Cuando lees nombres como Shabazz Palaces, Lykke Li, Young Magic, My Best Fiend, Tame Impala, Warp Records, Modular Records, Sony Music, Vice Magazine, etc. como clientes de un mismo creativo, lo único que puedes sentir es envidia pura. Pero en el caso de Leif Podhajsky también es normal sentir mucha admiración y respeto. Si lo más selecto de la escena musical contemporánea cuenta con su mundo visual a sus servicios es porque Leif lo ha conseguido ¿El qué? Estilo.

Si tuviéramos que definir el estilo de Leif, no tendríamos dudas de ponerle junto a toda esa nueva ola de artistas que recogen el pasado psicodélico y le dan nuevo brillo. Sus trucos son obvios, auténticos clásicos dentro de los recursos gráficos: muchas simetrías, colores saturados, texturas vintage, patrones geométricos y superposición de capas. Nada muy complicado, pero los resultados son plenamente satisfactorios, absolutamente contemporáneos y al mismo tiempo evocan un pasado mejor.

Según indica en su propia web, Leif es "un artista con base en Melbourne. Su obra explora temas como la conectividad, la relevancia de la naturaleza y las experiencias psicodélicas o de estados alterados de conciencia. Mediante la utilización de estos temas intenta coaccionar al espectador para realinearlo consigo mismo y su entorno." ¿Te ha quedado alguna duda? A nosotros no... Leif es uno de los nuestros.

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Si has estado bien atento a Belio en los últimos años probablemente recordaras la obra de Patricia Piccinini. Una obra que se divide entre sus dos principales obsesiones: Por un lado un fetichismo que compartimos con Patricia por la estética custom en todo tipo de vehículos sobre ruedas, sus formas aerodinámicas, los vivos colores cromados o metalizados y los gráficos clásicos de hot-rods. Todo ello pervertido en formas abstractas, tal y como mostramos en el artículo especial que le dedicamos en Belio 012: Behind the Wheel. Y por otro lado, una obsesión insana con las mutaciones genéticas.

A medio camino entre un moderno Frankestein, una historia de ciencia ficción y las oscuras consecuencias de un experimento genético, las obras más populares de Piccinini están protagonizadas por hiperrealistas esculturas de monstruos, freaks y mezclas entre distintas especies. Sobre todo el ser humano, quizás la más temible de las especies. Sin embargo la mayoría de las obras de Piccinini desbordan amor y buenos sentimientos, a través de escenas entrañables donde el aspecto estético contrasta aún más con la ternura del momento.

El pasado sábado se inauguró en Tolarno Galleries, Melbourne - Australia, su nueva exposición There are no strangers que estará abierta al público hasta el día 21 de Abril. A continuación puedes ver algunas de sus nuevas obras:

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El factor de la casualidad juega muy a menudo un papel importante dentro del arte. Así, de esta misma forma nos hemos tropezado con las fotografías de Harold-Diaz, por puro azar, navegando a la deriva en internet, pinchado de un enlace a otro. Sin embargo, no toda casualidad es digna de englobarse en los bastos campos de la creación artística. Solo el autentico y experimentado cazador de casualidades sabe reconocer el momento adecuado, el ángulo idóneo y la luz apropiada para convertir una escena cotidiana en una fotografía interesante y surrealista. Nuestro hombre, Harold-Diaz, lo sabe y así lo demuestra.

Hace algunos años empezó esta especie de moda en las revistas tendencias, con Vice a la cabeza, publicando a diestro y siniestro reportajes de moda con fotos mal hechas, flashazos descarados, fondos horribles, composiciones desequilibradas e incluso cabezas cortadas... Y como toda moda pasajera, quedó más como una anécdota que como un verdadero estilo. La moraleja de esta historia: La casualidad no se puede producir, solo se puede perseguir. Y en el caso de Harold: capturar en fotografías.

Si el trabajo de Harold-Diaz merece nuestro respeto es porque sus fotografías consiguen captar una realidad extraña, que al mismo tiempo goza de la naturalidad propia del momento. Una especie de contraste entre lo ordinario, lo vulgar y aquellos detalles que lo hacen único, especial, mágico e irrepetible, como la vida misma.

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Prefuse 73, Mika Vainio, Kuedo, Soap & Skin, Anstam, Old Apparatus, Ghostpoet, Byetone, Various Production, Holy Other, Fasenouva, Ryoichi Kurokawa, Arbol, Patten, Robert Lippok, el colectivo a/v 1024 Architecture y su espectáculo Euphorie, Komatsu, Vittus + Paul Prudence, Las CasiCasiotone, las propuestas en materia visual de MFO y Normaa, la instalación “data.tecture “[5 SXGA+ version]” de Ryoji Ikeda, son solo algunos de los artistas de la programación de la sexta edición del Laboratorio de Electrónica Visual, que se celebrará durante los días 27 y 28 de Abril en diferentes espacios de Laboral Ciudad de la Cultura, en Gijón.

L.E.V. 2012 presenta una programación articulada en torno a la experimentación y los nuevos escenarios sonoros de la música contemporánea y las artes visuales. Durante dos días, el Laboratorio de Electrónica Visual presentará, en espacios tan singulares como el Teatro y la Iglesia de la Laboral, el Jardín Botánico Atlántico o las antiguas naves industriales que hoy forman LABoral Centro de Arte, algunos de los proyectos más sobresalientes de la actualidad, junto a los trabajos de pioneros fundamentales para entender la evolución del sonido y la imagen, en todas sus formas y mutaciones.



L.E.V., diseñado y concebido por el colectivo asturiano Datatrón 0×3F, co-producido por Laboral Ciudad de la Cultura y con LABoral Centro de Arte y Creación Industrial como patrocinador principal, rinde homenaje a través de sus siglas a Lev Thermen (científico ruso padre de los sintetizadores actuales).

La sexta edición del Laboratorio de Electrónica Visual se celebrará durante los días 27 y 28 de Abril en diferentes espacios de Laboral Ciudad de la Cultura, como la Iglesia y el Teatro, Laboral Centro de Arte y Creación Industrial y el Jardín Botánico Atlántico de Gijón.

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Hay imágenes que parecen estar flotando en el inconsciente colectivo a la espera de que alguien les dé forma en el mundo real. Y cuando finalmente ves una de estas imágenes te producen un deja-vu, una especie de recuerdo del pasado... "Esto ya lo había visto antes". Así es la obra de Mark Titchner. No sabríamos decir si Titchner es un viejo conocido en el entorno Belio, o si sencillamente nunca hemos prestado la debida atención a su obra.

El caso es que su obra está en plena sintonía con el sentir, el estilo y el mensaje que llevamos años transmitiendo desde nuestra base de operaciones: ¡Otro mundo es posible! Precisamente Titchner no es un recién llegado, lleva largos años predicando su propio mensaje a través del arte. Precisamente su larga trayectoria, sus innumerables obras, exposiciones individuales, acciones públicas, instalaciones urbanas, premios, etc. avalan su obra. A simple vista una obra fácil y directa: eslóganes pegadizos, significativos y genéricos representados a través de gráficos coloridos y contundentes. Pero nada de esto es gratuito. Mas que un mensaje, Mark está embarcado en su propia misión: transmitir y convencer al público, si es necesario hipnotizándole. Para transformar la realidad a través del arte en un mundo mejor.

El próximo día 24 de Marzo tendrá lugar en la galería Upstream la premier mundial del nuevo vídeo Be Not Content, 2011 (una instalación con dos pantallas) de Mark Titchner:



El arte de Titchner explora las tensiones entre los diferentes sistemas de creencias que informan a la sociedad, ya sean religiosos, científicos o políticos. Mark se centra en las ideologías y objetos marginados, ridículos u olvidados en los que basamos nuestra fe. Extrae los motivos del mundo de la publicidad, la iconografía religiosa, los flyers de discoteca, banners, propaganda política y demás organismos que compiten por tu atención. Sin embargo, el arte de Titchner no te vende nada, sino que busca tu liberación.

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Hoy es el Día del Padre en España. Hoy es también el cumpleaños de Belio, el decimotercer cumpleaños. Un día como hoy hace 13 años vio la luz el primer número de nuestra revista. El de hoy no es un cumpleaños más, es uno especial y diferente.

Carta XIII - La Muerte. Tarot de Dalí.

El número XIII es representado por “La Muerte” en el Tarot. La Muerte no representa literalmente la muerte física y no necesariamente es un vaticinio negativo. La Muerte presenta el cambio, el fin de un ciclo y el resurgimiento de otro. Por ende, la muerte no debe ser temida.

La Muerte representa la vida en su esencia más pura. Nada deja de existir, todo continúa, se transforma, La Muerte es la liberación suprema. La Muerte atemoriza a todo el género humano, pero no al Prestidigitador que ha iniciado su camino hacia el Conocimiento, porque si no muere a su estado de imperfección, no puede alcanzar ningún tipo de progreso. Para nacer a la libertad de pensamiento, primero ha de liberarse de prejuicios, de la esclavitud intelectual y de la vida.

Del cruce entre la old-school en tatuaje y otras escenas artísticas como el street art y la ilustración se están dando muchos y buenos hijos bastardos. Hoy os presentamos uno más de estos injertos a medio camino, la obra de David M. Cook. Este neoyorquino nacido en Louisville conjuga en sus ilustraciones elementos clásicos del mundo del tatuaje con elementos contemporáneos propios de la neo-psicodelia y los caracteres pop que han inundando la cultura vinyl toy en los últimos años.

Esta mezcla le ha valido un considerable éxito entre la escena lowbrow americana, sustentada y mantenida por revistas como Juxtapoz y Hi-Fructose, y galerías como Fifty24, La Luz de Jesus o Jonathan LeVine, por mencionar unas pocas. Las criaturas de Cook suelen ser monstruos conectados con alegorías clásicas, donde abundan las calaveras y al mismo tiempo los elementos sacados de la cultura pop americana. Asistiendo así a un cruce entre mórbido y naive, donde el sexo y la muerte se visten de colores festivos. En definitiva: una orgía para el sentido de la vista.

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El pasado jueves, 8 de marzo, se inauguró la exposición “La Tapadera” de Elena Alonso en el Espacio Valverde, donde se presentaron las obras más recientes de esta joven artista madrileña, nacida en 1981.

Elena trabaja con elementos cercanos y familiares, tanto en la forma, como en el contenido. Según afirma la propia artista, el papel del dibujo es central en su obra, como herramienta de pensamiento, como práctica artesanal y como resultado que invita a pensar y crear lugares singulares.

En esta ocasión, sus obras recrean una especie de gimnasio particular, donde cada aparato parece descompuesto metafísicamente por la mente de un niño. De esta manera, el recorrido por sus obras nos transporta a una segunda infancia, donde afloran los recuerdos del inconsciente: los dibujos a lápiz, los cuadernos cuadriculados, las clases, los profesores, los compañeros, la merienda, ... En cada obra predomina el fondo blanco y la delicadeza del dibujo a lápiz, tal y como deben estar grabados esos recuerdos de la infancia en nuestra mente.

La exposición estará abierta al público hasta el 8 de abril en la galería Espacio Valverde, en el patio de la calle Valverde nº 30, Madrid.

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Nuestro protagonista de hoy es otro joven que no pasa de los veinte. Tyler Axtell nacido en Georgia, Estados Unidos, se define así de rápido: "Hago cosas, toco la batería en un grupo folk y me gustan las fixed gear (bicicletas de piñón fijo)". A ojos de mucha gente esta definición encajaría con el prototipo hipster imperante a día de hoy. De hecho el término es empleado en muchas ocasiones de forma peyorativa, pero en el caso de Tyler hay una diferencia, se trata de esas cosas que hace: fotografía y diseño.

Una cámara de fotos, un portátil y un programa de retoque fotográfico no te convierte directamente en un buen diseñador, precisamente la combinación de fotografía y diseño tampoco escapa a modas. A medio camino entre el arte y el diseño, las obras de Axtell están llenas de tópicos: iconografía geométrica, fotos de paisajes con tonos desaturados, eslóganes atractivos y tipografías clásicas de palo seco o romanas. Pero la constancia, el buen gusto, la experiencia y la educación visual si que pueden marcar esa diferencia y así lo demuestra el porfolio de Tyler. Entre todo el torrente de imágenes que pasan a diario ante nuestros ojos, sus obras nos han convencido y mucho.

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Una fábrica abandonada o un papel en blanco es el escenario perfecto para las creaciones de Phlegm, un increíble y mágico universo en blanco y negro. Nacido en el norte de Gales, reside en actualmente en Sheffield, Reino Unido. Este dibujante de comics, ilustrador y artista urbano va a ser muy conocido tanto por sus comics auto-publicados como por sus asombrosos personajes gigantes que adornan las paredes de Sheffield, Londres, Cardiff o incluso ciudades de Noruega y Croacia.

La obra de Phlegm tiene un ambiente siniestro, de pesadilla, con figuras desproporcionadas que manejan complejas máquinas que parecen sacadas de otros mundos. Aunque trabaja duramente en sus propios comics e ilustraciones, cada día pasa más y más tiempo pintando en la calle. La mayor parte de sus obras de arte urbano están basadas en ilustraciones, con una total ausencia del típico estilo de letras del mundo del graffiti.



”Tengo una extraña relación con el graffiti, ya que tengo un estilo que ha nacido y crecido por completo de mis comics auto-publicados en lugar del estilo de letras. Mi comics se publican cada cuatro meses o así y trabajo sin cesar en ellos, así lo he hecho durante los últimos cuatro años. Empecé como dibujante, pero el lado urbano de mi trabajo ha ido creciendo en los últimos tres años. Creo que mi estilo ha estado siempre muy influido por lo que represento en mis comics, evitando así casi toda influencia externa. Me encanta explorar y recorrer espacios urbanos y fábricas abandonadas, jugar con el espacio. Es una forma inmediata de ver tu obra en una pared. Una pintura en la calle se convierte rápidamente en parte de la arquitectura de la ciudad, influenciada por todo lo que hay a su alrededor, no como un incómodo lienzo en una galería de arte.”

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Hoy os vamos a contar un historia diferente, una historia con dos caras que queremos que os haga pensar.

Cada día, cada semana, en Belio pretendemos dar conocer a personas desconocidas con grandes talentos, jóvenes artistas, diseñadores, ilustradores, etc. Hoy queríamos dar a conocer a una persona diferente a todas ellas, alguien que tal vez no tenga ningún talento, o tal vez sí y aún no lo sepa. Hablamos de Joseph Kony. ¿Sabes quién es? Si aún no lo sabes, este año vas a empezar a ver este nombre por todas partes. Para entender quién es y por qué, tienes que ver este video de 30 minutos de duración.

Gran video y gran iniciativa esta de “KONY 2012” e “Invisible Children”, ¿no? ¿Te ha convencido el video? Pues ahora os contaremos la otra parte de la historia: Este año 2012 tendrán lugar también las elecciones presidenciales en EE.UU. y no hay duda de que el Sr. Obama necesita una buena campaña de promoción, en la línea de aquel famoso “HOPE”, para conseguir su reelección. Con tanta crisis de por medio, el desgaste político de Obama es bastante grande, así que en este momento su equipo se estará preguntando qué es lo que haría otro presidente americano en su lugar para ganar las elecciones. Tal vez ¿una guerra con supuestas razones humanitarias? Así, mientras la atención pública se dirige a otros temas lejos de Estados Unidos, se reactiva la economía por medio del viejo recurso del gasto militar.

¿Vietnam? ¿Irak? ¿Afganistán? ¿y si ahora te dijéramos que recientemente se han descubierto reservas de petróleo en Uganda y que, como dicen en el video, Kony hace tiempo que huyo de Uganda a otros países vecinos? ¿es necesaria entonces una intervención militar en Uganda? Joseph Kony es el nuevo Bin Laden, el nuevo Saddam Hussein o incluso el nuevo Adolf Hitler, es el nuevo mártir para la campaña política de reelección del presidente de EEUU. Obviamente, Kony tampoco es un santo y merece ser detenido.

La campaña publicitaria de este pretendido movimiento popular inspirado en el 15M, Occupy o la obra de Shepard Fairey está tan bien diseñada y dirigida que hace dudar de su propósito real, más aún cuando solo el 30% de lo recaudado se destinará a Uganda. Una vez más el sistema imita y mimetiza el poder de la gente, utilizando así los movimientos sociales del último año para hacernos creer que esto forma parte del mismo juego.

Sea cual sea el verdadero objetivo de esta campaña, es una lástima que una iniciativa que podría ser buena en su origen tenga un trasfondo tan turbio. Desde Belio lo único que te podemos decir es que pienses y te informes antes de apoyar una campaña de este tipo.

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Un artista que nunca deja de impresionarnos es Saner, quien ya debe ser bien conocido entre nuestros lectores y seguidores. Gran artista, gran persona y gran amigo al que dedicamos el libro Die Young 008 y al que invitamos a exponer sus obras junto a Sego, Seher y Dhear, el pasado mes de junio en la muestra de Arte Urbano Mexicano que organizamos en el Centro de Cultura Contemporánea El Escoxador de Elche. Desde entonces, Saner no ha parado ni un segundo en su creación.

Después de la exposición de Elche, en julio participó en la exposición colectiva “Nose Job” de la Galería Eric Firestone de Nueva York junto a artistas de la talla de Shepard Fairey, Ryan McGinness, Tara McPherson, Nunca, Raymond Pettibon, Retna, Shelter Serra, Swoon, Aaron Young,… En agosto tuvo lugar “Secuestro Express”, su primera exposición individual en Los Angeles, en la Galería Mid-City Arts, se inauguró el 29 de julio. Del 1 al 23 de octubre celebró su segunda exposición individual en México, titulada "Los Iluminados", en la Galería Fifty24MX de Upper Playground México. En diciembre volvió a Estados Unidos para participar junto a Sego en el macro-evento Wynwood Walls en Miami. Una exposición de grandes dimensiones paralela a Art Basel Miami, organizada por Deitch Projects y Goldman Properties, que contó con la participación de los mejores y más famosos artistas urbanos del mundo: Faile, The Future Farmers, Invader, Os Gemeos, Liqen, Nunca, Roa, Shepard Fairey, Barry McGee, Interesni Kazki y muchos otros. A finales del 2011 también participó en la exposición colectiva Intersticios Urbanos en el Centro de Cultura Española de la Ciudad de México y en el CutOut Fest en Queretaro, entre muchos otros eventos. Hay que destacar el gran trabajo y esfuerzo de Saner, que en todas estas exposiciones y eventos presentó obra nueva y exclusiva.



Este año tampoco ha empezado nada mal para Saner. El pasado mes de febrero presentó sus obras en el espacio “La Sonrisa de La Ballesta” en la Feria de Arte Contemporáneo JustMad 3 en Madrid. Y el próximo día 16 de marzo inaugurará una nueva exposición individual en la Galería Fifty24SF de San Francisco, en Estados Unidos. También en ambos casos presentando obras de nueva creación.

La exposición que tendrá lugar en la galería de Upper Playground de San Francisco se titula “Corazón Sangrante” y hoy en Belio os mostramos un adelanto de las obras que allí habrá expuestas. —Nuestras más sinceras felicitaciones para Saner.—

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Sí, se trata de otra exposición más cuyo autor en un alarde de ser lo más cool ha decidido titular en inglés, que siempre suena más internacional. Estupideces las justas, aunque si un ácido sentido del humor. Las ilustraciones, cómics y serigrafías del irreverente Martín López Lam serán las protagonistas este viernes 9 de Marzo en la inauguración de Another Stupid Exhibition with a Title in English en la galería Espai Tactel de Valencia. Bueno, eso si no aparece la muy responsable policía valenciana para arrestar a semejante personaje.

Bromas aparte, el trabajo de Martín se presenta como una de las apuestas más solidas de la galería valenciana. Un estilo colorido y ácido que bebe de influencias diversas como la estética del poster-rock y la psicodelia, pero principalmente del cómic underground americano. Martín sobrevive como residente en Valencia a base de hacer ilustraciones de encargo, perderse dibujando páginas y páginas de cómics, autopublicar fanzines, colaborar en revistas varias, hacer exposiciones (anteriormente en la galería Rosa Santos en el 2007 y 2010) y ganar algún que otro merecido premio de ilustración y cómic. Todo eso además de alimentar por las noches sus húmedos sueños tropicales...

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—¿Cuantos de vosotros habéis jugado a Zelda?—

El videojuego “The Legend of Zelda” se inspiró principalmente en las exploraciones que Shigeru Miyamoto hacía cuando era niño en las laderas del bosque que rodeaban su casa en Sonobe, Japón. Un día se aventuró en los bosques donde encontró recónditos lagos, cuevas y aldeas rurales. Según Miyamoto, una de sus más memorables experiencias fue el descubrimiento de la entrada de una cueva en medio del bosque. Después de dudarlo durante un tiempo, decidió entrar en la cueva con cierta aprensión y exploró sus profundidades con la ayuda de una linterna.

The Triforce Tribute es una épica exposición multi-media que rinde homenaje al universo de Zelda. Comisariada por Jolby y Always With Honor. La muestra se inaugura el próximo viernes, 9 de marzo y estará abierta hasta el 21 de abril en Land Gallery (3925 Ave. North Mississippi. Portland, Oregon. EE.UU.)

La exposición cuenta con el trabajo que más de treinta artistas han hecho inspirados Zelda: Allan Peters, Andrew Kolb, Always With Honor, Clifton Burt, Colin Ford, Cory Loven, Cory Schmitz, Dan Cassaro, Dane Overton, David Sizemore, Dolls For Friends, Doublenaut, Eric Coddington, Frank Chimero, Ian Whitmore, Jeffery Frankenhauser, Jennifer Daniel, Jez Burrows, Jolby, Lost & Found Dept., Meg Hunt, Mikey Mann, Olly Moss, Part & Parcel, Piasa, Peter Harp, Ross Bruggink, Ping Zhu, Scribble Tone, Script & Seal, Skinny Ships, Trevor Basset, Yehteh.

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Hay imágenes grabadas en la mente de forma colectiva, fotos, diseños, ilustraciones, etc. Estas imágenes no siempre responden a un mensaje político o una escena controvertida, en muchas ocasiones su popularidad esta relacionada con una época, un estilo, un sentimiento. Uno de los ejemplos más famosos dentro de la cultura pop es la portada del Unknown Pleasures de Joy Division. Su éxito reside en su simplicidad: Unas sencillas líneas como ondas de sonido que definen un espacio en el negro vacío.

De forma similar, la serie de Fragments de Mario Kolaric explora el vacío del papel con el recurso mínimo: lineas de color trazadas con rotuladores. El resultado son composiciones bellas y minimalistas que cuentan historias estéticas, creando espacios, ritmos, armonías, etc. En ocasiones se solapan, en otras se distancian, se descomponen, se alteran... en definitiva: crean a partir de lo más simple.

Kolaric es un joven artista visual, ilustrador nacido en Serbia. Aunque creció y culminó sus estudios de arte en Zagreb, Croacia, donde reside y trabaja actualmente. Ha expuesto sus trabajos principalmente en galerías Croatas, pero poco a poco va sacando la cabeza en Europa con exposiciones en Paris, Vienna, Bologna, etc. Puedes seguir la evolución de su trabajo a través de su diario en tumblr.

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En Belio tenemos un statement que viene a resumir nuestra fijación por el arte más contemporáneo: una vez estudiada y entendida la historia del arte, toda nuestra atención y pasión se centra en el arte que se produce hoy en día. Somos hijos de nuestro tiempo y por lo tanto, ningún arte pasado puede expresar de mejor forma nuestra visión actual del mundo.

Artistas jóvenes, como la canadiense Melanie Authier son la mejor definición de ese nuevo mundo que se representa a través del arte, ya sea arte digital, fotografía, vídeo, performance o, como en caso de Authier, pintura pura y dura. La contemporaneidad no se define por una técnica o disciplina, sino por las ideas de fondo que transmiten las obras. Y en el caso de Melanie, sus pinturas nos trasmiten sentimientos puros sobre la realidad y su percepción individual, así como una representación condensada de la historia y evolución del paisaje dentro de la pintura.

Su obra forma parte de importantes colecciones internacionales, incluyendo la National Gallery of Canada. Las obras que te presentamos a continuación son las más recientes de Authier, realizadas en estos dos últimos años. Donde se puede apreciar una sutil evolución hacia atmósferas más oscuras, con una concepción del color más acorde con la realidad, pero sin abandonar por ello su personal e increíble gestualidad abstracta.

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Prismatica es la nueva experimentación visual y perceptiva de Kit Webster, una ampliación de sus instalaciones Enigmatica, que ya pudisteis ver en un video que publicamos hace algún tiempo en nuestra sección de vídeos. Esta pieza consiste en conjuntos de cristales con formas piramidales colocadas sobre una pantalla LCD, donde son iluminadas con animaciones geométricas programadas. Estos patrones de animación están precisamente proyectados sobre los vértices de cada cristal, iluminando así, de forma individual, cada uno. Las animaciones son refractadas a través de la geometría de los cristales en concordancia con el punto de vista del espectador, lo que altera la forma en que la luz aparece e interactúa con los reflejos del resto de luces que la rodean en el espacio.

Proyecciones, esculturas de luz, instalaciones visuales, mapping en tres dimensiones,… la colisión entre la tecnología y el arte se ha convertido en una nueva tendencia en el mundo del arte y Kit Webster, un joven artista de Melbourne, parece estar liderando el camino por allí. Sus obras de arte multimedia han sido mostradas en museos y festivales de todo el mundo: Francia, Brasil, Suiza, Australia, Croacia, EE.UU.…




Kit hizo su primera incursión en la creación de obras con proyecciones mientras estudiaba arte sonoro. “Descubrí el arte multimedia por mí mismo. Estaba viviendo en Corea en 2007 y tenía un montón de tiempo libre. Fue entonces cuando descubrí este apasionante mundo del arte multimedia en Japón, Europa y América, pues en Australia no había gran cantidad de este tipo de arte, que es básicamente tomar la tecnología y el arte y combinarlos. Así que empecé a experimentar con proyecciones, y fue cuando descubrí que hay todas estas interesantes formas en las que la luz puede ser reflejada en distintas superficies, y así poder iluminar los objetos.”

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Aquellos que nos conocen bien, conocen de nuestra pasión por el contraste entre belleza y decadencia, entendiendo la decadencia como sinónimo de destrucción, abandono, ruina, etc. No se trata de una fascinación por la muerte, sino de un ejercicio de contemplación ante el inevitable paso del tiempo y la causa-efecto de los elementos. Estableciendo así un lento dialogo entre la acción humana y la reacción de la naturaleza. Ya en Belio 031: Dystopia dimos buena cuenta de este tipo de trabajos.

Hoy os queremos presentar Paradise Parking, una serie de fotografías de Peter Lippmann que tienen como protagonistas coches que han sido abandonados en medio de la naturaleza. En las fotos se puede observar como el paisaje ha integrado ese elementos extraños hasta puntos insospechados.

Lippmann es un fotógrafo profesional que trabaja dentro del mundo de la publicidad y la moda, y de forma paralela desarrolla su carrera como artista. La serie Paradise Parking es un trabajo personal que le ha llevado dos años de investigación. La galería holandesa Sophie Maree presentará en breve y en primicia esta serie de fotos en Bruselas, y para Octubre está prevista su publicación en un libro a través de la editorial francesa Editions Xavier Barral.

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Bayo, artista asentado en Austin, Texas. Eduardo Flores, de nacimiento mexicano. Positivo contra destructivo. Su obra parece representar mundos tristes y melancólicos, donde el personaje principal es la psique, como epicentro de la implosión y la confrontación entre las diversas capas o niveles del subconsciente. “El tema central de mi trabajo actual muestra el debate interno que confronta al ego como mediador entre las demandas de individualidad con su propia energía que le mantiene en una fanática lucha para su supervivencia. La búsqueda fundamental para convertir la individualidad en una existencia ilusoria. Una serie de personajes inmersos en una batalla sin parar de energía.”

A veces eufórico, a veces épico, a veces psicótico, su dibujo marca una ruta en la que somos constantemente infectados por la más profunda ansiedad. Sus personajes casi siempre evitan la mirada frontal, como todo aquel que cree que dicho contacto con los demás es una mera exposición de su propia fragilidad. “La forma en que la gente interioriza lo que sucede en el mundo es única para cada individuo. Mi trabajo muestra cómo esto puede llevar a una persona a diferentes extremos internos. Mi objetivo es reflejar la conciencia y la ansiedad resultante a través de una serie de preguntas relacionadas con el estado de bienestar de cada uno.”

Sus obras viajan por la crudeza de los detalles obsesivos, la vaguedad de la repetición y el repentino estallido de movimiento. Todo esto con el fin de expresar la arquitectura de las emociones internas de Eduardo Flores aka Bayo.

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