phil Ashcroft (A.K.A PhlAsh), cuyo background no era el arte urbano, ni el skate, pero su estilo gráfico y sus pinturas encajaron a la perfección con ese aire callejero.



Siempre es bueno retomar un libro antiguo y ver que ha pasado con sus protagonistas, en el caso de Ashcroft es interesante ver la evolución de su estilo hacia un terreno puramente artístico y menos gráfico, combinando influencias del expresionismo abstracto, la pintura paisajista inglesa, los grabados japoneses y por supuesto el arte urbano. Aparte de sus exposiciones colectivas con Scrawl, Phil ha expuesto de forma individual: Toxicity en Margaret Harvey Gallery, UH Galleries, St Albans (2006); Yeti In Hong Kong en EXIT, Hong Kong (2005) y Nitro Deluxe en Deptford X, London (2001). Aparte fue finalista para el Celeste Art Prize 2007 y fue seleccionado por la Contemporary Art Society para ARTfutures 2007 y 2005. A continuación podéis ver algunos de sus recientes trabajos:

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Las personajes ilustrados de Stefan Zsaitsits son probablemente como hijos para un padre. De la misma forma que un niño difícilmente puede engañar a sus padres, Stefan entiende a sus personajes como si no tuvieran secretos, e ilustra sus rostros como si fueran el espejo de sus traumas, pasiones, obsesiones y sueños. Sus caras se desdibujan en forma de enigmas, símbolos y juegos.



Nacido en un pequeño pueblo de Austria, Zsaitsits se graduó en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena en 2006 y desde entonces ha expuesto en colectivas dentro de galerías y salas de arte. Algunas de las ilustraciones que podéis ver a continuación están recogidas en el libro Kopfgesänge / Headsongs. ¿Y tú, te has mirado en el espejo a ver que cuenta tu cara?

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"Espero que podamos tener una idea del hecho de que estamos viviendo en el paso del tiempo y al mismo tiempo que la vida individual, la ciudad y la sociedad se forman por la acumulación de tiempo desde un punto de vista inusual." Así introduce el japonés Sasaki Makoto su serie de fotografías Tokyo Layers. Y qué ciudad podría haber en el mundo para representar de mejor forma esa mezcla ideal de futuro, pasado y presente... Sin duda: Tokyo.



Tal y como comenta Sasaki "en esta serie, estoy usando esta técnica para capturar un objeto en movimiento hacia arriba y hacia abajo interrumpiendo la luz en varias ocasiones durante el tiempo de exposición." El resultado son fotografías donde la luz, el movimiento y en ocasiones la perspectiva son los protagonistas, creando así multitud de capas que se superponen y que representan de forma bella ese inevitable paso del tiempo. Así de simple, así de impresionante.

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Vivimos en un pequeño mundo, pequeño pero lleno de misterios sin resolver. Nosotros mismos nos encargamos de añadir más preguntas donde no hay más respuestas. Imagina que te encuentras con una obra de arte cautivadora en una feria de arte o en una galería que visitas, más tarde te lo encuentras en internet, y terminas coincidiendo con su autor en un festival, e incluso en las calles de tu ciudad ¿Casualidad o destino? Basado en hecho reales... Así es como conocimos a Jens Heller.



Las obras de Jens Heller se caracterizan precisamente por crear misterios a través de pintar un serie de elementos de forma reiterativa. De esta forma las personas encapuchadas, los guantes, telas, insectos y manchas informes de pintura se convierten en símbolos. Uno de los temas principales en su obra es la representación del poder, su seducción y corrupción implicita, como se puede ver en la serie Archonts, nuestra favorita. Arconte es una palabra griega que significa "mando" o "dirigencia". Es el participio presente masculino del verbo que deriva de ἀρχ-, que significa "dominar", derivado de la misma raíz vienen monarquía, jerarquía y anarquía.

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Muchas veces se dice "El adulto creativo es el niño que ha sobrevivido", con esta afirmación se tiende a idealizar al artista y al diseñador, pero en el fondo ¿Qué significa sobrevivir como creador en un mundo de adultos? ¿A qué precio? La carrera de artista o diseñador es una carrera de equilibrista, de individuo en la cuerda floja a medio camino entre el éxito y el fracaso, una carrera de sacrificios entre pasión y comercialidad. Pero, vamos a dejar a un lado las espinas y quedarnos solo con las rosas, con ese niño que todos llevamos dentro, y vamos a disfrutar hoy con la obra de Hugo.



Hugo es un joven artista sueco que acaba de inaugurar su primera exposición Une Licorne Rouge en Stpln (Malmo). Como podréis ver en sus ilustraciones practica un estilo a medio camino entre la estética naive y el cómic underground, con referentes del cine, el manga y la televisión, todo remezclado en un universo fantástico donde coexisten unicornios, demonios, hippies y rockeros en una especie de fiesta continua con barra libre de Arco Iris.

Pero el caso de Hugo no es el caso de un ilustrador treintañero con niño gamberro por dentro, sino el opuesto: un niño (desconocemos su edad) con un adulto gamberro dentro. Eso y una capacidad de reflexión bastante madura, tal y como demuestra en la entrevista que nos ha respondido y que podéis leer a continuación:

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Belio: Tu página en Tumblr empieza con la frase "i make art", esto es una afirmación muy seria para una persona de tu edad. ¿Qué es para ti el arte? ¿Qué tipo de artista te consideras?
Hugo: El arte para mi es la música, las fotos y las películas, todo es tipo de cosas. También me gustaría considerar edificios extraños y bellos como arte. Por lo tanto, el arte sería todo aquello que haces y de lo cual te sientes orgulloso. No puede considerarse un buen arte si tú mismo no te sientes orgulloso de ello. Esta es una muy buena e interesante pregunta, no consideraría como arte una alcantarilla, pero probablemente haya sido construida por alguien y esa persona se sienta orgullosa de su trabajo. Por lo tanto mi última afirmación es cierta y equivocada al mismo tiempo. ¿Cual es la diferencia entre un trozo de metal que alguien ha hecho y una preciosa pintura? ¿Por qué una de ellas no es arte, y por qué ambas podrían serlo? ¿Qué tipo de artista me considero? Bueno, me gusta probar nuevas formas de dibujar, pintar, etc. (Cuando tengo la ocasión, no cuando me siento y dibujo algo por pura diversión) pero si no me gusta la técnica, probablemente no la vuelva a usar. He asistido a clases de cómic, y me gusta dibujar cómics. Por lo tanto me describiría a mi mismo como un ilustrador experimental de mis propias historias.

B: El día 22 de septiembre se inaugura tu exposición Une Licorne Rouge ¿Es esta tu primera exposición en el circuito del arte? ¿Cómo definirías el tema central de Une Licorne Rouge?
H: Esta es la primera exposición de cara al público. Hay una historia detrás de la exposición, que puede ser entendida si miras el cómic que se exhibe en una de las paredes. Yo describiría la exposición como algo oscuro en cuanto al tema de las imágenes, también realista en cuanto a la habitación que he creado en la sala del fondo.









B: Por lo que hemos podido ver tu obra se compone de ilustraciones con un estilo a medio camino entre naive y malvado, con imágenes pobladas de seres fantásticos y diablos. ¿De donde salen todos estos personajes? ¿Hay una historia de fondo que enlaza a todos ellos?
H: Los personajes que aparecen en mi obras han salido de mi mente. Me gusta dibujar criaturas tristes o con problemas, son más interesantes que niños pequeños y felices corriendo por ahí y comiendo tarta. Que yo sepa no se conocen entre ellos, probablemente ni siquiera existen en el mismo universo, pero me gusta pensar que todos pertenecen a un mundo mucho más chulo que el País de las Maravillas de Alicia.

B: ¿Tienes algún tipo de referente artístico, estilo o artistas en concreto, que puedas citar como una clara influencia en tu obra? ¿A quién admiras dentro del mundo del arte?
H: Me gusta mucho el arte de Tim Burton, también el de Quentin Blake y Banksy. También me gusta mucho del arte que veo en internet y el arte urbano. Lo más seguro es que puedas reconocer una cierta influencia de Tim Burton en el estilo de mis personajes.



B: ¿Crees que la edad puede ser un handicap o por el contrario, un beneficio, a la hora de presentar tu obra ante un público especializado?
H: Creo que si la gente sabe tu edad, tu genero u otros detalles personales, enseguida se dejan influir por estos factores para decidir si tu obra es buena o no. Por ejemplo, si un niño pequeño aparece con una imagen preciosa y la espectador cree que el niño lo ha hecho, entonces surge una fascinación con el factor de que es un niño quien lo ha hecho. Pero si lo mismo pasará con una personas de treinta años, probablemente el espectador mostraría más interés por lo que la obra significa. Si, creo que la edad podría ser una desventaja a la hora de presentar tu arte y esperar una opinión honesta.

B: ¿Cómo te gustaría que fuera tu futuro dentro del arte? ¿Tienes algún plan?
H: Me gustaría que mi arte en el futuro sea más o menos como es ahora mismo, pero si que quiero introducir técnicas más avanzadas. Me gustaría permanecer anónimo y quizás tener exposiciones más grandes, para llegar a una audiencia mayor. El libro de visitas que uso ahora mismo estará siempre ahí, como camino para penetrar en la mente de personas.

Hugo encarna ese niño que algunos llevamos dentro. En Belio tenemos un sueño, o muchos sueños, nos gusta imaginar que nuestra labor divulgativa ha podido ayudar a más de uno en su carrera artística. Y con Hugo nos gustaría que ese sueño se hiciera realidad...









Fotografías por Grande/Graphix.

Entre los artistas que tuvimos ocasión de ver en la pasada edición de Preview Berlin, volvimos a encontrarnos con la obra de Gabriel S Moses, ilustrador berlinés que nos conquisto con sus obras a base de líneas y puntos, no por la técnica en si misma, sino por el tema central de esta serie de ilustraciones: imágenes abstractas de un mar enfurecido, un caos de fluidos en forma de olas que llegan a convertirse en surrealistas tornados y géiseres, e incluso a sumergir ciudades completas...



No todo el trabajo de Gabriel gira en torno a esta temática y técnica, el resto de su porfolio es un digno catálogo de ilustraciones bastante cercano al cómic con claras influencias emo. Pero volviendo a sus Dots|Lines, sus estudios de olas, es inevitable mencionar como referente a la ola más famosa: La gran ola de Kanagawa de Katsushika Hokusai. Bien sea por este referente o por nuestra fijación con el mar en todas sus formas, recomendamos echar un vistazo a estas obras a un mayor tamaño, en la web del artista, donde puedes hacer zoom, o si es posible, y tienes ocasión al natural.

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detalle








Todo puede pasar en esta vida, en un segundo, como comúnmente se dice "los accidentes pasan". Nadie está libre, es el riesgo de vivir. Perder un miembro, una mano, un brazo, una pierna o un pie en un accidente es una tragedia, pero por supuesto la vida continúa o así debe ser. Hoy en Belio os presentamos un proyecto distinto: The Alternative Limb Project, una mezcla de arte y ortopedia que la artista Sophie de Oliveira Barata está desarrollando.



Como profesional, Shopie es capaz del mayor realismo que te puedas imaginar, y para ello os mostramos un par de fotos de su trabajo realista tras el corte. Pero lo que ha llamado nuestra atención son las opciones Surreal y Unreal que pone a disposición de aquellas personas que lejos de sentir vergüenza por la falta de un miembro, están contentos de mostrar que son distintos, no por dicha falta, sino porque siempre se han sentido así y esta alternativa no es más que una oportunidad para expresarse, para reafirmarse, de la misma forma que cualquier persona puede lucir un tatuaje sobre la piel. A continuación puedes ver algunas de sus creaciones: arte incorporado.

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Tal y como os comentábamos ayer, la semana pasada visitamos la octava edición de la feria de arte emergente Preview Berlin, la cual consideramos una de las citas obligadas cada año en materia de ferias de arte. Preview es una feria de formato medio, pero con una cuidada selección de galerías y propuestas que abarcan todas las disciplinas del arte contemporáneo.


Obra de Lutz Wagner

Para esta segunda parte de nuestro recorrido visual por los pasillos de la feria hemos querido prestar especial atención a la escultura, destacan especialmente los trabajos de Lutz Wagner (sobre estas líneas), Héctor Velázquez y Oliver Czarnetta, tras el corte:

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Lutz Wagner


Héctor Velázquez


Héctor Velázquez


Oliver Czarnetta


Oliver Czarnetta (detalle)


Samuel Seger


Julius Dörner


Madeleine Boschan


Wilken Skurk


Wilken Skurk


Wilken Skurk (detalle)

Tras el hueco dejado cuando Art Forum Berlin anunció su cancelación en 2011, muchos pensaron que el grupo de ferias celebradas en Berlin en la misma semana tomarían el mismo camino, otros quizás pensaron que otra feria ocuparía su lugar. Ni una cosa, ni la otra. Es de agradecer que una propuesta como Preview Berlin ha sabido consolidarse y mantenerse a pesar de la desaparición de Art Forum, y además hacerlo manteniendo su identidad y personalidad: Una feria de verdadero arte emergente. Es por esta misma razón que año tras año le dedicamos un foto-reportaje, debido a la gran calidad de las propuestas seleccionadas.

En su octava edición, celebrada del 13 al 16 de Septiembre dentro de la Berlin Art Week, se reunieron galerías de Australia, Colombia, Francia, Japón, México, España, Suiza, Turquía, etc. Pero principalmente galerías de Berlín, lo cual demuestra el alto nivel y la gran variedad de propuestas artísticas que se congregan en las calles de la capital alemana. Aparte de la muestra celebrada en el Hangar2 del aeropuerto de Tempelhof, Preview Berlin incluía dentro de su programación secciones especiales como Focus Academy, Preview Video Screening (en el Sony Center) o LEGO® Art Box en colaboración con la conocida marca de juguetes.


Obra de Camilo Álvarez

Nosotros estuvimos allí, para resumir en imágenes aquellas propuestas que más llamaron nuestra atención y compartirlas con vosotros. A continuación podéis disfrutar de la primera mitad (para mañana os tenemos reservada la segunda parte con un especial de escultura) de este recorrido visual por algunas de las obras más destacadas, como la que podéis ver sobre estás líneas de Camilo Álvarez representado por la galería colombiana Lem-Art y todas las demás tras el corte:

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Camilo Álvarez


Detlef Waschkau


Birgit Borggrebe


Stefan Hoenerloh


Jens Schubert


Anya Triestram


Hye-Ja


Karolin Kloppstech


Tilo Baumgärtel


Kristian von Hornsleth

Hablar de tendencias en diseño, ya sea moda, gráfica o cualquier otra disciplina es siempre ambiguo. Ya que por un lado coexisten muy diversas estéticas en mismo espacio temporal, pero por otro, una vez que un comisario de arte (o diseño) establece los límites y clasifica una serie de creadores bajo una etiqueta, parece claro e innegable que dicho estilo está marcando tendencia. El próximo 18 de Septiembre en el MuVIM (Valencia) se inaugura la exposición Le Nouveau Design en France d’Influence Déco, que forma parte de las actividades de la Valencia Disseny Week, y donde se presenta el último grito en diseño internacional a través de los mejores diseñadores franceses.


Laurent Fétis

Leslie David, Laurent Fétis, Ill Studio, Jules Julien y So-me mostrarán sus trabajos combinando la gráfica, el diseño de espacios expositivos y la creación de novedosos productos en los que confluyen diferentes disciplinas y cuya influencia está dentro del revival de la estética Art Decó. Los diseñadores seleccionados para representar dicha tendencia han sido varias veces galardonados y trabajan con marcas internacionales (Colette, Chloé, Reebok, Nike, Supreme NYC, Adidas, Stella McCartney , Dolce & Gabbana, Converse, L’Oreal, MTV, etc.), aparte de colaborar con la crème de la crème de escena musical contemporanea: Röyksopp, M83, Tahiti 80, Dj Hell, Justice, DJ Mehdi, Kanye West, MGMT, etc.

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Laurent Fétis:


Ill Studio:




Jules Julien:




Leslie David:




So-me:



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