Inspirado por "la arquitectura urbana y como esta desvela las capas de la historia", la obra de Henrijs Preiss tiene un carácter claramente geométrico, simétrico y estructural, aunque tras esa primera visión se esconde el error, como una muestra de que la perfección no es completa sin él. Y así lo confiesa nuestro protagonista: "En concreto, estoy fascinado por el concepto y las ideas monumentales que sustentan las grandes estructuras de la ciudad y la realidad de su decadencia y caos inherente."

De origen latvio y parte de una familia de artistas con raíces rusas, Preiss mezcla en su obra la gráfica de aire propagandístico de décadas pasadas con la estética religiosa medieval y símbolos cabalísticos, creando una obra que juega en la frontera de la abstracción a nivel formal y el ocultismo como contenido. Actualmente está exponiendo en la James Freeman Gallery en Londres, hasta el 3 de Octubre.

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El verano oficialmente acaba mañana, esa franja establecida entre las estaciones es tan borrosa como pudieran ser el recuerdo de todos los demás pasados veranos. Sabemos que estuvimos allí, sabemos como se siente, pero cómo podemos estar tan seguros. Como todo, la experiencia de la realidad es a través de un filtro único y personal. Ese filtro personal puede tener un toque artístico, como es el caso de Ben Parks, un fotógrafo de Pasadena, California, cuya obra nos devuelve a esos recuerdos de lo que fue el verano.

Las fotografías de Parks son generalmente paisajes y personas, un tema de lo más común, pero su manera de capturarlo es sin duda lo que marca una diferencia. El uso de polaroids antiguas, filtros, lentes y diferentes técnicas analógicas crea esa especie de realidad borrosa que simula un recuerdo, aún vivo y colorido, cálido… Como el sol de verano, como una canción improvisada guitarra en mano o el abrazo de un reencuentro. Ben es capaz de capturar ese momento para que no sea solo memoria desdibujándose por el paso del tiempo.

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La historia de Belio está llena de curiosidades y anécdotas. Cada edición que publicamos, cada evento y cada proyecto tiene detrás encuentros únicos, amistades e incluso aventuras de todo tipo, así dicho parece mentira, pero sin duda nuestro viaje en esta nave nos ha deparado alegrías, también penas, momentos altos y bajos. Aunque a modo personal lo que más valoramos en todos estos años son las personas que gracias a Belio han entrado en nuestra vida. Atlántico no solo es la nueva exposición de Saner y Gnosick para Swinton Gallery, es además una de estas grandes historias de amistad.

Edgar Flores, Saner, fue nuestro querido Die Young 008 y desde entonces ha cosechado éxitos aquí y allí, ha escalado con gran arte la montaña de las galerías profesionales, llegando a codearse con la crème de la crème del arte urbano y la ilustración. Por su parte Gnosick es el nombre de guerra de Javier Iglesias, no solo uno de los directores de Belio Magazine, sino todo un ente creativo que tan pronto produce música, como escribe, ejerce de curador o produce piezas de arte. Desde que se encontraron hace años, su amistad se ha desarrollado a través de los muchos encuentros en España y México, largas noches, largas charlas y muchos sueños compartidos. Era cuestión de tiempo que esta conexión tomara la forma de una exposición.

La madrileña galería Swinton (parte del proyecto Swinton & Grant) es sin duda el marco perfecto para este nuevo capítulo en la historia de Saner y Gnosick. Hasta el 17 de Octubre puedes visitar la exposición que recoge las nuevas creaciones de Javier, toda una nueva generación de obras hechas a mano a base de acuarelas, rotuladores y espirógrafos costumizados, así como las mas recientes obras de Edgar con su genuino estilo mexicano. Aunque quizás las piezas más singulares son una serie de colaboraciones, donde las estrellas y constelaciones de uno nos revelan el mundo interno de los personajes del otro, en una extraña pero perfecta simbiosis de estilo y contenido.

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Cuando pensamos en el contenido para Belio solemos intentar equilibrar la balanza con artistas de todas las disciplinas, en ocasiones algunos artistas no se encuadran en una sola disciplina, sino que utilizan todos los formatos en función de cual encaja mejor con el concepto. En el caso de Uri Shapira, su arte se debe a una gran disciplina: La Naturaleza, su estudio, experimentación y reproducción a través de instalaciones, fotografías, vídeos, esculturas, etc.

Uri se graduó en Diseño en cristal y cerámica en la Bezalel Academy of Art and Design de Jerusalem en 2008. Y aunque el cristal y la cerámica son elementos imprescindibles de su obra, los procesos químicos de la naturaleza se han convertido en su eje central. Tal y como comenta Shapira, "El proceso incluye una fase inicial de intervención, cuando el modelo se instala dentro de un acuario de cristal, y su crecimiento se inicia utilizando un conjunto de reacciones químicas. Una vez activado, la cámara toma una posición pasiva, acechando el momento adecuado, mientras que el proceso de formación se produce de forma natural. Esta observación puede durar desde un par de horas hasta largos meses." El resultado nos muestra esa infinita conexión que se da en la naturaleza entre micro y macrocosmos.

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Nos gusta pensar que de una u otra forma todo artista lleva impreso en su obra, en su estilo, una huella de sus raíces culturales. Al observar la obra de Šumski disfrutamos de un mundo fantástico, surreal y pseudo-psicodélico. Se podría decir que fuera otro universo, pero hay algo en sus elementos arquitectónicos, en sus ornamentos, en sus personajes… que nos hace pensar en aquellos espíritus e historias que probablemente han deambulado por siglos en su tierra natal.

Šumski es el pseudónimo de Ivan Blažetić, un joven ilustrador, pintor y muralista de Rijeka, Croacia. Se graduó en escultura en Academia de Bellas Artes, y actualmente trabaja en el teatro de marionetas de la misma ciudad. Su obra ha servido no solo a propósitos artísticos personales, también ha dado imagen a marcas como Nike, Ziggi o el sello discográfico Save Us Records de Berlín. Sus creaciones son como cuentos sin palabras, solo tienes mirar atentamente y dejar que sus personajes te hablen…

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Imagínate estrellar un Wolkswagen Polo negro en el árbol que simboliza el centro de la Alemania reunificada... Visitar la Plaza San Marcos de Venecia y ver que las palomas han cambiado su plumaje por una colorida opción... Toparte con un pelotón de antidisturbios que bien podrían ser robots o personas... O caminar por el bosque y encontrar un árbol que parece real pero no lo es. No te preocupes, está todo controlado, es una de las acciónes / instalaciones de Julius von Bismarck.

Sobre estás líneas podemos ver a Julius en plena acción contra los elementos, como parte de su serie de fotos Punishment. Esta y muchas de sus performances tienen ese carácter de locura, de provocación, de imposibilidad genial, de belleza poética, en el fondo acciones solo permitidas y bien vistas bajo el encuadre del arte. A través de ellas von Bismarck reflexiona sobre su posición en el mundo, pero al mismo tiempo nos invita a reflexionar con el.



Su más reciente instalación tuvo lugar en Art Basel 2015, donde presentó Egocentric System, una performance que duró tres días en los cuales el propio artista se exhibía sobre una plataforma girando continuamente. Como bien explica Julius en el vídeo, la idea original parte de un planteamiento básico, casi infantil, el efecto que produce girar sobre uno mismo, para terminar convirtiéndose en un proyecto desde el que investigar y experimentar ese punto de vista egocéntrico y su conexión con el espectador. El conjunto de su obra tiene este primer nivel de lectura básico donde el público se plantea la eterna pregunta ¿Y esto es arte? pero bajo esa capa de provocación se encuentra un discurso maduro y profundo, que provoca preguntas aún más interesantes sobre la sociedad y el individuo.

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Nuestra inquietud escapista y el calor de verano aún nos pide buscar y encontrar imágenes que refresquen nuestra visión, sea en el campo que sea. Ya se trate de diseño gráfico o ilustración, las obras de Shawna X no solo suponen un soplo de aire fresco en cuanto a su contenido, también en su forma, con un estilo muy acorde con las últimas tendencias gráficas.

Esta joven creativa nacida en Portland y actualmente residente de La Gran Manzana tiene predilección por el dibujo vectorial, la estética Pop y los degradados de colores pasteles que tanto se llevan este año. Entre otros ha colaborado con Adobe, Typeforce NY, el Chicago Design Museum y el sello de música Ghostly International en proyectos con una clara connotación artística. Y es que su portfolio es otro buen ejemplo de la delgada línea que separa arte y diseño.

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Empieza un nuevo ciclo, una nueva temporada, una y otra vez de vuelta a lo conocido, a la rutina. Pero solo si quieres, pues cada vuelta es distinta, siempre lo es. No somos las mismas personas, aunque solo sea un día o un mes, en ese tiempo todo cambia, poco a poco pero inexorablemente. En este tiempo que ha pasado, tú, yo, nosotros, hemos viajado y el viaje nos ha enriquecido. Ya sea visitando lugares lejanos, cercanos o del llamado más allá, siempre se vuelve. Y compartir la experiencia es vivirla de nuevo. Por eso un día como hoy queremos empezarlo compartiendo viajes, como los de Jonathan Solter.

Solter se define como un artista "especializado en el viaje a otras dimensiones superiores, civilizaciones ancestrales y animismo" cuyas obras resuenan tanto con las experiencias psiconáuticas como con la meditación transcendental. Universos paralelos de artistas visionarios como Alex Grey, Android Jones, Adam Psybe o Mars-1. Actualmente vive y trabaja en San Francisco, donde conecta con las raíces del arte psicodélico... Como decíamos más arriba, otra vuelta, pero él, su obra, y lo que comúnmente se denominaba como psicodelia ya no es lo mismo, y mañana será distinto, pero seguiremos compartiendo esas raíces, viajando lado a lado.

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Normalmente no solemos dedicar un reportaje completo a un solo vídeo, solo lo hacemos en excepcionales ocasiones y esta es una de ellas. Nos hemos reservado uno de nuestros vídeos favoritos de las últimas semanas para cerrar por Agosto, y así tomar un descanso, viajar en distintos niveles y volver con vosotros con ese renovado espíritu que nos impulsa día a día a compartir nuestra inspiración. ¿Y por qué este vídeo?

Aquellos que nos conocen desde hace tiempo saben de nuestra inquietud por integrar arte, mística, filosofía y psicodelia dentro de nuestra experiencia de la realidad. Kensho resume parte de nuestras ideas, pensamientos y creencias, verbalizadas magistralmente por Allan Watts, por supuesto, y visualizadas en forma de viaje interestelar con no menos talento por Aaron Paradox.



Aparte de un hasta pronto, al compartir este vídeo con vosotros queremos transmitir un mensaje, invitando así a nuestros lectores a cuestionar lo que entienden por realidad, pero sobre todo a permitirte soñar la vida que deseas y luchar por ella, hacer, crear, seguir soñando, despertar, proyectar, vivir, amar, inspirar y creer en que todo es posible, que todo cuenta, cada pequeño paso, cada pequeña pincelada, cada click, cada pixel, cada idea, cada nota de sonido... es una parte imprescindible de un gran y genial puzzle, tu vida, y al mismo tiempo de la vida de todos los demás, el universo. SIGUE EXPANDIENDOTE.

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Las máscaras son un genero en si mismo dentro del arte, no solo crearlas, también llevarlas y quitarselas. Vivimos en una sociedad enmascarada a todos los niveles, el aparentar o mostrar un solo lado de nosotros mismos está estrechamente ligado con la esencia de las redes sociales en internet, y a su vez dichas redes sociales son una extensión de la realidad ¿Quienes somos realmente y cómo seríamos si tuviéramos completa libertad, sin prejuicio alguno? El vestir una máscara es parte de esa liberación, el anonimato que otorga una máscara se convierte en una poderosa herramienta para ser un poco más nosotros mismos. ¿Cómo sería tu máscara? Para todo arte y oficio hay un profesional adecuado, si necesitas encontrar tu identidad oculta, Smirk Masks sea quizás tu mejor opción.

Bajo el nombre de Smirk, se oculta el rostro del alemán Mirco Erbe, miembro del grupo de mimos y performers Metroccolis, también parte involucrada en Freaxed, un evento berlines que combina competiciones de bici, mascarada y barbacoa todo en uno. Aparte de sus creaciones más personales, Mirco ha creado máscaras para distintos proyectos, grupos de música como Man Machine, ASP y Lance Butters, la película aún en proyecto Fonotune, aparte de trabajos comerciales para Fred y Pro7. Su alucinante y profesional acabado en fibra de vidrio, cuero o metal está al servicio de todo tipo de customizaciones y proyectos personales, tú solo tienes que estar dispuesto a que Smirk modele tu auténtica cara.

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Allá por el 2011, nos contactó un colectivo de artistas que bajo el nombre de Nube nos presentaban Reskate, un proyecto que mezclaba el reciclaje de tablas de skate y artistas gráficos. Han pasado los años y el concepto ha evolucionado a más y mejor, ahora Reskate Arts & Crafts es el estudio de María López y Javier de Riba, centrado en diseño y arte gráfico con carácter orgánico. Sus obras por lo general se sitúan en el cruce entre arte pop, arte urbano e instalación.

Si bien Reskate tiene un carácter más comercial, como el mural que veis sobre estas líneas, las obras de Javier de Riba son claramente más personales, apostando por la conceptualización del arte urbano, lo que nosotros denominaríamos auténtico post-graffiti. Javier parte de elementos urbanos (puertas, suelos en desuso y maderas recicladas) para crear obras donde la textura, el acabado y la reinterpretación de una superficie establecen una reflexión sobre el medio en si mismo.

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A veces parece que uno esté destinado a tropezar con la misma piedra una y otra vez, en este caso con las fotos de 3cm, las cuales hemos publicado en más de una ocasión en nuestra galería online. No es hasta que tomas algo de distancia que se reconoce una obra no solo extensa y solida, sino también valiente y en cierta forma única. Su obra bien podría ser englobada dentro de la fotografía fantástica que tanto abunda en comunidades como Flickr, pero el camino de 3cm nos lleva más allá, en una exploración del retrato, del cuerpo femenino y sus posibilidades expresivas.

La primera impresión que causan las fotos de 3cm es que se tratan de autorretratos, pero nada más lejos de la realidad, ya que 3cm es el pseudónimo de Yung Cheng Lin, un fotógrafo chino obsesionado con la foto inacabada y con la protagonista central de sus series de fotos (ya sea una o varias mujeres que encajan en el mismo estereotipo). Pero su obsesión no termina ahí, si hay algo que sugiere un estilo 3cm genuino es la reiteración de una serie de recursos y protagonistas habituales de sus composiciones: una mosca, un plátano, una mujer anónima de melena oscura y lisa, artículos de papelería como pins y adhesivos, hilos y cintas de color rojo, etc, etc. La combinaciones son infinitas pero siempre apuntan a escenas que van de lo extraño a lo casual pasando por lo sensual y rozando el fetichismo más sutil.

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Si nos preguntas, no creemos en ninguna religión y a la vez en todas, al menos en sus orígenes. Creemos en una especie de espiritualidad, de orden natural de las cosas, un código que va más allá de lo que conocemos y entendemos hasta hoy como seres humanos sobre este plano existencial, la llamada realidad. Creemos en un más allá... en todas direcciones. Y sobre todo creemos en la capacidad creadora de la mente y la voluntad, por lo tanto el arte representa esa especie de alquimia que revela lo invisible y lo imposible. Así sucede con la obra de DZO y su amalgama de referentes donde se combinan símbolos paganos e iconos místicos dando lugar a imágenes surreales.

DZO es el alias que el francés Oliver usa para dar rienda suelta a sus ocultas inquietudes, aparte de ser un diseñador gráfico de éxito afincado en el sur de Francia. Su obra tienen un innegable aspecto oscuro, como todo aquello donde el conocimiento aún no nos ha iluminado, pero al mismo tiempo combina lo tribal, así como lo ancestral y las culturas del mundo de forma natural y armónica. El resultado son ilustraciones que arrojan cierta luz sobre el misterio de nuestra propia esencia.

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En más de una ocasión hemos comentado nuestro entusiasmo por el vídeo arte como disciplinas artística. Ya que es un medio que combina imagen, movimiento / acción y sonido, ofreciendo así otras posibilidades narrativas, que otras técnicas más estáticas no pueden representar. Sin embargo, el gran problema del vídeo como arte es su formato a la hora distribuirlo como objeto dentro del mercado del arte. La objetivación del vídeo, es decir, la transformación del vídeo en un objeto artístico, como una escultura o instalación, es sin duda una de las corrientes más interesantes en términos creativos y que al mismo tiempo añaden un valor relativo a la unicidad que tanto pesa en el coleccionismo de arte.

Sobre estás líneas podéis ver una de las obras recientes Jakub Nepraš, un especialista en llevar el vídeo a los límites de su formato. Sus obras podrían definirse como collages que mezclan lo orgánico y lo digital, integrando uno dentro del otro y viceversa, no solo desde el aspecto material, también en lo conceptual, donde Jakub reflexiona sobre la sociedad, el ser humano, la comunicación y su conexión con la naturaleza.

Descubrimos por primera la obra de Nepraš en la fería ARCO de 2010, pero sus primeros experimentos combinando escultura y vídeo-collage se remontan al año 2007, mucho antes de la eclosión de video-mapping. Nacido en Praga en 1981, entre sus últimas exposiciones destacan: El pabellón Checo en la EXPO 2015 en Milan y la exposición individual y presentación del libro Processes / Layers en Choisi, Lugano, el pasado mes de Mayo. Te recomendamos especialmente visitar su web: jakubnepras.com para poder ver sus obras en acción.

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En los últimos años hemos mirado mucho al norte a la hora de buscar imágenes que nos resultaran frescas, especialmente en diseño gráfico y concretamente en Rusia. No son pocos los artistas visuales rusos que han pasado por nuestras páginas de una u otra forma: Sicksystems, Ilya Slak, Keda Kid y Orka Collective entre otros. La mezcla de tipografía, graffiti, ilustración y arte de inspiración soviética, es decir, historia y modernidad bien digerida da como resultado combinados gráficos explosivos, como es también el caso de Alexey Persh.

Con base en Yekaterinburg, Alexey ha creado su propio estudio, Âtmosphere, con una identidad gráfica en línea con las últimas tendencias visuales. Una reivindicación de la cultura retro-ochentera y su característica estética tecno-futurista propia de los primeros ordenadores domésticos. Pixeles grandes, degradados multicolores, patrones geométricos, texturas de inspiración animal y vegetal, todo ello combinado con tipografías deconstruidas hasta su mínima estructura. El resultado son imágenes que sincronizan a la perfección con ritmos electro, bass music y ligeros toques de house, tal y como suenan sus mixes, que bajo el mismo nombre selecciona y publica en mixcloud. Un pack completo para refrescar todos los sentidos.

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Los opuestos como tema es siempre fascinante, el concepto de polaridad inherente al pensamiento humano y el análisis de todo lo que nos rodea reducido a su mínima expresión: blanco y negro, ceros y unos, luz y sombra... y al mismo tiempo como una infinita paradoja, nada es absoluto, blanco o negro. El ser humano busca siempre un escape a esa dualidad, bien a través de la ciencia o del arte, y en ocasiones una mezcla de ambas, como sucede con la obra de Brigitte Kowanz con el fin de profundizar en el pensamiento filosófico abstracto.

La extensa carrera artística de Kowanz y su exploración de la posibilidades expresivas de la luz le ha llevado desarrollar una obra minimalista y enigmática, donde el uso de código Morse, luces de neón, leds y espejos crean portales que desafían la percepción y el pensamiento humano. Sin duda, sus obras invitan a la meditación consciente, aunque para ello es recomendable verlas / experimentarlas en la realidad.

Precisamente, bajo el título de Reality Check expone actualmente sus más recientes creaciones, hasta el día 25 de Julio en la Galerie Krobath de Viena.

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Nuestra inquietud por buscar, ver y encontrar inspiración no tiene límites, sea en el campo que sea. Es como un sentimiento de hambre insaciable, lo cual produce digestiones lentas, es decir, que por nuestros sentidos pasan más obras y artistas de lo que podemos dar cuenta y compartir. En algunos casos particulares, compartir el trabajo de una persona a la cual llevamos tiempo siguiendo y admirando es como cuando llega la hora del postre. Así pasa con las ilustraciones de Jon Juarez, son como la guinda de un pastel.

La historia de Jon comienza en 1983 en un pueblo Navarro a 90 Km. de San Sebastian. Lo suyo es la ilustración pura y dura, la cual le ha llevado a ilustrar portadas de libros, discos de música, posters de conciertos, dibujar cómics, etc. El aspecto que más nos fascina de la obra de Juarez es ese estilo entre naive y fantástico que coquetea con el surrealismo sutil de artistas como Jean Giraud, aunque él se confiesa más abiertamente fan de Gipi, Charles Huettner y Olivier Schrauwen. Su inspiración proviene de libros, películas y cómics, obviamente, mucha ciencia ficción, que es probablemente la mejor explicación para su imaginario de ensueño y sus historias sin final.

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Entre los muchos temas que nos gusta abordar en nuestra galería online hay un hueco especial dedicado a la naturaleza y el paisaje. No se trata de simple paisajismo, sino de escenas que evocan historias, cuentos, mitos, que dejan hueco a la imaginación. Esa línea entre paisaje y fantasía resulta interesante como forma de expresión artística, pues de alguna forma retrata al ser humano en su profundidad y complejidad. Una visión que también comparte la fotógrafa inglesa Ellie Davies, quién lleva más de siete años dedicada a explorar los bosques a su alrededor y sus posibilidades expresivas.

Davies trabaja en el bosque como si se tratara de su propio estudio, creando instalaciones temporales no-invasivas, para así plantear al espectador paisajes que le hagan reflexionar sobre su relación con el entorno natural. Su más reciente serie de fotos se titula Stars, en ella mezcla sus fotografias con material del telescopio Hubble y la NASA con el fin de dar continuidad a su inquietud por retratar lo desconocido. Quizás también una invitación sutil a reconectar con los cielos estrellados en las noches de verano...

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El término surrealismo sufre como tantas otras palabras de una connotación sobrecargada por un principal referente, en este caso Dalí y su iconográfica obra. Pero dejando a un lado los tópicos, el mundo de los sueños ha sido, es y será uno de esos temas omnipresentes en el arte, especialmente en la pintura. El artista que hoy os presentamos, Simón Arrebola, está en sintonía con otros de nuestros favoritos de la pintura contemporánea como Jonas Burgert, Tilo Baumgärtel o Ryan Browning.

Justo el mes pasado Simón clausuró su más reciente exposición individual Itinerancias Espirituales en La New Gallery de Madrid, donde presentó toda una serie de obras nuevas que juegan, como en sus obras previas, con elementos figurativos y resultados abstractos, es decir, escenarios donde la lógica no encaja. Paisajes, arquitecturas, personajes, estructuras y recursos pictóricos que se combinan creando escenas que recuerdan a una buena actualización de El Jardín de las Delicias de Hieronymus Bosch (El Bosco).

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La vida en el planeta Tierra es extraña, paradójica y alucinante. Las más increíbles formas de vida se esconden en las profundidades, en la oscuridad de nuestros océanos o de profundas grutas. Pero quizás sean increíbles porque no estamos acostumbrados a verlas, sino a imaginarlas, como si fueran un reflejo del lado oscuro de nuestra mente donde los artistas bucean en busca de inspiración. Pues aquí tienes uno de esos tesoros encontrados en los límites entre naturaleza, arte, geometría sagrada y arte digital interactivo: Antrum.

Se trata de una instalación audiovisual inmersiva que llama a la interacción del público, invitando al espectador a establecer contacto físico con las criaturas lumínicas de Tatiana Plakhova, llevadas a la realidad por Mathrioshka (Eduard Haiman y Vadim Smakhtin), sonorizadas por Sergey Kasich, y con la colaboración de Elena Zhdanova y Gleb Storozhik. Sin duda un trabajo de equipo para un gran resultado que estuvo expuesto las semanas pasadas en el centro de arte MARS en Moscú.



Con esta obra se cumplen muchos sueños, entre ellos el nuestro de ver completamente animadas las geniales obra de Tatiana Plakhova. Su obra ha estado vagando por los confines de nuestra red de inspiración / contenidos desde hace años. Pero sus intrincadas imágenes vectoriales nos inspiraban una obra animada, más allá de simples vídeos con ligeros movimientos. Antrum es el resultado de un trabajo excepcional desarrollado durante largos años. A continuación puedes ver algunas de esas obras:

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