Estamos en esa época del año en que nuestra mente quiere escapar, antes incluso de que nuestro cuerpo sea capaz de reaccionar. Sí, vacaciones, viajes, relax y paraísos que se encuentran en este planeta. Pero para el alma creativa y el espíritu consciente la mezcla de estos términos puede tener un significado distinto: Las vacaciones son atemporales, los viajes se pueden realizar sin salir de una habitación, el relax es una puerta a otro tipo de acción y el paraíso esta en otro plano de la realidad. El arte, la meditación y el yoga se funden en uno… Bienvenido a See Pala.

See Pala no es un lugar (al menos real), tampoco un objeto (todavía), ni siquiera una historia (completa) y al mismo tiempo ya es todo eso y más, es una creación que se está gestando en las mentes y manos de Emmie Rae, escritora, poeta y profesora de yoga, y Aldous Massie, artista, ilustrador y diseñador gráfico.

Como comentábamos, See Pala de momento sólo es una web y un prólogo, pero también es una promesa de colección con las historias de siete mujeres y su encuentro con una Diosa. En nuestra opinión esta interesante mezcla de comic mudo, ilustraciones y mística está pidiendo su edición en formato libro, objeto, real… ¿Quizás un futuro crowdfunding? Sea como sea, este prólogo nos permite dejar volar nuestra imaginación, mientras esperamos a nuestro personal encuentro con una Diosa.

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La luz es quizás el bien más preciado de la vida, sin ella, sin el Sol todo lo que conocemos desaparecía en la fría oscuridad. No se trata solo del calor, también de la reflexión sobre los cuerpos que nos permite percibir las tres dimensiones a través de la vista, así como su desfragmentación en colores que nos ofrece una experiencia expresionista de la naturaleza. La mejor manera de capturar y representar la luz es a su vez en un ente tridimensional, una escultura, y en un material como el cristal.

Peter Szabo es precisamente un artista de Budapest, Hungria, capaz de elevar la luz en conjunción con el cristal a la más refinada categoría del arte. Su trabajo consiste dar forma al cristal, cortar, pulir y ensamblarlo de forma que la luz quede captura en maravillosas composiciones geométricas que van más allá de las tres dimensiones conocidas. Su universo gira en torno a cubos, planos virtuales y reflexiones de espejo, obras en las que perderse, literalmente.

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Pocas galerías hay en Berlín que encarnen la modernidad, la contemporaneidad, el buen gusto y la sutileza como lo hace König Galerie, y que demuestra con cada exposición que realizan, como sus recientemente inauguradas Towards Universal Pattern Recognition de Jeremy Shaw y Radical Relaxation de Jorinde Voigt, de la que os queremos hablar hoy.

La artista alemana Jorinde Voigt es capaz de unir en su obra ciencia, surrealismo, sensualidad y abstracción de forma totalmente armónica. Desde el año 2000 aproximadamente, Voigt ha ido desarrollando “un sistema gráfico muy peculiar para la visualización de estudios experimentales, experiencias de la realidad, pensamientos, impresiones sensoriales, escritos filosóficos y música – un sistema que está desarrollando y expandiendo continuamente a través de la adición de nuevos elementos.”

El montaje de Radical Relaxation, su más reciente exposición, contrapone un interesante diálogo entre lo orgánico, la obra de Jorinde, y la arquitectura de König Galerie, una exploración que va del exterior al interior, a la esencia creativa que Voigt sabe capturar en cada una de sus obras, el perfecto equilibrio entre el estudio técnico y el libre albedrío. La muestra se puede visitar hasta el día 24 de Julio.

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Para nosotros, devoradores de cultura visual, la esencia de nuestra alimentación es el contenido sin importar su origen o justificación, siempre y cuando sea 100% original, es decir, propiedad de su creador. Los medios y la técnica es al final algo secundario, si la imagen y su mensaje llega al puerto adecuado. Entre los muchos puertos de Belio tenemos uno dedicado a lo extraño pero real, o viceversa, y aquí es a donde ha llegado la obra Piotr Rymer, un artista multimedia nacido en Polonia en 1984.

A pesar de estar graduado en la Academia de Bellas Artes de Poznań en diseño gráfico, los diversos premios recibidos (Grand Prix Fotofestival, Screen & Sound Fest., Market Art Festival y diversos Behance Awards), las exposiciones realizadas con la Galeria Rekursja, la Kulczyk Collection o la Galeria EndProjekt, los varios shows de visuales en directo y colaboraciones para .PSD Magazine y Sezon Mag… Al final nos queda un mundo virtual para contemplar como real.



Gloriosos residuos bidireccionales entre lo real, principalmente fotografía y vídeo, y lo artificial, básicamente CGI y 3D, que nos hacen cuestionar la credibilidad de lo que vemos, todo ello rodeado de un sentido extraño, como si de otro sueño se tratara… ¿Era real o lo hemos soñado? Como decíamos al principio ¿Acaso importa?

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Si la música es parte de la esencia de Belio, en el caso del estudio Rainbow no se trata sólo de esencia, es su sangre, su razón de ser, existir y crear. Este estudio creativo alemán compuesto por Falk Schwalbe y Hannes Hirche se ha especializado en el diseño y producción de poster para conciertos. Pero no cualquier poster, su trabajo se sitúa entre los límites del diseño gráfico y la producción artística, sus obras son trabajos compuestos a mano (sin intervención de ordenadores) a base de capas que ellos mismos imprimen en serigrafía.

Este aspecto orgánico y artesano y el uso de la serigrafía está vinculado al Gig-posters, un pseudo-género artístico que floreció junto a la escena músical de los 60s y los 70s, principalmente amparado por el rock y la psicodelia. Muchos de esos posters son objeto de culto y coleccionismo, y se exhiben como obras de arte que trascienden su valor publicitario. Los posters de Rainbow recuperan en todo su esplendor ese aspecto artístico, mezclando tradición con nuevas ideas, un estilo actual y nombres tan destacados en el panorama musical contemporáneo como Hauschka, Tame Impala, Tocotronic, Future Islands, Austra, Nada Surf, Jethro Tull, Dan Deacon… y así hasta completar un cartel de ensueño que trasciende cualquier fecha.

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El proceso se ha completado con éxito.

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En ocasiones hay que abandonar el individualismo para abrazar la belleza industrial, modular, reproductive y económica. Los 60s y 70s nos dejaron el Brutalismo en arquitectura, el Expresionismo Abstracto en pintura e impresionantes esculturas como los famosos monumentos socialistas de la Ex-Yugoslavia… En ese mismo espectro estético nos encontramos ahora con la obra actual del canadiense David Umemoto, artista, escultor, licenciado en arquitectura y responsable de proyectos donde combina diseño, arte y arquitectura a partes iguales.

Aunque sus obras podrían parecer meras reproducciones a escala de un pasado gris y geométrico, su concepto va un poco más allá de combinar distintos módulos para generar una obra mayor. Umemoto ha creado una serie de estrictas normas bajo las cuales desarrolla su trabajo, lo más importante es que cada nueva obra sea capaz de integrar o reciclar las anteriores producidas. De esta forma se establece una obra surreal e infinita, como un puzzle inacabado que al mismo tiempo recrea la idea universal de micro / macro universos y las normas que lo rigen.

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El diseño gráfico no es arte, punto. Pero entonces qué sucede con todos esos creativos al servicio de un cliente que no pueden contener sus ideas, sus sueños gráficos, aquellos que no se ajustan a las necesidades del producto / servicio a vender… Son los experimentos que en el fondo llenan el alma del artista bajo la piel del diseñador. Y además son esos experimentos los que a la larga van a llamar la atención. Mariano Pascual se define 100% como diseñador gráfico e ilustrador, pero son precisamente sus imágenes sin cliente las que le han merecido un lugar aquí y en muchas otras publicaciones de arte y diseño.

Original de Argentina y actualmente afincado en Barcelona, Pascual ha desarrollado un estilo pop, colorido, naive y post-moderno en cierto modo, sus obras tienen ese aire clásico que tan de moda está en los gráficos de este último año, es decir, colores planos, texturas, elementos arquitectónicos, fluidos, etc. Y aunque su camino está enmarcado vectores y tipografías, a Mariano le interesa trascender disciplinas y mira a la fotografía, la moda y el arte como destinos futuros con los que engendrar híbridos. De momento aquí puedes ver algunas de sus más recientes obras, de la serie Ghost Army.

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Hay cierto placer meditativo en el dibujo a mano de carácter geométrico y detallista, es un camino que va de la sencillez a la complejidad que conlleva la desaparición del tiempo empleado en el proceso. Horas, días, semanas… Cuanto más largo es el viaje, más profundo es el resultado. Pero todo a su debido momento, comenzando con la preparación de la superficie, el dibujo lineal, la selección de color y terminando por un meticuloso proceso para desvelar una arquitectura invisible. Y así mismo el tiempo también desaparece cuando contemplamos una de las obras de Jacob van Loon.

La obra de este norteamericano afincado en DeKalb, Illinois, ha ido evolucionando siguiendo la lógica deconstrucción de la realidad figurada, lo que antes eran habitaciones y espacios arquitectónicos isométricos han dejado paso a espacios infinitos dentro de la abstracción geométrica y cromática que explora con cada uno de sus cuadros. Jacob se educó en dibujo, ilustración y diseño gráfico, desde 2009 ha expuesto en galerías y museos tanto en Estados Unidos como en Europa, y su más reciente trabajo comisionado fue la creación del artwork de The Wilderness (LP, 2016) para Explosions in the Sky.


Detalle.

Aparte de la selección de obras y detalles aquí recopilados, os recomendamos echarle un vistazo a mayor tamaño directamente en su web: www.jacobvanloon.com o en su perfil en Behance.

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A pesar de que Reuben Wu ya tuvo hace tiempo su reportaje en nuestra página, y de que quizás hayas visto y leído ya sobre su más reciente serie, Lux Noctis, en Belio no nos hemos podido resistir a comentarlo y compartirlo con nuestros lectores. ¿Por qué?

Sencillamente porque Lux Noctis combina en su ADN muchas de las cosas que más amamos en Belio: Fotografía, viajes, exploraciones, naturaleza, paisajes, tecnología, ciencia ficción, realismo mágico… Las fotografías que componen esta serie son una combinación de largas exposiciones y el uso del light-painting (la técnica de pintar con luz en la oscuridad), llevado a un extremo dimensional nunca antes visto. Como bien explican en el siguiente vídeo, esto ha sido posible gracias al desarrollo y evolución de cámaras digitales de alta sensibilidad, potentes antorchas con LEDS y drones.



Aparte de su lado músical, miembro de Ladytron, Wu es conocido por sus geniales vídeos y fotografías de paisajes remotos sobre los que ya hablamos en otra ocasión. En Lux Noctis quizás nosotros vemos más de lo que realmente hay, pero ya solo con las partes iluminadas por Reuben tenemos un marco perfecto para observar nuestro entorno, el planeta Tierra, con otros ojos, como si se tratará de un paisaje alucinante de otra galaxia. Solo esto debería servir para plantear una reflexión sobre nuestro afortunado paso por este mundo.

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La literatura y por extensión su contenedor por excelencia, el libro, son realmente puertas a otra dimensión. Cada vez que una persona entra dentro de uno, entra a la vez dentro de la mente del escritor, otro universo que cobra vida. Ahora imagínate una biblioteca o una librería, con todo esos universos uno al lado de otro. Si pudiéramos visualizar la multidimensionalidad de este pensamiento solo podría ser una obra de Guillaume Lachapelle.

Y al mismo tiempo las obras de Lachapelle son objetos, como los libros, que contienen otras dimensiones. Instalaciones infinitas creadas a base de esculturas impresas en 3D y distintos juegos de luces y espejos. El resultado son mundos en miniatura que reflejan el nuestro de forma poética, especialmente su arquitectura y paisaje urbano, también espacios interiores, y en ocasiones bibliotecas. Guillaume es artista, se graduó en artes visuales en la UQAM, pero en realidad se aspira a ser Arquitecto. No aquel profesional que proyecta edificios, sino El que crea nuevas dimensiones.

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Una y otra vez, todo gira, todo vuelve al punto de inicio, vuelve a empezar, vuelve a terminar, pasan los días y todo el ciclo se repite. En nuestra mente parece que no hay otra alternativa y ante el inevitable devenir del loop quedan solo dos opciones personales: Aceptarlo con resignación o hacer de ello una estrategia de escape, porque dentro de la maldición también se encuentra la salvación. Haz de la infinita repetición un mantra, concentrate en él y... trasciende el tiempo.

Los gifs animados son una representación visual en miniatura de ese patrón que se repite a todas escalas y dimensiones. En los últimos años se han convertido en un género artístico en si mismo y en varias ocasiones os hemos presentado aquellos artistas que más llaman nuestra atención. Hoy es el turno de Protobacilus.

Gustavo Spredemann y Leone Simonetti son dos amigos y artistas visuales de Brasil, juntos crearon Protobacilus inspirado en el mundo microscópico que nos rodea y como vía de escape a su rutina. “Protobacillus es y será siempre un medio para nuestro propio placer. Es una manera de relajar nuestras mentes creativas y dar salida a cosas preciosas que surgen en el proceso.” declaran en su página de Patreon, donde puedes apoyar sus desvaríos alucinógenos a cambio de material exclusivo. Lo bueno es que también nos sirve a los demás, creativos o no, a relajar nuestras mentes y olvidar que estamos dentro de este loop eterno.

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A veces somos una sombra y en otras un ser iluminado, de ambas formas somos ese eterno viajero, anónimo, solitario, aventurero. Podemos ir a iluminar los rincones más oscuros dentro de nuestra mente, podemos descubrir lugares que se encuentran más allá de nuestra realidad, en una galaxia lejana dentro de nosotros mismos, y es que al final de ese viaje el destino es un espejo, una replica de nosotros a distintas escalas. Lo mismo sucede en el arte, las obras de un creador son una y otra vez capturas de su viaje interior. Hoy vamos a visitar el universo de Oska.

Oska es el nombre de guerra del ilustrador y diseñador gráfico Gabriel Levesque, un joven creativo de Montreal, Canada. Con un muy pequeño margen de error podríamos afirmar que Gabriel es un gran fan de la ciencia ficción, de sus clásicos estéticos, tanto en cine como en literatura, sus posters y sus portadas, respectivamente. Sus obras no están llenas de androides, ni alienígenas, todo lo contrario, están desiertas, sus arquitecturas abstractas están enteras a disposición del espectador, reflejado en esa sombra, luminosa o no, que las protagoniza. ¡Bienvenido a tu interior!

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Hay muchos tipos de amor y pasiones, aquellas que se combinan con un sentimiento de nostalgia son las que han generado términos como vintage y old-school, y toda una cultura de culto a otras épocas que incluye no solo el coleccionismo, también la recreación y rediseño siguiendo unos standards estéticos de otras épocas, en ocasiones incluso mezclando épocas tan distantes como los 80s y los 50s. Por ejemplo, ¿te imaginas una consola de videojuegos en versión caja de madera? Pues es lo que Love Hultèn hace realidad.

Quizás hayas visto en internet su famoso Pixel Vision, el cual fue blogeado hasta el infinito. Hultèn es un diseñador y artista con base en Göteborg, Suecia, cuya especialidad es este tipo de fusión retro-tecnológica, creando estos preciosos objetos de deseo en pequeñas series limitadas, sino como piezas únicas. Sus precios rondan entre los cuatrocientos y los cuatromil euros, pero son garantía de un trabajo fino, artesano y exclusivo con los mejores materiales que puede conseguir de forma local.



Sobre estas líneas puedes ver su más reciente creación: Echo Observatory una preciosa tentación para todos los amantes de los fractales y los vídeo-sintetizadores. El acabado final en madera y dorados le da un aspecto casi steampunk, como si fuera una maquina de una realidad paralela. Esto, junto a su fijación con los vídeo-juegos ochenteros y los coqueteos con Lego, recreando a tamaño real sus artilugios, convierten a Love Hultèn en centro de los sueños consumista de todo geek.

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Hay estilos gráficos que nunca pasan de moda, de hecho nunca se trata de ser tendencia, sino de ser fiel a uno mismo… Y el público, tu público te encuentra. En el caso del ilustrador australiano Andrew Fairclough, su estilo bebe directamente de los cómics y la publicidad de los años 50s, con esas tramas gordas y tintas planas tan características. Lo atemporal de su trabajo no depende del estilo, sino de su gran talento.

Andrew lleva desde 2004 creando marca como Kindred Studio, sobre todo ganándose una buena reputación gracias a sus ilustraciones y sus diseños para clientes como Billabong, Mr Black, publicaciones como GQ Magazine, The Clerkenwell Post, ESPN Magazine y The Globe & Mail, o el grupo de música Art Vs Science, entre otros. También tiene una buena colección de serigrafías a la venta a través de su tienda online, no incluye crece-pelos, ni milagrosos licores, pero quién necesita de eso cuando tiene estilo.

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Algunas personas, especialmente aquellas creativas, y muy especialmente los artistas multidisciplinares, se sienten alienígenas sobre este planeta. Son individuos con una misión terrestre: trascender barreras, hacer posible lo irreal, todo aquello que su imaginación proyecta. El resultado suelen ser piezas marcianas, híbridos de distintos lenguajes como las obras de Tsaworks, venido a este planeta y este tiempo como Martin Böttger, residente y agitador de neuronas artísticas en Berlin.

Böttger es otro de esos héroes con capacidad para tocar cualquier area con talento, sus proyectos incluyen esculturas, vídeos, performances, instalaciones, mapping, animación 3D, música… Todo ello bajo ese prisma de estilo propio de otro planeta, entre la abstracción, la geometría, lo virtual y lo electrónico, fruto de sus estudios en Comunicación Visual y Nuevos Medios en la School of Arts and Design de Kassel, así como su postgrado y doctorado siempre en conexión con las artes visuales y las ciencias aplicadas. Entre otros ha colaborado con el sello Brainfeeder, productores de música electrónica como Kid 606, Max Cooper, Patric Catani y Chris Clark, y festivales como OneDotZero, Cluster, Resonate y ARS Electronica.



Su más reciente creación lleva por título Vyger, una serie de esculturas que “tratan sobre el futuro de los seres humanos en relación con los implantes médicos y las mutaciones a través de la tecnología, una distopía imaginada”. Se presentó y estuvo expuesta en la Gallery 3Ringe de Leipzig hasta el pasado 12 de Marzo, y el próximo día 1 de Abril se presenta en Platoon Kunsthalle en Berlin.

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Sentimos un profundo respeto por las tradiciones y religiones, todas ellas, y todas en su estado original, es decir: la espiritualidad. Y a pesar de la inevitable digitalización y virtualización de la cultura, el arte más tribal, tradicional y ritual resucita cada año, como si fuera una celebración de vida y muerte. En cada vuelta alrededor del Sol las culturas se mezclan un poco más, e incluso el arte indígena en vías de extinción es retomado por nuevos creadores que mezclan moda, máscaras, escultura, fotografía, instalaciones, land art… así es y así lo hace Karolina Daria Flora.

Lo que para una persona es simple artesanía, para otra es arte sagrado y para otra una técnica para expresarse. Karolina lleva más de diez años combinando trabajos de moda, estilismo y creación de disfraces con muy distintos propósitos, desde fiestas de carnaval a performance artísticas, obras de teatro y películas. Su mezcla de estilos y disciplinas, así como su pasión por lo indígena y lo artesanal tiene un innegable estilo islandés. Podríamos imaginarnos perfecta a Björk bajo una de sus creaciones. Pero sobre todo lo que respira la obra de Daria Flora es libertad y amor, pero no en esa versión hippie-pop que todos conocemos, sino de forma honesta: libertad para crear sin límites y amor en todos los detalles.

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El secreto de un buen gráfico es una mezcla a partes iguales de talento, destreza, estilo y conocimiento… Bueno, y quizás también algunas dotes mágicas, conjuros y hechizos. El artista que os presentamos hoy probablemente tiene su propio manual secreto para las buenas artes en ilustración de inspiración old-school. Cae González huele a misterio, poco sabemos de él o de su historia, tan solo su origen mexicano de pura cepa.

Pero en Belio nos encanta no saber nada de aquellos artistas que vamos descubriendo, nos permite ver con distancia e imaginar otras historias que rodean sus obras. Su estilo es una mezcla de tatuaje tradicional con toques mágicos, rollo rockero, calaveras y ese aire festivo asociado a la muerte tan propio de México. Sus proyectos más interesantes son propuestas personales que están pidiendo a gritos una oportunidad para ser impresos, ya sea en forma de poster, camiseta, portada de disco o directamente grabado sobre la piel para el resto de la vida como tatuaje.

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Lo tiene todo, Denial Of Service es una encarnación digital que combina todas aquellas cosas que nos fascinan: El error como virtud, la estética del glitch, un uso experimental e inteligente del 3D, los fractales, el vídeo sintetizador Rutt Etra e incluso técnicas más recientes como el DeepDream (imágenes soñadas por una máquina lisérgica), aparte de extender sus habilidades no solo como productor de vídeo, también como artista de visuales, músico y diseñador de sonido. Todo ello perfectamente integrado en un conjunto distópico.

No hay duda que la estética glitch y sus derivados han sido y continúan siendo una clara tendencia en las artes visuales. El problema de las modas es que muchos son los que se apuntan a ellas, desvirtuando y vaciando de significado y sentido su esencia, y muy pocos son los que de verdad consiguen un estilo propio, donde el artista es quién domina la técnica, donde cada obra es una genial combinación de estilo, sin efectismo superfluos. Denial Of Service es uno de estos pocos que año tras año, vídeo a vídeo ha ido demostrando su maestría del error.



Este es uno de sus más recientes trabajos videográficos para el proyecto “Kore Kosmou” de Ariel Electron, Holeg Spies y Thierry Gotti. Uno más dentro de una larga lista de vídeos (que hemos ido publicado en nuestra página a lo largo de los últimos años) y colaboraciones con David Bowie, Gabi Delgado (DAF), Extrawelt, QEBO y Detroit Underground, entre otros. Aparte de producir su propia música. Como decíamos… Lo tiene todo para gustarnos tanto.

¡Ah! Y por supuesto, no dejes de hacer una visita a su perfil en Vimeo donde puedes volver a ver todos vídeos.

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El cómic y los videojuegos suelen encontrarse en los márgenes de los temas que tocamos en Belio, pero una mente creativa no se nutre única y exclusivamente de su propio género, su propia disciplina. Una mente endogámica termina produciendo clones en lugar de obras. Por eso nos gusta prestar atención a todo tipo de temas, ya sea música, literatura, cine, moda, teatro o cómics y videojuegos. Los tiempos que corren están marcados por el carácter híbrido de las artes, por ejemplo el diseño de caracteres es un arte en si mismo que combina ilustración y moda, y es la base para animaciones, películas de cine y cómics.

Hace tiempo que seguimos el trabajo del concept artist Barcelonés Sergi Brosa, con especial atención a su trabajo más personal: Fury Beats, un proyecto en colaboración con su amigo y también artista Jean Paul Egred, que incluye el desarrollo de un videojuego y la fabricación de sus caracteres como vinyl toys. Su estética se podría definir como una versión pop-urbana y colorida de Mad Max. Para llevar a buen puerto este proyecto Sergi ha creado un perfil en Patreon en busca de mecenas.

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