No cabe duda que la naturaleza es una creación asombrosa, el ser humano, como parte de esa naturaleza, es además doblemente fascinante por su capacidad creadora. Una creación dentro de otra, solo que la “naturaleza” que el ser humano está extendiendo es anti-natura, industrial y gris, pero no por ello falta de cierta belleza. Ciudades, autopistas, vehículos de todo tipo… Ya en su época el Futurismo cayó rendido a los conceptos de velocidad, máquina y arquitectura industrial. En las revoluciones del ser humano todo atiende a una cuestión de tiempo, de velocidad, ya sea en la transmisión de datos o en el desplazamiento de un lugar a otro.

La obra del artista austriaco Clemens Fürtler retoma este mismo viaje. Empezando por sus pinturas, de 1989 hasta 2005, reflejando distintos países y lugares similares, grandes autopistas y horizontes dominados por el asfalto, hasta sus más actual serie Bildmaschinen que incluye la creación de grandes maquetas (instalaciones cinéticas) que recrean a escala un infinito fluir de vehículos que recorren autopistas o railes dispuestos de forma armónica. Este juego de movimiento, luces y sombras son la base de sus fotografías, polaroids, pinturas y vídeos.



Sobre estás líneas puedes ver su más actual y ambiciosa instalación, Bildmaschine 07 que se inaugura hoy en Kunsthalle Bratislava, y estará expuesta hasta el 24 de Abril de 2016. Y en el siguiente enlace: Bildmaschine 01, podéis ver el hipnótico viaje de su primera máquina. La universalidad de la arquitectura del viaje: las estructuras, las vías, los puentes, los tendidos eléctricos, etc. Nos trasmiten una sensación de no-lugar, un placentero viaje infinito sin destino.

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Hay temas que abordamos una y otra vez, desde todos los ángulos y con distintas perspectivas, la muy personal de cada artista. Como buenos hijos de la era digital, el pixel y el glitch son para Belio materia prima inagotable y fuente de inspiración. También la tendencia hacia la abstracción y la experimentación, que nos hace volver a indagar en la obra menos comercial de diseñadores y programadores de día, que se transforman en artistas visuales de noche, como Greg Stedman.

Stedman estudió artes gráficas, ilustración y teoría de la cultura visual, para terminar trabajando en la actualidad como diseñador web en Edimburgo, en concreto user experience designer. La vía de escape de un trabajador del world wide web obviamente tenía que tomar forma de sueños multicolores pixelados… Paisajes abstractos con pequeños vínculos con la realidad, en ocasiones algún animal que parece haberse escapado de un videojuego. Obras que aguardan a ser portadas de libros o directamente convertirse en una nueva realidad, un día de estos.

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El Urbex o Exploración Urbana es una de esas aficiones que van vinculadas a individuos con inquietudes creativas y cierta fascinación por el paso del tiempo reflejado en lugares abandonados. El tesoro de este tipo de exploraciones son los espacios vírgenes (sin vandalismo) porque reflejan un lugar congelado en el tiempo, inerte. Son lugares que despiertan la imaginación, no solo sobre su vida pasada, sino también sobre nuevas posibilidades. Tras muchas exploraciones y fotografías, Chris Peters está introduciendo vida en algunos de estos espacios a través de su proyecto Public/Private.

Obviamente nos referimos a vida en un sentido poético, Public/Private refleja en las oscuras y decadentes paredes, la vida que continúa en el exterior, más allá de esos muros. Para ello Peters transforma las habitaciones en grandes cámaras oscuras, tapando completamente la ventanas y después abriendo un agujero a su gusto, a través del cual la luz refleja una fotografía continua, una proyección de grandes dimensiones que superpone la vida sobre la muerte, la luz sobre la oscuridad. Es entonces cuando Chris captura ese espacio, e incluso captura ese paso del tiempo a través de preciosos time-lapses:



Como siempre decimos, las mejores ideas no siempre dependen de la tecnología más avanzada. Simples y antiguos conceptos pueden ser revisados una y otra vez con una nueva perspectiva. Así es el trabajo de Chris Peters, profesor, artista y fotógrafo nacido en Wisconsin en 1978. Licenciado en Bellas Artes en fotografía y vídeo, y con un master en Community Art por el Maryland Institute College of Art.

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Aunque la creatividad gráfica de altos vuelos se suele dar bastante repartida por el territorio nacional, siempre las grandes ciudades tienen más opciones de ver crecer a aquellos diseñadores que van a despuntar. Barcelona ha visto pasar todo tipo de buenas épocas y nombres propios bien rotulados y animados… Vasava, Inocuo Design, Alex Truchot, Dvein y generación tras generación hay que añadir más nombres a esta lista, ahora es el turno de Josep Prat Sorolla.

Hablar y destacar a diseñadores y ciudades siempre es difícil, más que nada por no hacer de menos a nadie, ya que como decíamos el talento gráfico está bien repartido, pero Josep se ha ganado su merecida atención a base de crear un estilo propio que conjuga diseño gráfico, animación y vídeo a partes iguales. Con claros referentes a los gráficos ochentas y su toque de ciencia ficción, retro-3D y arte pop. A continuación puedes ver una de sus más recientes creaciones visuales:



Miembro del estudio Cubbish y representado por la agencia O Studio, Prat ha tenido la ocasión de mostrar su talento para tan destacados clientes como Adidas y FIU BCN, colaboraciones con Yorokobu y Granta Magazine, hacer portadas para los discos de Betty Belle, Shirobon, Electro Avenue o Maximum Burn, participar en la creación de vídeos para Fangoria, The Vaccines, Orax, Breakbot… y así hasta una larga lista de impecables trabajos que también incluye su propia colección de moda para Print All Over Me / PAOM. Suma y sigue y sigue y sigue.

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Estamos acostumbrados a etiquetar todo, definir cada estilo por un nombre. En el mundo del tatuaje términos como Old-School, New-School, Japonés, Tribal, Blackwork, Biomecánico, etc. definen los caminos establecidos, sin embargo siempre hay intrépidos a los que les gusta marcar su propia senda y hacer de su estilo una etiqueta única, una marca reconocible con nombre propio, por ejemplo: David Cote. Este canadiense ha sabido crear su propio género en menos de cinco años tatuando.

Se podría decir que los trabajos de Cote son puramente gráficos, tan cercanos a la ilustración que parece mentira que funcionen como tatuajes. Sin embargo así es y no le faltan clientes dispuestos a llevarse en la piel una obra original. Sus diseños tienen ciertas raíces Old-School, pero la temática general suele ir en otra línea, del surrealismo a la colorida psicodelia, pasando por una vena ciertamente poética y en ocasiones incluso naive. Sin duda, el estilo perfecto para ilustrar el cuento de tu propia vida.

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En la pasada edición de La Biennale del Arte en Venecia descubrimos entre otras la totémica obra de Huma Bhabha, una escultora pakistaní afincada en Nueva York. Sus obras nacen de los desperdicios de una sociedad tecnificada y consumista, reciclando todo tipo de materiales plásticos, especialmente piezas poliestireno, para dar forma a figuras humanoides de gran tamaño que recuerdan a los totems de civilizaciones desaparecidas. Es por eso que su obra tiene cierto aire de distopía post-apocalíptica.

Entre muchos de sus internacionales logros como artista, Huma ha expuesto en solitario en el MoMA y el Aspen Art Museum, aparte de destacadas galerías en todo el mundo: Galerie Niels Borch Jensen (Berlin), Stephen Friedman Gallery (Londres) y Grimm Fine Art (Amsterdam), entre otras. La obra de Bhabha, principalmente sus esculturas, retoma la tradición del arte de encarnar un ente superior, humano, extraterrestre o quizás deidad, capaz de devolver al espectador a un estado primitivo. El aspecto brutal y en cierta forma oscuro y ritual de su estilo personal nos impone más fascinación que miedo, creando así obras dignas de ser adoradas en lugar de admiradas.

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Aunque hace tiempo que estamos dispuestos a enterrar el arte urbano como vanguardia, siempre hay una vuelta de tuerca más, algo que nos hace volver sobre el tema, como si camináramos en círculos. Y es que la evolución abstracta de muchos de los que encarnaron la revolución urbana sigue dando frutos interesantes, como la obra de Jan Kaláb y su actual obsesión con las formas redondas y todo lo que la perfección del círculo inspira… de burbujas a planetas.

Aunque para ser completamente honestos, el trabajo del checo Kaláb no se trata sólo de obras circulares, su origen tiene lugar en forma de letras (puro graffiti) para después encarnarse en formas geométricas y planos que se superponían, reinventando las tres dimensiones. En su último paso a redondeado la idea, siguiendo su línea de colores planos y abstracción tridimensional. El resultado se puede ver estos días en BC Gallery (Berlin) bajo el título Tension hasta el 27 de Febrero.

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El misterio que presenta la falta de una información precisa y completa en las obras que os queremos mostrar hoy, es a su vez un aliciente para adentrarnos en la madriguera del conejo, una vez más. Surrealismo y psicodelia de la mano, como suele ser habitual, para acompañarnos en viaje más allá, borrando los límites de la cultura visual preestablecida. Así es Cirrus Minor y sus obras digitales de aspecto pictórico.

Mujer, original de Ucrania y presente en este mundo virtual expositivo desde 2011, eso es todo lo necesitas saber sobre Cirrus Minor. Aunque su propio nickname bien sirve como pista del mundo en el que te introduces cuando buscas un poco más profundamente, una canción de Pink Floid no puede ser más que una puerta a otro universo. Allí dioses devoran astronautas, astronautas sueñan con naturaleza increíble, plantas y animales revelan colores sin nombre y los niños crean con estos colores nuevos dioses. ¿Dónde estábamos? ¿Quién es Cirrus Minor? ¿Y qué importa?

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Siempre lo diremos: Belio no es un medio musical. Sin embargo, muy de vez en cuando nos gusta saltarnos nuestras propias reglas y dedicar un reportaje a un proyecto musical. No se trata de la música, un arte en si mismo, sino del conjunto que rodea la obra de un artista, sea en el formato que sea. Nos interesan aquellos individuos que no se conforman con una sola disciplina, sino que trascienden campos y fronteras para encontrar y transmitir su mensaje en su máxima expresión. Forndom no solo es el proyecto musical de H.L.H. Swärd, sino su incursión en arte inspirado por la religión y el folclore nórdico.

La historia de Forndom comienza en un pueblo sueco, Norrköping, donde Swärd creció, estudió y creó su primera banda de música, un proyecto entre death y progressive metal. Sin embargo su voz interior clamaba una identidad propia, un estilo de música distinto y un arte propio. Así es como primero Heathen Harnow, más centrado en la fotografía y la pintura, y después su nombre definitivo, Forndom, han tomado forma y personalidad al mismo tiempo que creció su interés por estudiar las religiones, en concreto la nórdica. La conexión entre religión y naturaleza, como los increíbles bosques de la zona escandinava, está sin duda presente en la densas atmósferas de las canciones que forman Dauðra Dura:



El 29 de Enero es el lanzamiento oficial del disco de debut de Fornom, Dauðra Dura, a través del sello Nordvis. Tras el éxito de su previo EP Flykt, publicado el año pasado, Swärd profundiza en su personal y contemporánea revisión del folk nórdico, con sonidos atmosféricos y ritmos marciales, todo ello siempre acompañado de una presentación visual exquisita, donde se incluyen parte de sus recientes fotografías y dibujos.

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Hay artistas que dedican una vida completa a contar una historia sin principio, ni final, un estudio de otra realidad, la creación de un universo que se expande obra tras obra, ilustración tras ilustración o página tras página, como sucede con el Codex Seraphinianus de Luigi Serafini. Obras propias de un loco o un genio, es la definición que los mortales pueden dar al autor de tal labor. Algo de todo esto se da en la obra de David Jien, que no solo recuerda al imaginario de Serafini, también a la estética de mitos y leyendas, así como cuentos del lejano oriente.

David nació en 1981 en Los Angeles, y allí sigue afincado creando su universo paralelo, un lugar que resulta familiar y extraño al mismo tiempo, con claras raíces en la cultura tradicional asiática, pero con añadidos puramente pop de los Estados Unidos. En realidad Jien está contando su propia historia, cada personaje tiene su razón de ser, todos están vinculados y año tras año esa historia continúa con nuevas obras donde el sexo, la mitología, el humor y la fantasía van de la mano. ¿Hasta que punto David Jien es un esclavo de su obra, de su propia locura? No lo sabremos hasta que lleguemos al final.

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Nuestro primer contacto con Delta tuvo lugar en el año 2000, cuando publicamos un reportaje sobre su futurista visión del graffiti de aquella época, tuvo lugar en Belio 004. Desde entonces son 16 años, nosotros hemos cambiado y Boris Tellegen también. No se trata de una mutación extraña, sino de una evolución introspectiva que te hace ser más yo, más puro, un viaje al centro de tu universo, aquello que siempre estuvo allí oculto bajo miles de capas superficiales.

Para empezar hace tiempo que Boris llama a las cosas por su nombre, es decir… con nombre y apellidos: Boris - Tellegen. Una formalidad que para el 99% de artistas es sinónimo de madurez artística. En segundo lugar también hace tiempo que se ha olvidado de etiquetas para definir su arte: Sí, es verdad que su carrera comenzó como artista urbano vinculado al graffiti, pero de eso hace ya mucho. Su obra puede tener lugar en la calle, en una galería, en un museo o en su casa, la obra no se define por su contexto, sino al revés. Y por último, estéticamente Tellegen ha sabido hacer una evolución inteligente, fiel a su concepto, pero libre en sus formas, tendiendo a una abstracción cada día más interesante.

Aquí os presentamos sus más recientes obras, las que se podrán ver a partir de hoy en Bruselas, en su nueva exposición en solitario en Alice Gallery hasta el día 20 de Febrero. El título de la exposición, ∇ (una versión invertida del símbolo Delta) hace referencia precisamente al proceso y concepto de la obra actual del holandés: Invertir los procesos del graffiti, quitar en lugar de añadir sobre la superficie.

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En ocasiones la búsqueda de singularidad toma un sentido opuesto al estereotipo de modernidad, es decir, a pesar de todas las posibilidades expresivas del 3D, los gráficos con aire futurista y las imágenes que parecen sacadas de una película de ciencia ficción, aún hay la posibilidad de echar la vista al pasado y rescatar, o mejor dicho: reinventar, un estilo propio de otra época para crear algo completamente único y contemporáneo. Así sucede con Joe White y su estudio de diseño gráfico Ye Olde Studio.

La tipografía en todas sus formas es la mejor baza de este diseñador inglés, quién se considera autodidacta. Combinado además con un exquisito sentido estético de la elegancia y cierta pasión por la ilustración grabada, hacen de White el candidato perfecto para branding y packaging de clientes en busca de distinción. Desde el lettering a la creación de anagramas, emblemas y logotipos, Joe ha conseguido crear un estilo personal capaz de evocar épocas doradas del arte gráfico con fines comerciales.

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En las muchas definiciones de línea se dice que es “una sucesión continua de puntos”, también se dice que es la forma de expresión “más sencilla y pura” e incluso que es “una invención de los dibujantes”, ya que “en la naturaleza un objeto es distinguido de otro por su diferencia de color o de tono.” Y el artista italiano Massimo Uberti es sin lugar a dudas uno de los mayores impulsores de la línea como objeto de creación artística, aunque sus líneas no son una sucesión de puntos, sino de luz encapsulada en neón.

Entre todas las obras e instalaciones de light art que Uberti ha realizado en más de 25 años de carrera, son aquellos espacios y objetos comunes, como habitaciones, mesas, sillas y escaleras las que más popularidad han ganado. La oportunidad para el espectador de ver la realidad descontextualizada, reducida a su mínima expresión e iluminada es solo equiparable al placer que su creador experimenta al sentarse en paz en medio del vacío, donde todo ha desaparecido y solo hay luz.

Actualmente se puede visitar su muestra individual Le Jardin en el studio Geddes Franchetti (Roma) hasta el 28 de Febrero.

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En el mundo del arte nuestros héroes siempre han sido aquellos artistas renacentistas, es decir, artistas totales en su manera de ver el mundo y expresar su talento más allá de disciplinas con bordes delimitados. No nos referimos necesariamente a artistas famosos que han transcendido en la historia del arte, sino cualquiera que a día de hoy no encuentra límites a las posibilidades creativas. Ya sea arte digital, pintura, vídeo, escultura o arquitectura, la mente de Francisco Alarcón Ruiz va más allá de la superficie, de las capas, de los bordes…

Y también más allá de las fronteras, nacido en Almería y actualmente residente en Los Angeles, Francisco ha cosechado éxito aquí y allí. Ha colaborado en proyectos de arquitectura con IDEA office + Hirsuta, Selgascano y Xefirotarch, entre otros muchos estudios. Pero sin duda lo que más llama nuestra atención son sus Carved Paintings, híbridos entre pintura abstracta y escultura que recuerdan a paisajes de coloridos estratos. La obra de Alarcón es una exploración en profundidad a multiples escalas, de lo meramente físico a lo puramente imaginario.

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Nuestro primer reportaje de 2016 se lo queremos dedicar a un viejo conocido de Belio, Daan Botlek, al cual publicamos hace ya muchos años en nuestro querido Monztaaah, desde entonces su obra ha seguido creciendo, evolucionando, sin perder personalidad, todo lo contrario, profundizando en un universo básico, mental, puzzleriano y con un refinado sentido del humor.

Original de Rotterdam, Botlek lleva décadas dedicado a la ilustración y al arte urbano. Sus creaciones divagan sobre las matemáticas, las leyes físicas, las reflexiones meta sobre el arte y el individuo, etc. Y a pie de calle sus más recientes obras se dedican a confundir la mente racional a base de falsas perspectivas y geniales juegos de luces y sombras. Para nosotros, Daan merece su propio libro (como un Die Young), un lugar de poder encontrar todo su universo, un libro infinito, en expansión…

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Este año aparte de clasificar nuestros vídeos favoritos del 2015 en música, arte y animación, hemos querido crear otra categoría para aquellos vídeos que nos cuentan historias, ya sean cortos o pequeños documentales, ficciones o retratos realistas. El mensaje en este caso es el eje central, aunque las formas también son importantes, como si se tratara de libros que en lugar de páginas tienen fotogramas.

Con estos y el resto de vídeos seleccionados despedimos un año genial. Y os emplazamos al 2016 para seguir compartiendo inspiración, sueños, creación y realidades paralelas en Belio.

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Las animaciones nos gustan por dos motivos: por la conexión sentimental que se establece con la infancia y la imaginación, y también por su estrecha relación con el mundo de la ilustración y la pintura, uno de los pilares disciplinares de Belio. Aunque la animación es un género en si mismo, sus posibilidades expresivas son tantas que su campo de acción no es sencillamente el terreno del entretenimiento infantil ¡Para nada! Y de muestra aquí tienes, todo tipo de propósitos, audiencias y técnicas.

Junto a vídeos de música, piezas de vídeo arte y cortos (mañana), los siguientes vídeos son, a nuestro juicio, los mejores ejemplos en animación que han pasado por nuestras retinas en 2015:

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Ayer, a raiz de los Mejores Vídeos de Música 2015, comentábamos que no somos un medio musical. Sin embargo nos confesamos medio de Arte. Por eso al dar un repaso a los vídeos que más nos han inspirado a lo largo del año, es ineludible dedicar un día a re-visionar aquellos vídeos que consideramos "arte" en si mismo. Es decir, el vídeo por el vídeo como medio de creación / expresión, como objeto estético. Tan digno de estar en la pared de un museo o una galería como en tu pantalla.

Mañana te enseñaremos nuestras animaciones favoritas del año y pasado historias en forma de cortos y documentales. Pero ahora siéntate, relájate y déjate fagocitar por las siguientes piezas de vídeo arte:

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Nos encanta llegar al final del año, mirar atrás y revisitar aquellos momentos que más nos han inspirado. En los últimos años ha sido y es el formato vídeo el que hemos elegido como súmmum de la combinación de distintas disciplinas. Belio es arte gráfico, diseño, ilustración, fotografía, escultura, pintura, performance, instalación, arte urbano, visuales, música, danza… Y de alguna forma el vídeo se a convertido en contenedor y conector de esas artes, así como uno de los formatos más potentes para difundir música, crear arte, animar fantasías y contar historias.

Hemos seleccionado 40 vídeos, nuestros favoritos de 2015 clasificados y repartidos en 4 categorías: Música (hoy), Arte (mañana), Animación (pasado mañana) e Historias (traspasado mañana).

MUSIC
Aunque no somos una medio musical, reconocemos la gran influencia que la música tiene en Belio, especialmente como fuente de inspiración. Es innegable la fuerte conexión existente entre artes visuales y música. Desde el origen Belio tenía como misión poner imagen al sonido.

Independientemente del estilo musical que te / nos guste, los siguientes han sido a nuestro juicio las mejores combinaciones de vídeo y música en 2015:

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Todo proceso físico está sujeto al paso del tiempo, nada es eterno, todo cambia, todo está en movimiento, en constante proceso de cambio, y en ocasiones estos procesos de cambio suceden demasiado rápido como para poder pararnos a observar su belleza. Podríamos estar hablando de la naturaleza, así como del intangible interior de la psique humana, pero en esta ocasión hablamos de la obra de Cliff Briggie, que no por casualidad resulta ser psicólogo y fotógrafo.

Las fotos de Briggie están llenas de detalle, son imágenes que invitan a una atenta y detenida contemplación. En este reportaje verás algunos de los miles de momentos que ha congelado con su cámara y sus experimentos con todo tipo de líquidos. Su inquietud en la fotografía va más allá, explorando todo tipo recursos naturales: hielo, agua, nubes, texturas de óxido o procesos de secado de flores, entre otros. El resultado tiende siempre a la abstracción a través de la macrofotografía, perfectas imágenes para que Cliff nos pregunte ¿Qué es lo que ves? Di lo primero que venga a tu mente.

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