No podemos escapar de lo que somos, es decir de nuestras raíces, pero tampoco hay necesidad. El arte auténtico y honesto sencillamente surge de dentro y el resultado tiene incorporados todos los elementos de su historia, su educación visual y sus experiencias, de la misma forma que una flor lleva en su ADN la esencia de su semilla original y los sustratos que han pasado por sus raíces. El ADN en la obra de Houxo Que es clara y sin lugar a dudas japonés.

No importa la disciplina, da igual si es pintura, vídeo, instalación, arte urbano o técnica mixta, existe un vinculo claro entre todas las obras de Houxo. Y aunque su obra ha evolucionado de formatos más standard e imágenes figurativas hacia composiciones semi-abstractas, experimentos con luz y color y propuestas más arriesgadas, la esencia sigue siendo una visión muy personal de elementos clásicos de la cultura japonesa: el arte floral, la caligrafía, las ceremonias, la cultura pop en clave de manga, anime y luces de neón que inundan las calles de Tokyo cada noche.



Su carrera empezó en 1999, más conocido en aquel entonces por su pasado como artista de graffiti. Lo cual evolucionó en performances de pintura en directo como la que puedes ver sobre estas líneas: Day and Night del año 2010. Justo en el momento que sus murales de flores empezaban a desdibujarse, su estilo llamó la atención de marcas del mundo de la moda como Yves Saint Laurent, Lane Crawford y Topshop, que contaron con su talento bajo distintos formatos. A día de hoy su obra está más orientada al mundo del arte contemporáneo, donde ha incorporado su amor por los pigmentos glow-in-the-dark y las instalaciones con luz negra.

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Con la irrupción y desarrollo de internet en las últimas décadas hemos tenido la oportunidad de aprender de forma práctica la diferencia entre real y virtual, como si fueran mundos o dimensiones paralelas. A pesar de la gran relevancia de la experiencia online, hay cosas que escapan a sus dominios, experiencias que son imposibles de capturar, de representar en una web. Así sucede con la obra de Colin Prahl. Aquí y ahora puedes ver una versión reducida de sus complejas imágenes, detalles incluidos, e incluso te recomendaríamos visitar su propia web (donde puedes ver la obras a mayor tamaño) y aún así no haría justicia a la realidad.

Desde las formas orgánicas y naturales de sus primeras pinturas a los imposibles laberintos isométricos de sus más recientes años, la obra de Prahl representa otra dimensión virtual. Y aunque es imposible capturar o traducir dicho universo, Colin consigue acercarnos a esa misma experiencia de un modo hiper-detallista. Ciertamente, su obra podría definirse como psicodelia, pero el término como tal no es capaz de definir la realidad en toda su magnitud, ya que su trabajo transciende una mera experiencia psicodélica de la misma forma que visionarios como M.C. Escher, Jean Giraud o Alex Grey han hecho.

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Cuando se trata de fotografía normalmente sentimos predilección por los paisajes naturales, entre otros temas. Pero parece que cada vez más el entorno natural del ser humano es la gran urbe, con sus geométricas formas compitiendo a base de cemento, acero, hierro, cristal, etc. por llegar más alto, más lejos y más allá. A pesar de la sensación gris que la rutina urbana genera, también se puede encontrar belleza y eso es precisamente lo que Michael Salisbury captura con su cámara, aparte de trabajar como ingeniero de sistemas y llevar el proyecto Create & Explore.

A simple vista una foto de la ciudad puede ser algo totalmente ordinario, a excepción de ese rayo de sol que penetra en un túnel en un preciso momento del día, y ese manto de nubes que parece estar arropando el tejido urbano, o ese rascacielos que rompe los límites de la niebla, o ese atardecer que... Michael es ese gran observador que nos demuestra que no hay nada ordinario, sino momentos irrepetibles que se pierden día a día entre las calles de nuestra nuestra propia ciudad.

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Cruzarse con la obra de Yuri Shwedoff es caer dentro de un universo visual que jurarías haber visto en una película de ciencia ficción, pero tal no existe... Quizás sea la mejor visualización posible de alguna novela post-apocalíptica que hayas leído, pero si fuera así ¿Cómo ha podido entrar este joven artista en tu mente? La explicación más lógica es que Yuri nos está contando una historia que comenzó en 2008 tras graduarse como pintor en la Moscow Academic Art Lyceum de la Academia de Bellas Artes de Rusia y pasar 6 años en la Universidad Surikov.

Aún no conocemos el final de esa historia, pero sí sabemos que Shwedoff nació en 1991 en Kyrgyzstan, que proviene de una familia de artistas y su inspiración de una mezcla de paisajes entre su tierra natal y su posterior adolescencia en Rusia, "en Kyrgyzstan vi preciosos paisajes, montañas y valles de aspecto casi cósmico. Y cuando me mudé a Rusia el paisaje estaba lleno de arquitectura post-soviética, edificios que parecían naves espaciales, paradas de autobús futuristas. Muchos de estos lugares se encontraban abandonados y olvidados, tienen su propia belleza. Todo esto me ha inspirado, ahora estoy intentando encontrar el perfecto equilibrio entre unos y otros." Y también sabemos que viendo el trabajo presente, lo mejor aún está por llegar y será absolutamente genial.

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El aspecto que más nos interesa de la moda es precisamente el que encarna House of Malakai, marca de identidad de su creador, dueño y señor: Malakai. No se trata de cosas sencillas y casuales, nos interesan los extremos y sus complementos están precisamente en ese límite entre moda y arte. Llevar un sombrero o una máscara de Malakai requiere de personalidad. Quizás es por esto que entre sus más famosos clientes se encuentren personajes como Beyonce, Rihanna o Madonna (en su más reciente show).

Aunque Malakai nació como tal en la escena underground de San Francisco, primero como artista de performance, director de arte y estilismo, modelo y DJ. Actualmente está dedicado al completo a su propia marca, centrada en la producción de joyería y decoración, con base en Bali, Indonesia. Su personal estilo bebe de influencias tanto de la historia del arte y la moda, como de la ornamentación ritual de las muy variadas tribus del mundo. Sin duda la mezcla de estos referentes y su modernización es lo que hace de esta una apuesta arriesgada pero exitosa. Ahora mismo está teniendo lugar la Paris Fashion Week, donde presenta su nueva Aviatrix Collection para la próxima temporada de Otoño/Invierno.

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En repetidas ocasiones hemos dedicado nuestro esfuerzo creativo en mostrar y defender la naturaleza, el medio salvaje con su rica fauna. No se trata solo de un tema de interés ecológico, también una gran fuente de inspiración. Sin duda la obra del asturiano Roberto Rodríguez Redondo hubiera encajado perfectamente en nuestras publicaciones Belio 017: Nature o Belio 027: Wildlife, debido a su fascinación por retratar las distintas especies bajo una visión colorida y puramente pop.

Para ser exactos, su última colección de obras lleva como título Wild Nature y se expone en Lasala de Zaragoza hasta el 31 de Marzo. En ella queda patente las distintas ramas artísticas por las que discurre la obra de Roberto: pintura, ilustración y diseño gráfico. A continuación puedes ver algunas de las obras allí expuestas, así como fotos de la inauguración y algunas ilustraciones que forman parte su más reciente trabajo para el álbum del grupo de rock The Great Barrier.

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Hace años, navegando a la deriva por internet nos encontramos con una ballena varada en medio de un bosque, la imagen nos resultó tan impactante que nos apresuramos a buscar un responsable. Resultó ser obra de Adrián Villar Rojas, pero entonces no fuimos capaces de encontrar mayor información de este joven artista nacido en Rosario (Argentina) en 1980. Aparte de dicha ballena, Mi Familia Muerta, solo encontramos a Mi Abuelo Muerto, otra ballena varada esta vez en la Akademie der Kunste de Berlin. Parecía que todo eran dead-ends, es decir, caminos sin salida...



...Pero la vida continúa, y así seguimos con nuestro viaje a la espera de reencontrarnos con un Adrían más crecido, pero sobre todo con una obra más extensa. Cinco años han pasado desde entonces, su obra ha seguido desafiando la realidad con formatos de gigantes dimensiones y con conceptos que nos trasladan a un realismo mágico que roza la ciencia ficción y la distopia, generando con sus poéticos títulos aún más preguntas que respuestas.

Villar Rojas ha recibido numerosos premios, incluyendo el Zurich Art Prize del Museo Haus Konstruktiv (2013), el 9º Benesse Prize en la 54ª edición de la Bienal de Venecia (2011) o el primer premio de la Bienal Nacional de Arte de Bahía Blanca en Argentina (2005). Aparte de haber participado en numerosas residencias artísticas en Francia, Canadá, Colombia y Brasil, y haber expuesto en el MoMA de Nueva York, el Louvre Museum de Paris y la Documenta de Kassel entre otras muchas exposiciones, galerías y museos internacionales.

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El título de Fragmentos de lo invisible es quizás una de las formas más acuradas de presentar y definir las obras de Robert Ferrer (Valencia, 1978). Precisamente bajo este título se presentan hasta el día 7 de Abril sus más recientes obras en la Galería Espacio Valverde de Madrid.

Si Ferrer no se hubiera dedicado al arte, seguramente hubiera terminado siendo científico o matemático, quizás estaría involucrado en acelerar partículas en el CERN, o cualquier otro proyecto que no podemos ver, pero entendemos de su relevancia existencial. Sus obras quizás no sean tan importante para la ciencia, pero aceleran de forma poética otro tipo de partículas que circulan dentro de nosotros. A través de esculturas / cuadros / instalaciones representa de forma abstracta el equilibrio entre acción e inacción. Sus piezas son estáticas pero capturan el momento cumbre de una acción, y al mismo tiempo, debido a su aspecto tridimensional, es el punto de vista del espectador quién otorga vida a estas composiciones suspendidas en el aire.

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Hay algo tremendamente bello y romántico en una arquitectura en ruinas, especialmente cuando la naturaleza es parte de esa evolución. Esa decadencia es un recuerdo de la futilidad de nuestras acciones a largo plazo, un motivo más para centrarnos y disfrutar del momento presente, lo cual incluye seguir creando por el mero placer de hacerlo. Pero entendiendo que esa decadencia es naturaleza en si misma y como tal es perfecta.

En la búsqueda y captura de esa belleza nos encontramos a Seth Clark y su obra, que comprende tanto pintura como collage, ilustración, escultura y diseño gráfico. En este reportaje nos centramos en su obra más personal, la cual es difícil de separar de su faceta más comercial, ya que sus diseños (los puedes ver en este link: www.sethsclark.com/design) tienen una naturaleza orgánica con una fuerte personalidad artística.

Clark se graduó en diseño gráfico, en la especialidad de impresión y tipografía alternativa en la Rhode Island School of Design. Fue entonces cuando descubrió el collage, técnica que ha ido desarrollando desde las dos dimensiones del papel al uso de madera en la elaboración de estructuras que sustentan fantasías abstractas de carácter escultórico. Su corta pero exitosa carrera ha sido galardonada con tres Design Excellence Awards, aparte del recientemente otorgado Pittsburgh’s 2015 Emerging Artist of the Year, por el cual está actualmente trabajando en lo que será su próxima exposición para el Pittsburgh Center for the Arts en Estados Unidos.

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No existe nada más paradójico que el ser humano en si mismo, tan absurdo como bello, tan poético como vulgar, tan limitado como genial. Esto dicho y escrito por otro ser humano. Y por lo tanto el resultado de la acción humana es igualmente reflejo de esa paradoja continua: Destruimos todo ecosistema del cual dependemos para la vida, somos capaces de crear las cosas más increíbles para luego terminar utilizándolas contra otros seres humanos, creamos mundos virtuales a imagen y semejanza del que está en frente de nuestros ojos con tal de escapar de nosotros mismos... Y luego está el arte, quizás lo único que tiene sentido dentro de esta paradoja humana.

La artista que os presentamos hoy es quizás uno de los mejores reflejos contemporáneos del cruce entre genialidad y absurdo que se da en el ser humano. La obra de Katja Novitskova hace referencia no solo a la tecnología, a la era de la información, al progreso, a lo virtual, pero también a la falsedad intrínseca de una sociedad que reviste todo de una gruesa capa brillante de colores saturados. Katja observa, digiere y disfruta de este mundo, de todo ello hace obras que trascienden los formatos tradicionales.



Sobre estás líneas podéis ver su más reciente creación A Day In A Life With Things / Regret Buying en acción, una instalación expuesta el año pasado en la Rijksakademie de Amsterdam, compuesta por una mezcla de osciladores electrónicos para bebés, resina y caucho de poliuretano, aluminio, modelos digitales de moléculas de proteínas, imágenes encontradas en internet, stickers de Facebook, abrazaderas, cebos de pesca de silicona, extensiones de pelo, mangueras de cable, power magnets, etc. Las obras de Novitskova no responden cuestiones existenciales del ser humano... O quizás sí, quizás el césped del vecino no es realmente más verde que el tuyo, es una cuestión de alterar los valores de saturación en un programa de edición digital.

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Las palabras se quedan cortas con un tema tan profundo como es la atracción física, energética y sentimental entre dos seres vivos, como si fuera una cadena de pocos eslabones o una prisión en forma de letras engarzadas: amor, deseo, sexo, pasión... Ni siquiera con una definición más extensa, ni una explicación a párrafo completo. Se convierte en una labor si cabe más difícil cuanto más complejos son los seres implicados. Sin embargo, otras artes nos pueden ayudar a expresar ese secreto deseo. En este caso las fotografías de Laura Makabresku valen más que mil palabras.

"Mis fotografías son como escenas de un bello pero cruel cuento de hadas. Sin una narrativa lineal, las imágenes que aparecen son más parecidas a los sentimientos que surgen al leer un cuento antiguo". Así define Laura el ambiente que retrata con su cámara. Y aunque sus obras tienen cierto aire mágico, oscuro y pseudo-ritual, también están llenas de una gran sensibilidad y sensualidad. La suya es auténtica fotografía romántica... No nos referimos a ese concepto barato que se ha comercializado para el Día de los Enamorados, sino del instinto animal que se despierta con el más ligero roce de una piel contra otra.

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Es necesario dar un pequeño salto de fe para poder ver el cuadro completo, y no nos referimos a una de las obras de Alvar Gullichsen, sino a la conexión existente entre la obra de este artista finlandés nacido en 1961 y ese universo visual que une las culturas ancestrales de Sudamérica, los mandalas budistas, los patrones de la pintura mural de las tribus N'debele en Africa y tantas otras manifestaciones artísticas que tratan de capturar ese otro lado de la realidad.

Carl Jung sostenía que todas estas imágenes provienen del inconsciente colectivo, y quizás es ahí donde provienen los sueños. Al menos este fue el desencadenante de un gran paso evolutivo en la obra de Gullichsen, que recuerda con claridad un sueño donde se encontraba en una especie de paraíso, donde todo era armonía, pero quizás lo que más le impacto fue encontrarse a si mismo "en una especie de cubo o habitación con las paredes decoradas con patrones geométricos". Desde entonces, Alvar ha tenido más sueños lucidos y ha intentado a través de su arte mostrar al mundo ese increíble lugar.

"Me llevó bastante tiempo reconstruir las imágenes de mi sueño, y aún no estoy totalmente seguro de todos los elementos - quizás porque todo parecían objetos en movimiento y sus formas iban variando. He usado el dibujo intuitivo (las manos recuerdan mejor las cosas que la mente racional) hasta que he dado con composiciones y patrones geométricos que siento correctos. Mi asistente, Klaus Nyqvist, me ha ayudado a crear habitaciones virtuales con las paredes cubiertas de estos patrones." Cuenta Alvar a propósito de sus más recientes obras, las mismas que puedes bajo el título Inca Modernism en la Galleria Heino en Helsinki hasta el 8 de Marzo.

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En ocasiones resulta injusto que etiquetas como arte urbano o pintura figurativa sean sinónimo de "ya lo he visto", haciendo referencia la extensa cantidad de obras que se pueden meter en el mismo saco formal. Cuando alguien nos pregunta sobre la formula para destacar en una de estas o en cualquier otra disciplina, nuestra respuesta no se centra en la calidad técnica, que también es importante, tampoco se trata de una completa y rotunda originalidad, quizás algo imposible a día de hoy. Sino en su capacidad para comunicar, conceptos unidos a sentimientos que otorgan a la obra una profundidad capaz de tocar el alma del espectador. Y si algo ha conseguido Borondo a través de años trabajando lienzos, paredes, cristales, lonas y todo tipo de superficies es precisamente eso.

Descubrimos la obra del segoviano Borondo a través de las calles de Madrid, donde reside actualmente, y profundizamos en su universo gracias al vídeo que le dedicaron la gente de Acción Fílmica dentro de su Underground Project. Su obra, tanto de calle como de estudio, resulta tan humana como la poesía misma, no se trata de los elementos que la componen, sino de un inteligente uso de lo que ya existía. Lo cual otorga a su obra un aspecto clásico al mismo tiempo que un transgresor carácter reciclador.

Hoy mismo, día 5 de Febrero se inaugura la que sin duda es su mayor exposición individual hasta la fecha. Bajo el título de Animal y organizada por Rex Romae, Borondo presenta en Londonewcastle Project Space nueva obra. Aquí, a continuación tienes un preview, un anticipo de lo que se podrá ver esta noche y hasta el 26 de este mes en la galería londinense.

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La invención o mejor dicho, la definición del Arte Pop tuvo unas consecuencias para la historia del arte de proporciones inmensurables, para bien y para mal. Pero dicho evento solo pudo tener lugar debido a una lógica consecuencia, resultado de años de publicidad y cultura de masas. Desde entonces todo aquello que nos ha definido como seres humanos emocionales, especialmente en la infancia, ha constituido la influencia más profunda en las nuevas generaciones de artistas, dando lugar a obras como las de Jon Ander García Benítez.

Nacido en 1989 en Bilbao, Jon es sin duda hijo de su época y como tal sus esculturas recuerdan fragmentos perdidos en la memoria de superhéroes, videojuegos, mangas y animes. Son piezas hiper-coloridas a medio camino entre el diseño gráfico, el objeto decorativo y la escultura pop, que bien podrían ser el premio de un nuevo nivel superado, un poder extra o un fetiche para coleccionistas.

Fuera de contexto, el poder iconográfico de las obras de Jon permiten al espectador divagar sobre sus múltiples posibilidades simbólicas, especialmente sobre las paredes blancas de una galería de arte o museo. Precisamente a partir del día 5 de Febrero se pueden ver en la Sala de exposiciones de las Juntas Generales de Bizkaia (Sala Foral) en Bilbao, junto a la obra de su hermana María García Benítez que bajo el título de Hijos de SonGoku presentan, de forma conjunta y complementaria, esa visión pop propia de una sociedad mediatizada, fiel heredera de una infancia bien nutrida visualmente.

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Como ya sabemos, no se puede estar soñando o escapando de la realidad todo el día, por esto mismo nos gusta encontrar pequeños detalles que alteran la aburrida linealidad de nuestro entorno. Ante un paisaje urbano, gris y monótono, más cercano a lo industrial que a lo humano, siempre queda la esperanza de tropezarse con eventos estéticos singulares como nos muestran las fotografías de Andy Feltham.

"Tan pronto como mi estilo fotográfico se ha cristalizado, he descubierto que mi fuerte es la creación de imágenes que no contienen formas de vida, pero que no podrían ser posibles sin estas mismas." Comenta Feltham sobre su obra. Andy en realidad trabaja en la sanidad y no fue hasta que su mujer le regaló una cámara que desarrolló su pasión por la fotografía urbana, influenciada por el trabajo de fotógrafos a los que admira como Cartier-Bresson, Winogrand, Erwitt et al.

Sus fotografías buscan ese aspecto discordante, humano, que rompe con la geometría perfecta, esa contradicción poética que hace de una pared un lugar sobre el que meditar una idea, ese momento en que la luz y las sombras juegan a componer con la arquitectura, con lo casual, y solo en ocasiones ese momento en el que el ser humano termina de componer una escena para el recuerdo.

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El aspecto cómico, mágico y artístico de la vida representado por un arlequín, la muerte encarnada por una calavera, por supuesto, y los hongos como elemento de unión entre distintas dimensiones, son todos ellos parte imprescindible del universo visual de Dominic Shepherd, cuyas obras giran una y otra vez sobre el mismo tema, una visión personal revelada en clave de surrealismo psicodélico.

Si bien los términos Surrealismo y Psicodelia se han convertido en una especie de etiquetas tabú en el mundo del arte, son muchos los artistas contemporáneos que comparten en sus obras una nueva perspectiva sobre cuestiones que van más allá de lo meramente formal y real. Y prueba de su total vigencia de estilo son exposiciones como la serie de colectivas The Future Can Wait de Saatchi Gallery, en la que Shepherd a mostrado continuamente sus nuevas obras. Nacido en Inglaterra en 1966, Dominic estudió Bellas Artes en la Chelsea School of Art, entre otros premios ganó el John Moore 23 y actualmente le representa la galería Charlie Smith London.

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Hace un par de días en nuestra sección de vídeos publicábamos los experimentos del Laser Modulator de Wei Chieh Shih. Esta es una de las muy diferentes obras de este joven artista multimedia de Tapei, que lleva desde 2010 mezclando tecnología, moda y arte a partes iguales.

Shih Wei Chieh trabaja en la actualidad como diseñador de tecnología creativa aplicada a la moda y ha mostrado sus resultados en eventos y festivales internacionales como SXSW, Fashioningtech, Hackaday, Adafruit, etc. Entre los distintos proyectos destaca "I am very happy I hope you are too" (fotos de Taku Kazuya) que realizó a través de una residencia artística en Oaxaca (México) donde combinó leds con la tradicional confección de telas de la zona, dando como resultado un híbrido entre cultura ancestral y estética futurista.

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Una de las grandes preocupaciones de una mente joven es descubrir su propósito de vida, encontrar un objetivo que marque las líneas a seguir. Pero solo hay una manera de hacerlo, perseguir un sueño con todas tus fuerzas, que cada gesto sea un paso más en tu camino, y si ese camino es la pintura, cada pincelada debe ser una honesta y decidida obra, una nueva realidad. Sin duda, el joven Gonzalo Fuentes (Málaga, 1991) tiene ese objetivo claro y camina hacia él.

A pesar de haber terminado muy recientemente su Máster Oficial en Investigación en Arte y Creación, Gonzalo apunta ya maestría en lo que fue su primera exposición individual, Juegos de Construcción (2014) en la Sala de exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Málaga. En ella presentó una obra sólida, interesante y actual, propia de una clara visión, tal y como él mismo comenta: "la pintura me permite recrear un mundo paralelo, donde aislarse y reflexionar acerca del nuestro. Existe en mí una intención de llevar al espectador a una espacialidad ambigua, en la que poder adentrarse aunque no sin cierto misterio y extrañeza". Dicho espacio es una versión semi-abstracta de la realidad, donde las dimensiones se pliegan, solapan y crean infinitas posibilidades de color para aquellos espectadores en busca de nuevas esperanzas y emociones artísticas.

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Un artista es como un narrador de historias. Las ideas y la moraleja son la esencia, pero la forma de contarlo puede variar. Por esto mismo un artista, como es el caso de Miguel Rael, no entiende de límites formales o no debería, sus ideas van de la fotografía al vídeo, pasando por el fotomontaje, la instalación y todo tipo de formatos que ayudan a contar esa historia.

En este caso la historia trata sobre El Desacuerdo y tendrá lugar en la galería de arte valenciana Espai Tactel, a partir del 16 de Enero, día de su inauguración.

Nacido en Lorca en el 1974, Rael se ha convertido en un habitual de la escena Valenciana, en el pasado representado por Luis Adelantado y ahora por Espai Tactel. Su obra tiene un carácter minimalista y conceptual con tendencia hacia la abstracción, pero sin perder un componente figurativo, gestual, casi violento... Una lucha continua del propio artista por prevalecer, dejando su huella por cada obra y cada espacio que pasa.

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Vuelta a empezar, otro año, otro mes, otro día, otro loop... Incluso el ser humano y sus ideas parecen girar en circuito cerrado, mientras nos preguntamos si alguna vez saldremos de esta caverna, si terminaremos por abandonar este mundo con paso decidido hacia otros universos. Este viaje, esta huida va por dentro tanto como por fuera, es tan real como irreal, por esto mismo necesitamos arquitectos de sueños como el joven francés Victorien Aubineau.

Aunque Victorien terminó recientemente sus estudios en la AGR L'école de l'image de Nantes, llevaba años dedicado al mundo gráfico, tanto tipografía como diseño, pero muy especialmente centrado en la ilustración. Su obra tiene claros referentes del cómic, como el maestro Jean Giraud que hace de Estrella Polar para tantos dibujantes de esta generación, pero así mismo del cine fantástico y la ciencia ficción. Sus más recientes creaciones, como la serie Emmêler, nos hace pensar precisamente en ese misterioso futuro que nos aguarda, el nuestro, el vuestro y por supuesto, el suyo propio.

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